Fumetti di Carta

La Guerra Eterna

2012-01-31T11:08:00.000-08:00

La Guerra Eterna (La Guerre éternelle), di Marvano, Joe Haldeman - traduzione: Pier Luigi Gaspa – vol. 17x24, B, 160 pp, col. - 001 Edizioni - € 18

La parola fortuna porta male in guerra.
Per questo tra commilitoni e ufficiali ci si saluta mandandosi reciprocamente a quel paese, per sfidare con l’irriverenza una sorte che pare essere già decisa. Una guerra interminabile, fuori dal tempo, combattuta in uno spazio che non è mai sembrato tanto vasto e spietato.

La scienza terrestre fa un balzo in avanti nel 2045, quando la teoria della relatività di Albert Einstein è rimessa in discussione e l’uomo riesce infine a raggiungere la velocità della luce. Questo abbattimento dei limiti fisici dà inizio alla conquista terrestre dello spazio finora inesplorato, ma un confuso incidente dalle parti di Aldebaran causa lo scoppio di un conflitto con la sconosciuta razza dei Taurani. Una guerra feroce che durerà secoli, mietendo milioni di vittime tra due popoli tecnologicamente evoluti, ma che ignorano tutto l’uno dell’altro, né sono in grado di scambiare la minima comunicazione. Sulla terra, le informazioni che giungono dal fronte sono filtrate da una rigida propaganda. Il tempo stesso cambia significato, alla luce delle moderne tecniche di viaggio spaziale. Mesi per le truppe al fronte, decenni per la terra, che nel frattempo muta costumi e norme, rendendo alieni i suoi stessi figli, impegnati in un lontanissimo, insensato combattimento senza fine...

Joe Haldeman pubblica il suo romanzo La Guerra Eterna (The Forever War) nel 1974, vincendo due anni dopo i prestigiosi premi Hugo e Nebula per la letteratura di fantascienza. Haldeman affida al racconto avveniristico le sue memorie di reduce del Vietnam, in una saga che non concede niente all’epica o alla retorica, ma sceglie una chiave intimista e struggente, trasfigurando in una serie di quadri potenti il ricordo di una guerra immotivata e interminabile. L’adattamento a fumetti de La Guerra Eterna, che si giova delle illustrazioni asciutte e nello stesso tempo spettacolari di Marvano, si affida molto alle parole della sua fonte letteraria (pubblicata in Italia nella collana Urania di Mondadori) e dimostra quanto il confine tra narrativa e fumetto possa farsi sottile quando i temi sono fondamentali e il narratore di talento. Monologo interiore e dialoghi sono scelti in modo equilibrato, e La Guerra Eterna, il fumetto, si rivela un’opera autonoma di forte impatto emotivo.

«Sono contro la guerra,» afferma Haldeman, «non contro i soldati.» Soldati le cui vite spezzate, l’autore racconta in modo partecipe, senza mai scadere nel romanticismo o nel racconto bellico di maniera. Se ne La Fanteria dello Spazio, di Robert Heinlein, altro romanzo di fantascienza cui il libro di Haldeman è spesso accostato, emergeva soprattutto il clima di propaganda e di generale esaltazione militare, in La Guerra Eterna prevale il progressivo senso di alienazione dei soldati terrestri. I rapporti affettivi, riassunti con pochi essenziali tratti, appaiono tanto più disperati e convulsi quanto gli stessi protagonisti, poco più che anonimi, risultano icone universali di una parabola antimilitarista che non fa sconti. Marionette in un gioco crudele che annienta le loro vite senza alcuna ragionevole motivazione, in un conflitto secolare le cui cause non sono mai state veramente comprese.

Ma il vero protagonista de La Guerra Eterna, al di là dei suoi attori, è la guerra stessa. Un conflitto mostrato non solo nelle sue folli esplosioni di violenza, ma nelle sue conseguenze devastanti per coloro che riescono a sopravvivere. Viaggi interstellari che per il tempo terrestre durano secoli. Uomini e donne strappati alle loro culture e lanciati in un estenuante prova di forza, mentre il loro pianeta di origine cambia, si evolve, dimentica. Il punto di vista dei reduci, drammaticamente rappresentato da questo scollamento dalla realtà che li attende a casa, è uno dei temi di maggiore interesse del fumetto basato sull’opera di Haldeman, il più disturbante. Una lettura seducente che fa star male, e rammenta con toni mai convenzionali che il prezzo della guerra è l’umanità stessa.

Filippo Messina

Monster Allergy

2012-01-28T15:04:00.000-08:00

Monster Allergy
di Alessandro Barbucci , Francesco Artibani, Barbara Canepa, Katja Centomo
48 pp. colore, 3 euro caduno, GP Publishing
.

.
Ciao a tutti! Torno su queste pagine nella veste di traghettatore di genitori alla ricerca di valide e sempre nuove letture per i loro piccoli combinaguai preferiti, munito non solo del mio sindacabilissimo giudizio ma anche di una sacca piena di entusiasmo colmata direttamente dalla mia bambina e i bambini si sa sono puri e innocenti, difficilmente mentono (anche se qualcuno afferma il contrario, ma questi sono punti di vista).
.

La volta scorsa vi parlai della collana GP Twilight che presenta i fumetti tratti dai maggiori successi cinematografici della Dreamworks (da Shrek e Megamind ormai si sono aggiunti Kung Fu Panda, I pinguini del Madagascar e Il gatto con gli stivali).
Torniamo ancora una volta in casa GP Publishing questa volta con un'iniziativa totalmente made in Italy. Lo scorso novembre ha esordito nelle edicole italiane la ristampa di Monster Allergy, serie creata da Francesco Artibani e Katja Centomo per i disegni di Alessandro Barbucci e Barbara Canepa già nel 2003.
.

Monster Allergy ha alle spalle già una storia di tutto rispetto. Pubblicata oltre che qui da noi anche in Francia, Germania e Sud America, la serie baciata dal successo si fregia anche della trasposizione sul piccolo schermo sfociata in due serie a cartoni animati. Grazie alla ristampa della serie da parte della GP sarà possibile per i più piccoli (ma anche per i genitori) recuperare dall'inizio le avventure dei simpatici Elena e Zick.

Bigburg è una grande città moderna. A Oldmill Village, uno dei suoi sobborghi ancora libero da traffico, inquinamento e grattacieli, si trasferisce la famiglia di Elena Patata.
.

Come succede in molte storie per ragazzi, il trasferimento in un nuovo quartiere offre la possibilità di fare nuovi e interessanti incontri. Diciamo che nella fattispecie il primo incontro della protagonista non è tra i più felici. Le invadenti e irritanti Patty e Tatty si presentano ai nuovi vicini cucendo addosso i panni agli abitanti del quartiere, giusto per far sapere a Elena chi sia conveniente frequentare e chi no. Nella lista nera delle due ovviamente c'è Zick, l'altro protagonista della storia.
.

Da questo clichè muove i primi passi una storia che risulta comunque fresca e subito coinvolgente. Zick infatti non è un ragazzino come tutti gli altri, vive in casa con la madre, i fantasmi dei nonni ed è l'unico abitante del quartiere che vede i mostri che vivono in mezzo a loro (più o meno). Parla con il suo gatto che ricambia e soprattutto la vicinanza con i mostri, ma non solo, gli provoca una brutta allergia.

Alla buona riuscita della storia contribuiscono in maniera fondamentale i mostri che per lo più ispirano grande simpatia, primo fra tutti il grosso e rosso e tanto tonto Bombo.
.

Il primo incontro tra i due ragazzini non sarà dei migliori ma pian piano Elena inizierà ad apprezzare la compagnia di Zick (e viceversa) e a credere alle sue stramberie. Per Elena sarà naturale chiedere l'aiuto di Zick quando il suo gatto Sfruscio sparirà nel nulla.

Un caso da risolvere, la scuola e i bulli, il quartiere, i mostri, i fantasmi dei defunti sono le caratteristiche che condurranno il simpatico duo attraverso le loro avventure che sfoceranno nei numeri successivi nella grande città e nel confronto con una prima e pericolosa nemesi dei due ragazzini.
.

I testi della coppia (di nome e di fatto) Artibani/Centomo sono brillanti, appassionanti per i più piccoli e sicuramente divertenti anche per gli adulti che, alla ricerca di svago per i propri piccoli, si cimenteranno nella lettura di queste storie.
.

I disegni di Barbucci e Canepa sul numero d'esordio sono semplicemente ottimi. Uno stile cartoonesco che però non sfocia mai nel caricaturale, grande lavoro sul design dei personaggi dai protagonisti fino ai mostri, dettaglio e precisione sui fondali e praticamente nessun calo qualitativo riscontrabile in nessuna vignetta dell'albo. Ottimo anche l'uso del colore.
.

Nei numeri successivi il lavoro degli altri disegnatori, Giovanni Rigano e Daniel Vetro, garantiscono uniformità stilistica alla serie pur mantenendo la giusta personalità nel tratto e qualità sempre all'altezza.

Una bella sorpresa questa serie che mi sto godendo anche io con la scusa di leggerla alla mia piccola principessa.

Dario Lopez

- GP Publishing

Pugaciòff Magie & Dintorni – Il fantasma Aiace

2012-01-21T09:34:00.000-08:00

Pugaciòff magie & dintorni, 1966/1968, di Giorgio Rebuffi – a cura di Luca “Laca” Montagliani – brossura, 176 pag. b/n – 10,00 € – Annexia
.
.
Il fantasma Aiace e altre storie, di Giorgio Rebuffi – a cura di Luca ‘Laca’ Montagliani – brossura, 352 pp. b/n – 10,00 € – Annexia
.
.

Su Fumetti di Carta si è parlato diverse volte di Giorgio Rebuffi e delle sue creazioni, di Pugaciòff in particolare.
Continuiamo e continueremo a parlarne perché Rebuffi è un autore del fumetto italiano che merita incondizionata ammirazione e maggior diffusione tra i “non adepti”.
.
Non è, attenzione, un “eroe in sordina”, non stiamo parlando di un anima per pochi eletti, rifugiata e sicura in una sacra nicchia venerata della Critica Ufficiale, proprio no: parliamo di un autore, un vero e proprio Maestro – Giorgio: non si arrabbi per favore, quando ci vuole, ci vuole! – che ha fatto scuola e che soprattutto ha fatto ridere e sognare centinaia di migliaia di bambini, ragazzi e adulti in un arco di tempo lunghissimo, che arriva fino ad oggi.

Il co-creatore di Tiramolla, ahinoi, non è conosciutissimo dalle giovani generazioni di lettori di fumetti, si intende dai “lettori comuni” ché chi appena appena si interessa ai fumetti con un briciolo di profondità in più Rebuffi lo conosce di sicuro indipendentemente dalla sua propria giovane età. Ciò depone in parte a sfavore della conoscenza limitata e un po’ inquadrata delle giovani generazioni di lettori, i quali però non sono certo aiutati da riviste, siti, blog e webzine generalmente troppo occupati a correre dietro all’ultima sensazione.
E depone decisamente a sfavore di una certa, conclamata miopia dell’editoria mainstream, ça va sans dire. Perché, diciamolo, in altre nazioni le storie di Rebuffi godrebbero di periodiche ristampe in lussuose edizioni cartonate.
.
Fortunatamente qui da noi c’è Annexia di Luca “Laca” Montagliani [di cui s’è parlato anche recentemente qui], che con “ostinata cocciutaggine” ed encomiabile convinzione continua a proporre volumi e cofanetti rebuffiani – anche se per ora non cartonati e non in tirature ciclopiche – per la gioia e la delizia dei fortunati acquirenti. E dei loro eventuali figli naturali o adottivi che siano (e/o nipotini/e, cuginette/i, va bene anche fino al sesto grado, ma arriviamo anche fino al settimo, via!).
.
Perché non è che le storie e i disegni di Rebuffi siano godibili solo da vecchi babbioni – come l’estensore di queste righe – con la fregola del fumetto umoristico un po’ agée, per carità! I bambini, quei pochi che leggono ancora i fumetti, sono in grado di fruire al meglio (= divertirsi assai con) Pugaciòff & Compagni. Provare per credere.
.

.
I cofanetti e i volumi rebuffiani della Annexia sono straordinariamente ben curati, probabilmente – azzardo l’ipotesi - perché godono di quell’elemento in più che risponde al nome di “passione”.
Qui su Fumetti di Carta, non se ne fa mica mistero, si cerca di convincere gli ignari alle gioie del Luposki e degli altri personaggi rebuffiani, con un’opera di fiancheggiamento che speriamo sinceramente sia utile a qualcuno per trovare o ritrovare qualche ora di sano e gustoso intrattenimento.
.
Stavolta i volumi che presentiamo sono due, doppia fortuna quindi!
Cominciamo con quello che presenta i personaggi più conosciuti: Pugaciòff magie & dintorni 1966 – 1968.
.

Avete presente le avventure “medioevali” di paperi e topi?
Beh: non sono proprio la stessa cosa. Senza nulla togliere ai più famosi americani, qui volano botte da orbi, botte “vere”, insulti politicamente mica tanto corretti, anzi spesso scorrettissimi; si spara a povere bestiole e si scampano decapitazioni per un pelo… ma non si tema, i bambini e le bambine non solo non se ne turberanno, ma si faranno anzi belle e grasse risate, perché certi temi, certi topoi oserei dire per darmi un qualche tono (o certi paperinoi, potrei dire per sfogare il mio umorismo atroce ^__^), non hanno data di scadenza e restano sempre validi ed efficaci dagli zero ai novantanove anni e se si è fortunati anche oltre.
.

.
L’ambientazione che fa da sfondo alle storie medievali di Pugaciòff è quella del feudo, con relativo castello, del barone Bombardone de la Bombardière (Bombarda, ovviamente) signorotto del luogo perseguitato dalla sfortuna, dal nostro Lupo preferito e dai “servigi” di un mago completamente incapace, Merlone (Beppe in medieval version). A risolvere qualcuna delle situazioni più disperate ci pensa, o almeno ci prova, Merlino (Cucciolo middle-age), altro mago leggermente meno incapace e con quel briciolo di “saggezza” in più.
A incasinare ulteriormente il già notevolissimo casino in cui Pugaciòff ha gettato il feudo, ci pensa Giona il Nero, cugino di Merlino-Cucciolo e terrificante portatore di una sfiga (nera, appunto) da cui non c’è scampo alcuno!
.
Le situazioni delle dieci storie presenti nel volume sono puro slapstick, velocissime e zeppe di movimento, tantissime botte (= tante risate) per un medioevo che di oscuro ha soltanto la paura di Bombardone de la Bombardière di far da pietanza a Pugaciòff.
L’escamotage della magia permette all’autore di scatenarsi in mille trasformazioni e metamorfosi e permette al suo segno una particolare vivacità che rende queste storie una più godibile dell’altra anche da un punto di vista squisitamente grafico.

Rebuffi in queste storie gioca con qualsiasi cosa abbia a disposizione: linguaggio, segno, battute, la situazione contingente dell’epoca nella quale queste storie vennero concepite, i luoghi comuni; gioca con una fantasia scatenata e geniale divertendo (e, sospetto, divertendosi) ai massimi livelli! La sensazione forte, si perdonino la romanticheria e l’eventuale ingenuità, è quella di leggere storie che non sono state create (solo) per portare a casa uno stipendio – intento lodevolissimo, intendiamoci! – ma (anche) per puro diletto dell’autore. E’ questa una delle doti che distingue un grande maestro da chi non lo è.
Volume consigliatissimo per grandi e piccini e medii.
.

E veniamo a Il fantasma Aiace e altre storie, volume che è una vera sorpresa per chi, ad esempio per questioni anagrafiche, non ha potuto godere in diretta dell’immensa produzione di fumetti umoristici editi dell’editore Bianconi o dalle Edizioni Alpe.

Volumotto corposissimo che contiene parecchie storie di Rebuffi che vanno dalla seconda metà degli Anni 50 (del secolo scorso) ai primissi Anni 60 (idem).
Si tratta di storie più scanzonate rispetto a quelle del Luposki, protagonisti delle quali sono tanti personaggi, umani, animaleschi o… defunti, come l’Aiace del titolo.

A qualcuno parrà esagerata la definizione sottostante… ma questo volumotto foriero di svariate mezzore di purissimo svago, ha le caratteristiche per essere considerato anche una specie di… manuale del fumetto umoristico.

Tanti e tali sono gli stili e i tipi di segno che Rebuffi usa per illustrare le brevi storielle di Aiace e degli altri presonaggi, che talvolta parrebbero disegnate da mani diverse. Rebuffi che gioca col metafumetto l’abbiamo già incontrato nei precedenti volumi e cofanetti del Luposki editi da Annexia (vedi link lì sotto a sinistra): ebbene con il Giotto il bassotto, non solo voce narrante ma anche… disegnante di alcune storie, le citazioni metafumettistiche si fanno arditissime. Così come i crossover con personaggi di altre storie non rebuffiane (mitica Nonna Abelarda, che le suonerebbe pure a Ben Grimm!) che spuntano improvvisamente per ricordare all’autore che sta finendo le pagine a sua disposizione!
.

Non c’è dubbio che all’epoca, e a fronte di tirature che oggi paiono mitologiche, i tempi delle consegne fossero stretti, e forse anche questo fattore può aver giocato – è solo un’ipotesi, s’intende – a favore di questa divertente e curiosa aria di “improvvisazione” che si respira in molte parti del volumotto. Ciò vale soprattutto per il citato Giotto il Bassotto o per Tom Porcello, personaggi che si muovono tra rutilanti gag e puri nonsense. E, nel caso di Tom Porcello, ci si muove tra una enorme quantità di botte & percosse varie.
.
Il fantasma Aiace, defunto protagonista di storie di più ampio respiro e con una struttura di base più delineata, gode invece di una sorta di continuity interna con storie che cominciano all’esatto punto in cui finivano le precedenti. Aiace gode anche di un maggior “spessore” come character, dimostrando di essere adatto sia alle classiche (buffe) storie di spettri che ad ambientazioni bucoliche e solari; un personaggio cui ci si affeziona volentieri e in breve tempo, insomma.
.

.
All’interno del volume, anzi dei due volumi qui sommariamente presentati, come sempre articoli e scritti di persone sia degne che un po’ men degne (come il sottoscritto, per dire).
In conclusione, ossia in attesa delle prossime pubblicazioni rebuffiane dell’Annexia, e di eventuali soprese di Giorgio Rebuffi in persona (eh già… curiosi eh? ^__^), consigliamo questi volumi a chiunque sia disposto a viaggiare con la fantasia in un mondo alquanto diverso da quello dei fumetti dell’oggidì e forse proprio per questo particolarmente affascinate, curioso, divertente, magico, buffo. Certo, anche “strano”, perché no!
Eppoi, provate a far leggere queste storie ai più piccoli: c’è la concreta possibilità che facciate loro una inaspettata ma quasi certamente gradita sorpresa.
.
.

Orlando Furioso

.

“… Giorgio Rebuffi, fumettista di immensa originalità, che alla fine del decennio Cinquanta, nel tascabile più popolare dopo “Topolino” [“Cucciolo”, ndr], adotta una linea grafica modernissima riempiendo inoltre le tavole di esilaranti gag surreali.”
[Luca Boschi, dal volume dedicato a Luciano Bottaro “I Magnifici”, edito da Comma 22]
.
- Ottag.it
- Annexia
- Pugaciòff & dintorni 1959 – 1963
- Pugaciòff & dintorni 1963 – 1965
- Pugaciòff Almanacchi & Strenne
- Blog di Laca
.

Brooklyn Dreams – Sogni a Brooklyn

2012-01-12T03:57:00.000-08:00

Brooklyn Dreams – Sogni a Brooklyn, di J.M. DeMatteis, Glenn Barr; traduzione: Giorgio Neri – € 15 – Magic Press
.

“Momenti che rimangono veri sotto ogni classificazione”
.

Sono questi gli istanti fotografati da J.M. DeMatteis, autore noto alla maggior parte dei lettori per il suo lavoro sulle serie Marvel, soprattutto celebri cicli dedicati all’Uomo Ragno (L’ultima caccia di Kraven, Il bambino dentro).

Ma anche per aver contribuito a firmare grandi successi della concorrente DC, come Justice League International, insieme a Keith Giffen e Kevin Maguire.
Un nome, quello di DeMatteis, legato per lo più al mondo dei supereroi, e dunque tanto più sorprendente quando propone un graphic novel non di genere qual è Brooklyn Dreams, oggi ripresentato in Italia dalla Magic Press in una nuova edizione in unico volume.

L’intento di DeMatteis va al di là della semplice narrazione autobiografica. Mira piuttosto a estrapolare dai propri ricordi (veri o presunti) eventi e reazioni umane codificandoli in un linguaggio formale che li renda universali, e pertanto assolutamente credibili, proprio perché vissuti nella realtà, con poche varianti, da una quantità trasversale di individui. Non sono pochi i lettori che si riconosceranno in molte delle disavventure di Vincent Carl Santini, ragazzo cresciuto a Brooklyn negli anni settanta, circondato da una famiglia disfunzionale quanto buffa, dove ogni dramma si tinge di grottesco e dove ogni personaggio è caratterizzato con una forza ironica che deve molto alla poetica di Woody Allen.
.
Vincent Carl Santini, figlio di un irascibile italiano cattolico e di una donna ebrea americana apprensiva e isterica. Un quadretto di complessità familiare nel quale è facile per chiunque identificarsi. Il giovane Santini non è un eroe, non è destinato a compiere imprese memorabili. E’ impacciato, confuso, dedito agli stupefacenti, e attraversa gli anni settanta con le medesime incertezze di tanti uomini e donne della sua generazione. Quella portata in scena da Brooklyn Dreams non è una vicenda di rancori irriducibili e traumi inconfessabili, ma la normale anormalità di una delle tante famiglie incasinate della storia del mondo. Non una delle peggiori. Solo una delle tante. Un paradigma talmente riuscito delle ansie giovanili da risultare come un simpatico specchio per il lettore. Un diario che, per quanto scritto da un estraneo, produce empatia, suscitando emozioni agrodolci.

La sintesi del disagio familiare e adolescenziale realizzata da DeMatteis è resa graficamente in modo molto efficace da Glenn Barr, disegnatore in grado di mutare registro come un camaleonte, passando dal realismo al pittorico e a espressive sequenze cartoonistiche. Un mix di stili che contribuisce a vivacizzare l’epica esistenzialista di DeMatteis e a conferirle quel senso di universalità che tanto preme all’autore. Forse un buonismo di fondo spunta un po’ le armi della satira sociale, e il confuso misticismo della seconda parte neutralizza qualche potenzialità eversiva del racconto. Ma Brooklyn Dreams è quello che è. Un romanzo di crescita, una storia di consuete difficoltà e ordinarie nevrosi, confezionato per colpire il cuore di tanti senza disturbare nessuno. Ed è scritto talmente bene da rappresentare realmente dei “momenti che rimangono veri sotto ogni classificazione”.
Brooklyn Dreams parla di tutti, parla di noi. Magari non dice proprio tutto. Ma per questo potrebbero esserci altri libri, altri fumetti, altri momenti veri sotto ogni classificazione.
.

Filippo Messina

- Magic Press

New Ultimates: Thor rinato

2012-01-10T09:32:00.000-08:00

Ultimate Comics nn 5 – 6 – 7;
di Jeph Loeb (storia),
Frank Cho (disegni),
Jason Keith (colori);
cad. 48 pag, 3 euro – Panini Comics

Oggi sono qui per consigliarvi l’acquisto di Ultimate New Ultimates, miniserie firmata da Loeb e Cho, che rispolvera i Vendicatori dell’universo alternativo della Marvel Comics dopo gli eventi di Ultimatum.
.

Punto forte della miniserie: le tavole di Frank Cho, l’autore della divertente comic strip Liberty Meadows (pubblicata in Italia da Salda Press) ci delizia con tavole pulite e godibili, e con illustrazioni perfette e notevoli. Dimostrando d’essere più che in grado di gestire più di tre vignette alla volta.
.

Al di là delle sue ormai famose prosperose pupattole – fantastica a tal proposito la sua Zarda, semplicemente “tanta”, come direbbe qualcuno – Cho butta giù per l’occasione una serie di bellissime tavole, con frequenti splash-page ricche di particolari che si lasciano decisamente ammirare, complici i coloristi, Keith e Anderson, che aggiungono corposità alle sue figure che di solito preferiscono il bianco e nero, e che comunque quando sono colorate presentano una colorazione abbastanza sbrigativa ed anonima (vedi Liberty Meadows)

Merito del godibile lavoro grafico di Cho è anche un Loeb, particolarmente ispirato, che sembra confezioni per l’artista una sceneggiatura a misura della sua matita, infatti non mancano gli elementi che Cho adora disegnare: draghi, le due tigri di Ka-Zar ed Orchi nerboruti a palate. Collaborazione già vista tra l’altro di recente sulle pagine di Hulk, in cui ha sostituito McGuinnes nelle prime storie di Red Hulk.
.

Direi che con questa miniserie, Loeb si fa perdonare le sue pessime incursioni nell’ universo Ultimate: Il suo Sesso bugie e DVD ed il suo veramente orrido Ultimatum. Che come se non bastasse, come aggravante, ebbero la sfiga nera di seguire i capolavori di Millar, vale a dire quelle prime due stagioni di Ultimates disegnate da Hitch di cui si parlerà nei secoli dei secoli amen e che sembra Millar sia incapace di ripetere.

Thor Rinato invece ha tutti i pezzi al posto giusto per essere considerato una lettura piacevole, lungi da me, paragonarlo a pietre miliari, ma in mezzo a tutto questa mediocrità sopravvalutata dilagante, è già tanto trovare qualcosa che vi prenda tanto da farvi arrivare alla fine di un albo, invece che lanciarlo dalla finestra dopo poche pagine.

Pubblicato dalla solita Panini su Ultimate Comics nei numeri 5, 6 e 7, il ritorno di Thor, (che era rimasto nel regno dei morti per salvare la sua ragazza, Valchiria, morta nell’inondazione operata da Magneto durante il mega-evento Ultimatum) vanta tutti gli ingredienti classici del fumetto supereroistico, c’è il super-cattivo con il piano audace e geniale, c’è la bella, anzi direi che le belle non mancano, c’è l’introspezione, che da Loeb non ve la sareste mai nemmeno sognata, c’è persino l’amore, ed un finale lineare. Mica poco.

Bella la retrospettiva che Loeb scrive per Barbara Norris aka Valchiria, belli tutti i dialoghi, e le caratterizzazioni dei personaggi, particolarmente riusciti i suoi Occhio di Falco e Capitan America, molto fedeli alla loro “cronologia-psicologica”. Chi si discosta sempre più da ciò che era, è proprio Thor, un peccato, perchè storie dopo storie il Tonante, somiglia sempre sempre più al Dio Asgardiano dell’universo titolare, e sempre meno all’eco-terrorista ipotizzato da Millar.

La paura di spoilerare troppo sulla trama frena la mia lingua, però posso dire che come miniserie è decisamente migliore del pattume che ci sta rifilando Millar sui suoi Ultimates Avengers (di cui abbiam parlato troppo bene troppo presto, in questa stessa sede, mea culpa.)

Come detto la storia è lineare, certo il super-piano del super-cattivo è molto Golden Age, molto “tanto rumore per nulla”, ma d’altronde anche una bistecca cucinata male, pare appetibile se ben impiattata. Quel che conta è che Loeb non si perde nella caciara solita, ma dosa bene i vari elementi fino all’ ultima pagina, tenendo bene il ritmo. Ed alla fine, il risultato si fa decisamente leggere.

Miniserie promossa insomma, meglio questa che i Vampiri di Millar, e dall’incipit letto, sembra meglio anche dei nuovi Ultimate X-Men, la mini di Loeb e Adams che rilancerà i mutanti ultimate.

Pagella finale: Buono per la storia e Ottimo per i disegni.

Baci ai pupi.

Gennaro Cardillo

One Day - di Benjamin

2012-01-10T09:12:00.000-08:00

One Day, di Benjamin - manhua, volume unico, brossura, pp. 128, colore – 15 euro – Grifo Edizioni

Un giorno, casualmente, sono stato distratto da quell’immagine stampata. Era la copertina di One Day, firmata Benjamin.

Quel nome mi diceva un mucchio di cose, e si faceva un autoscatto nella mia testa con tanto di flash. Appurato ciò, sono tornato concentrato su quello che stavano afferrando le mie inconsapevoli mani. Incastonato su sfondo rosso, c’era un ragazzo che se la tirava, consapevole di tutto. Indossava un completo che mi ha ricordato il punk, il nazismo, i giochi di guerra, la versione dark maschile di Tank Girl e qualcosa che non era ancora stato inventato. Fortuna che c’ha pensato Benjamin.

In quel preciso istante, sapevo già che avrei tirato fuori il mio piangente portafogli e prelevato da esso qualsiasi cifra, ed è proprio così che è andata, e come non sarebbe dovuta andare (forse). Ero sperduto ed incredulo, dopo averlo aperto e sfogliato con freddezza. La prima impressione era che fosse tutto sconclusionato, un gran calderone con tanta roba anonima di cui non avevo bisogno, non dopo quel ragazzo che mi fumava addosso, attraverso la copertina, tenendo un basso con la mano sinistra e una tanica con la destra. Poi ho letto One Day e ne ho avuto la conferma, e ora faccio fatica a ricordarmi di cosa parli.

One Day è anche il titolo della prima storia in bianco e nero che incrociamo con lo sguardo. Il protagonista è un giovane cinese che rincorre il suo sogno. Il ragazzo è innamorato, ma probabilmente non ha ancora capito che bisognerebbe amare prima sé stessi, e poi il resto del mondo (se mai sia possibile). E’ una storia che mi ha suscitato una terribile sensazione di incompiutezza, nella trama, nei disegni e nell’anima.

Fiore che non vive d’estate, la seconda in ordine di apparizione, racconta senza l’uso della parola (sempre in bianco e nero), affidandosi ai disegni e ai suoni cartacei. Qui l’amore trionfa a modo suo, e si percepisce. Il risultato, però, è davvero lontano dal convincermi, e mi fa pensare ad un’ovvia conclusione che verrà rafforzata dall’ultima storia in scaletta, e ve la dirò fra qualche riga.

Divagazioni di pomeriggio è la terza “storia” che incontriamo. Non ho idea di come Benjamin l’abbia concepita e del perché l’abbia realizzata in quel modo, specie nelle pagine 66 e 67, con quell’orribile trama a righe che fa da sfondo alle tavole.

Le colombe planano nel silenzio è l’ultima storia del volume, che precede il pezzo forte, quello che vale il prezzo del biglietto. Qui invece, purtroppo, tornano le parole, e viene da avvilirsi nuovamente. A salvarsi sono i colori e in parte anche il tratto, decisamente più vivo.

.
Ed è ora che viene il bello, la parte più forte e delicata, il motivo per cui Benjamin è un narratore del momento (inteso come attimo).

Illustrazioni, 1999 – 2005. Questo è il titolo dell’ultimo capitolo di One Day, che ci accompagna in circa 20 pagine di totale perdita dei sensi. Benjamin non è nato per raccontare a parole, ma tramite immagini. E non sono io a dirlo, ma ciò che segue.

Pag. 86, Il fumatore dal cappello di cuoio (versione originaria). Solo un volto, di profilo, che nasconde una ferita aperta, che probabilmente il tempo farà fatica a dimenticare.

Pag. 88, Una strada d’estate dopo la pioggia. Nel 2000, l’anno prima di One Day, Benjamin è in grado di assorbire un’anima nella pioggia. Il ragazzo ci guarda, ci conosce.

Pag. 89, Giovane Cinese. Anche lui fuma, come gli altri, ma è ancora più sbiadito, tanto da risultare meno giovane di quello che la vita gli da.

Pag. 90, Capelli Bianchi. Il ragazzo è sfrontato, ma più nel suo mondo. C’è distanza fra lui e noi.

Pag. 91, Il Muro Giallo. Sofferenza e soddisfazione, come se quella secchiata di giallo e arancio fosse stata curativa.

Pag. 98, Metal. Faccio un balzo in avanti (2005), perché in questa c’è qualcosa di insolito. Ci dimostra (sempre più) che Benjamin ha facoltà di annebbiarci la vista, portandoci nell’attimo.

Pag. 101, Lacrime. Ne faccio un altro, stavolta all’indietro (2001). Il campo si stringe su un viso di ragazza. C’è solo lei, pallida come una lastra di ghiaccio che ha appena iniziato a sciogliersi.

Pag. 102, Domenica. Torna il caldo, di domenica. E’ il momento di scegliere qualcosa per la giornata, e lo zaino le pesa. Qui, i colori, sono la fine del mondo.

Pag. 103, Alice nel paese delle meraviglie. La ragazza ci guarda, sembra che le sue labbra abbiano qualcosa da dirci, ma non ce la fanno. La maglia, sotto la giacca, ci sorride, perché anche lei sa che Alice ha qualcosa da nasconderci.

Pag. 104, L’intelligenza delle neve ghiacciata. Anche lei ha qualcosa da dirci, ma non dev’essere nulla di buono. Credo ci sia un demone in lei, nascosto in quei due occhi muti e brillanti.
.

.
C’è questo ed altro, nella piccola poderosa galleria contenuta nel volume. Ci sono anche le spiegazioni di Benjamin ad ogni singola illustrazione, ma ho preferito rivelarvi il modo in cui io le ho viste e ciò che hanno smosso in me.

Ci sono anche tante altre parole interessanti, prefazioni, postfazioni e digressioni. Se spenderete quei 15 euro, potrete leggerle tutte, ma non so quanto ne valga la pena, perché, in fin dei conti, One Day è un fumetto. E’ arricchito da altro, è vero, soprattutto da quelle illustrazioni di cui vi ho parlato, ma non è un libro illustrato. E per fortuna, direi, perché il piccolo formato non da spazio a sufficienza ai nostri occhi. Quel ben di dio andrebbe visto con più chiarezza, e rubato attraverso i sensi con meno fatica.

Se volete una storia da leggere, vi consiglio di guardare altrove, perché il panorama offre di meglio.

Se invece volete viziare i vostri occhi e avete qualche euro da spendere, prendete in considerazione One Day. Io l’ho fatto, e ora so che Benjamin sa come fermare il tempo e fartelo godere. Fino in fondo.

Matteo Spadini

- Grifo edizioni

X-Nerd: Prima Crociata

2011-12-27T08:16:00.000-08:00

X-Nerd: Prima Crociata n. 1, di Emiliano Pagani e Laca - € 4,90 – 001 Edizioni

.
I supereroi nel mondo reale… che figura farebbero? In Italia, poi… Mah! In fin dei conti non sarebbero che uomini e donne adulti che vanno in giro mascherati anche se non è carnevale. Possono mai essere credibili i supereroi a confronto con una realtà ruvida, scellerata e contraddittoria come quella del nostro quotidiano? Una domanda, questa, cui molti autori, tra fumettisti e cineasti, hanno tentato più volte di rispondere. Ma la domanda… lo diciamo senza offesa, resta una domanda da… nerd.

Lo sanno bene anche Emiliano Pagani e Laca, quando hanno scelto di intitolare X-Nerd il loro fumetto satirico, già sortito con un primo ciclo per i tipi della Double Shot, e oggi tornato con la nuova miniserie Prima Crociata, edito dalla 001 Edizioni. La domanda di partenza è nerd in quanto tradisce l’intima necessità di una promozione all’età adulta da parte di un immaginario fanciullesco per definizione. Lo sdoganamento di un genere (i supereroi) in un linguaggio (più che in un contesto) che possa apparire più elaborato e in sintonia con i tempi rispetto alla materia originale, solitamente più ingenua e semplicistica. In sostanza, il desiderio di prolungare una fantasia acerba, che ormai mostra i segni del tempo e ci viene stretta come un abitino nel quale, nonostante i molti sforzi, proprio non riusciamo più a entrare. Un po’ come la calzamaglia di Clifford, impresario obeso, ottuso e narcisista, il cui look da vigilante richiama una via di mezzo tra Batman e il Punisher. Ma a Emiliano Pagani, cocreatore di Don Zauker insieme a Daniele Caluri, qui affiancato dal frizzante Laca, non importa un fico secco di sdoganare i miti eroici degli anni più verdi. Attinge piuttosto ai principali cliché dell’epica supereroistica per metterne a nudo gli aspetti più infantili e reazionari. Aspetti scomodi, psicologie discutibili, dinamiche controverse, che sono in realtà legate a filo doppio con la materia di cui son fatti i sogni in tuta e mantello.

I vigilanti mascherati, per Pagani e Laca, non sono che dei fatui idioti, magari più che benestanti, figli di una cultura individualista e superficiale, cagliata nel campanilismo più bieco, che perseguono spesso interessi puramente personali. Clifford, losco imprenditore ricco al pari di Bruce Wayne o Tony Stark, ammazza la noia ripulendo la città dalla feccia rappresentata da extracomunitari e senza tetto. O almeno questo è quello che ritiene di fare. Al suo fianco c’è Shapiro, una macchiettistica versione del sidekick in calzamaglia, beota e razzista. La loro bibbia? Una ferrea conoscenza delle norme che imperano nei fumetti di supereroi, una forza nerd che li anima e li spinge a marciare verso la loro inutile missione. I disegni sardonici di Laca e i testi feroci di Pagani ribaltano la domanda iniziale e sputano in faccia al lettore un quesito differente: e se nella realtà i supereroi fossero solo dei velleitari, ignoranti e razzisti, tanto simili in spirito ai concorrenti di un qualsiasi reality show?

Se era la realtà che volevate… Beh, eccola servita. Se non vi piace, non lamentatevi. Perché si ride, è vero. Ma a denti stretti. Si fa il tifo per il nemico, e ci si sente gelare quando i due strampalati vigilanti si trovano a fronteggiare quella che potrebbe essere la loro immagine speculare: una bellicosa ronda padana composta da gustose caricature di politici leghisti. La satira c’è, e si sente. Non morde a sangue come in Don Zauker, e probabilmente Rat-Man propone spesso parodie di scenari supereroistici più godibili. Nondimeno, X-Nerd non manca di un suo trucido interesse che nei capitoli successivi potrebbe giungere a maturazione.

X-Nerd è un fumetto comico, ma pregno di un’ironia talmente amara da far male allo stomaco. Un fumetto forse più ispirato socialmente di quanto non sembra a una prima lettura. E se guardiamo con attenzione alla cronaca di questi giorni, potremmo accorgerci che i supereroi di X-Nerd camminano già tra noi, e purtroppo si danno da fare. Magari sono davvero convinti di stare raddrizzando un torto, ma non possegono alcun reale senso di giustizia.
Neanche una briciola.

Filippo Messina ( http://perdido63.blogspot.com/ )

- 001 Edizioni ( http://www.001edizioni.com/ )

Palestina

2011-12-22T23:52:00.000-08:00

Palestina, di Joe Sacco – 320 pp. in b/n - 9,90 euro – editoriale Repubblica/L’Espresso in collaborazione con Coconino Press

Da qualche tempo ormai proliferano le iniziative con le quali alcuni quotidiani o periodici allegano ai loro giornali svariate collane concernenti il fumetto. Negli ultimi anni abbiamo visto avvicendarsi sotto i riflettori Corto Maltese, Diabolik, Tex, I Supereroi Marvel, Alan Ford, I Classici del fumetto curati da Repubblica, I Maestri del fumetto, il Lato Oscuro di questo, le Strisce di quell’altro, etc…

A mio modesto parere una delle iniziative più interessanti in questo campo è stata quella portata avanti da Repubblica/L’Espresso in collaborazione con la Coconino Press. Il titolo della collana semplicemente Graphic Novel.

.Dieci i titoli e gli appuntamenti con i quali il lettore, a un prezzo di soli 9,90 euro, si riusciva ad accaparrare ottime storie a fumetti realizzate da alcuni tra i migliori fumettisti sulla piazza. Il mio ritardo cronico rispetto alla lettura di tutti quei fumetti che esulano dalla serialità mi ha portato solo ora ad affrontare la lettura di alcune di queste splendide opere (splendide almeno quelle lette finora).

Oggi volevo soffermarmi sul quarto capitolo dell’iniziativa. Palestina di Joe Sacco.

Tra il 1991 e il 1992 l’autore del libro trascorre più di due mesi nei territori occupati della Palestina. Non è alla ricerca di pura cronaca, del racconto di fatti precisi con date e minuzia di particolari. Affronta un viaggio in cerca di spiegazioni, di motivi. Principalmente un viaggio in cerca del contatto con la gente, del racconto di vita quotidiana in quel periodo in quel luogo. Il racconto di episodi di vita palestinese.

Apertamente e dichiaratamente schierato dalla parte di questi ultimi, l’autore si limita però a narrare quello che vede, quello che sente e quello che vive durante questi due mesi e rotti di permanenza sul luogo senza mai calcare la mano sul giudizio politico, che comunque e inevitabilmente traspare inequivocabile.
.

Sacco darà spazio nell’ultimo dei nove capitoli che compongono l’opera, anche alla voce israeliana, piccolo scorcio su un differente punto di vista.

Il piglio è quello del reportage, le tavole sviluppate a partire da annotazioni ma soprattutto da fotografie. Per questo libro si è spesa spesso la calzante definizione di reportage a fumetti. Un reportage che muove i primi passi dal Cairo passando poi per Nablus, Gerusalemme, Kibron, Hebron, Ramallah, Jabalia, Nuseirat.

.
Luoghi diversi e storie molto simili. Come filo conduttore l’ospitalità palestinese tributata a chi si interessa della loro condizione, il reporter (ma fosse anche il semplice turista) che si sobbarca il rischio e i controlli israeliani per andare a vedere con i propri occhi le condizioni del popolo palestinese nei territori occupati.

Il rito del te, offerto continuamente agli ospiti. La voglia di raccontare di questo popolo, di far sapere. La narrazione procede per incontri, per racconti, ognuno dei nove capitoli del libro è a sua volta suddiviso in altri piccoli accadimenti. Non mancano accenni ad episodi storici legati alle vicissitudini di questa terra e degli scontri tra i popoli che la abitano: gli accordi di Camp David, l’omicidio Klinghoffer, gli attentati di Monaco, l’Intifada, etc…, ma questi sono marginali alla narrazione scelta da Sacco, come dicevamo una narrazione prevalentemente di vita(ccia).

I soprusi sopra tutto, famiglie che vedono le loro case abbattute, i loro figli spesso incarcerati senza motivo o prove a carico precise, gli ulivi che danno loro sostentamento sistematicamente abbattuti, le visite negli ospedali, nelle scuole, i coprifuoco, la convivenza dolorosa e difficile tra i due popoli, gli scontri, le retate, le torture ma anche l’estrema dignità e la grande convinzione di essere nel giusto di un intero popolo.
.

Un volume necessario per non sentire problemi ormai noti come qualcosa di impersonale, come un fenomeno lontano. Spesso la storia di un popolo è difficile da recepire. Quella di un uomo, di una famiglia, di un ragazzo è più alla portata di tutti. Queste storie, tutte a loro modo terribili, diventano specchio di qualcosa di più grande, dalle storie la Storia.

Sacco racconta tutto avvalendosi di un tratto molto caricato e allo stesso tempo dettagliato nei particolari. Il suo stesso volto è sempre caratterizzato da due lenti tonde e innaturali labbroni che lo rendono il più caricaturale dei personaggi (forse per non offendere nessuno). La scansione delle tavole è assolutamente libera, senza regole apparenti. La tavola viene piegata alle esigenze della narrazione, così come i box di testo, mai lineari o relegati in un angolo della vignetta.
.

Splendide le dettagliate panoramiche sui campi profughi, campi lunghi di una disarmante veridicità nonostante il tratto caricaturale. Guardando la doppia tavola in apertura del sesto capitolo sembra quasi di sentire il fango sotto le scarpe, l’odore dell’immondizia buttata a cielo aperto, il freddo che sente l’uomo seduto sul carretto, il rumore dell’aria sui tetti di lamiera.

Non manca anche un certo piglio umoristico, soprattutto nel tratto, che l’autore mischia sapientemente per mezzo delle sue matite alla tragica narrazione di turno senza che venga mai meno il rispetto per le altrui difficoltà e per le vicende narrate.

Una lettura densa e piacevole allo stesso tempo sicuramente da affrontare con una certa dose di impegno. E’ sicuramente la dimostrazione alla quale si voleva arrivare dando vita alle Graphic Novel e cioè la dimostrazione che “un altro fumetto è possibile“.

Dario Lopez

- La Repubblica – Graphic Novel

- Coconino Press

Zombillenium 2 – Risorse Umane

2011-12-22T23:46:00.000-08:00

Zombillenium 2 – Risorse Umane, di Arthur de Pins – cartonato, colori, 22×30, 52 pagine, 15 euro – ReNoir

Come può l’autore de Il chiodo fisso scrivere una roba che s’intotola Zombillenium? Voglio dire, l’avete letto Il chiodo fisso? Io si, mi manca solo il terzo. Quello è un fumetto inclassificabile, secondo me, sia nell’aspetto che nei contenuti. Il genere è umoristico, è evidente. Ma io direi più semplicemente che si tratta di un fumetto di Arthur de Pins. Punto.

Zombillenium parla di mostri, e questo già lo sappiamo perché abbiamo letto la recensione del primo volume (se state pensando di non averla letta, fatelo subito), ma la sua bellezza sta nel modo in cui vengono rappresentati, quei mostri, a partire dalla straordinaria copertina. Davvero irresistibile.

Se in Gretchen si muovevano a tempo di musica sotto le note di Thriller, in Risorse Umane sarebbe stato più appropriato vederli in altre vesti, ad esempio con borchie e giubbotti di pelle. Who’s Bad? Avrebbero intonato mummie, demoni, zombie e streghe (Gretchen ti amo) verso i “poveri” umani usati come risorse. Perché alla fine il punto è questo; sono loro o siamo noi, i cattivi? Il fatto che loro provengano dalla nostra immaginazione, sarebbe già una risposta soddisfacente, ed è anche l’unica che al momento mi viene.
.

Risorse Umane chiude il cerchio (ti prego, Satana, fa che ci sia anche il terzo) che si era iniziato a delineare nella prima parte. E dopo averlo letto viene voglia di mettercisi dentro, al cerchio, e di fare una seduta spiritica. Spero che non occora una testa di capra o roba simile, la strega e gli altri mostri hanno già avuto a che fare con una vacca (non voglio insulti dalle persone grasse, perché sono loro che l’hanno chiamata così, i cattivi). Avremo anche l’onore e il piacere di scoprire cosa si nasconde al piano numero -9, scendendoci in compagnia di due umani e una “donna” delle pulizie che sembra uscita da Monsters & Co, molto affascinante, quasi quanto la vacca. Poi scopriremo che anche loro vanno dallo psicologo (o qualcosa di simile), quando lo stress da lavoro o altri tipi di problemi gli impediscono di vivere. Ci saranno uccisioni, licenziamenti, linciaggi e molta carne al fuoco. Avrete la conferma che Gretchen non ascolta Giorgia o Laura Pausini, e che una ragazza demone in tailleur è dannatamente sexy, anche se l’ha disegnata de Pins.

.
L’autore, appunto, ci fa sapere in pochissime ma preziose righe introduttive, che il tutto è stato realizzato con Adobe Illustrator 9.0 (tranne la copertina), lo stesso utilizzato per le tavole del primo volume. Credo che si sia divertito, a farlo, e neanche poco. Ma credo anche che ci abbia messo una cura maniacale in ogni singola vignetta, prendete come esempio le prime 6 di pagina 29, oppure pagina 41, concepita e realizzata verticalmente in un modo unico. Non ci sono molti dettagli nelle pagine di Zombillenium, de Pins predilige evidentemente il sodo; l’impatto visivo provocato da stile e colore è devastante, seppur semplice e a volte minimale.
.

.
Zombillenium è un esilarante supplizio, felice e triste allo stesso tempo. Una storia a cui non è possibile appiccicare alcuna etichetta. Semplicemente, si tratta di un fumetto di Arthur de Pins. Punto.
.

Matteo Spadini

- ReNoir Comics

- Arthur de Pins online

- Zombillenium 1 (la rece su Fumetti di Carta)

Superman – Tarzan: Figli della Giungla

2011-12-22T23:42:00.000-08:00

SUPERMAN – TARZAN: FIGLI DELLA GIUNGLA, di Chuck Dixon e Carlos Meglia – € 12,00 – Bao Publishing
.

La caduta di una fiammeggiante navetta spaziale interrompe un ammutinamento e impedisce l’abbandono in mare dei coniugi Greystoke, inermi e in attesa di un figlio. Il piccolo alieno all’interno della navicella è allevato dalle scimmie, e cresce per diventare un possente signore della giungla, scoprendo in sé, giorno dopo giorno, poteri straordinari, mentre il giovane John Clayton Greystoke Jr., nato e cresciuto nella terra dei suoi antenati, diventa uno spirito inquieto, sognatore, ossessionato da un’incomprensibile sensazione di incompletezza…

..
Superman – Tarzan: Figli della Giungla è una miniserie appartenente alla linea DC definita Elseworlds (Altrimondi), dove personaggi iconici sono mostrati sotto luci che divergono dalla continuità ufficiale. Snodi narrativi spesso causati da eventi storici alterati che producono ucronie più o meno suggestive, racconti immaginari (nel senso di “apocrifi”) tra i quali non mancano esempi molto popolari. Nel caso di questo Figli della Giungla, miniserie in tre parti del 2002 che la Bao Publishing propone in un unico volume, ci troviamo di fronte a un divertissement destinato a un pubblico giovane e di bocca buona, leggero e senza alcuna vera pretesa di profondità. Le matite di Carlos Meglia (disegnatore argentino oggi scomparso, che ricordiamo soprattutto come cocreatore, insieme a Carlos Trillo, di Cybersix) conferiscono alla vicenda della Scimmia d’Acciaio (o Pelle-di-Fuoco, come le stesse scimmie decidono di chiamarlo) un tocco cartoonistico che ne accentua la natura disimpegnata, basata sulla blanda provocazione di un melange letterario-fumettistico più che su una trama pensata per essere solida. Lo sceneggiatore Chuck Dixon se la cava con il mestiere di sempre, ma senza sforzarsi più di tanto, e lasciando all’espressività delle illustrazioni di Meglia il compito di condurre il gioco fino al suo prevedibile finale.
.

L’idea di interpolare i contesti di due personaggi cardine dell’immaginario popolare, quali sono Superman e Tarzan, fornisce lo spunto per qualche breve riflessione sull’evoluzione dell’eroe nella cultura pulp. Spesso dimentichiamo che proprio Tarzan, il signore della giungla uscito dalla penna di Edgar Rice Burroughs, è uno degli antesignani dei moderni supereroi, e ne porta incisi i caratteri fondamentali sulla sua pelle di carta, letteraria prima e fumettistica (e cinematografica) in seguito.
.
.

.
Tutti gli eroi, soprattuto quelli con poteri, hanno origini traumatiche. All’origine delle loro scelte c’è quasi sempre un dramma, la perdita dei genitori in modo violento (Batman), lo sradicamento forzato dal proprio contesto naturale (la distruzione del pianeta Krypton o il naufragio dei coniugi Greystoke sulle coste dell’Africa). Tarzan, tra l’altro, rappresentava uno dei primi esempi di ibridazione uomo-animale con esiti eroici. Se in altra narrativa fantastica, un essere umano con caratteristiche bestiali era sinonimo di minaccia e paura, la Scimmia Bianca, signore della giungla, rappresentava invece una sorta di superuomo con reminiscenze illuministe. Un essere umano potenziato dall’apprendimento di attitudini primordiali, agile come un primate che volteggia tra i rami degli alberi (là dove personaggi pulp successivi, proprio a partire da Superman, avrebbe potuto direttamente volare). Un essere che unisce l’intelligenza e astuzia umane alla forza di chi è abituato a combattere fin dall’età più tenera, conosce rimedi e malizie sconosciute agli uomini civilizzati, ed è persino in grado di chiamare in aiuto altri animali.
.

Tarzan è il capostipite di tutti gli eroi-bestia che sarebbero giunti a conquistare le pagine delle riviste a fumetti. Personaggi con totem ispirati al primitivo mondo degli animali. Uomini pipistrello, uomini ragno, donne gatto, uomini falco e chi più ne ha più ne metta. Importa poco che le abilità di Tarzan siano dovute al caso e al contesto in cui è cresciuto (sorvolando sulla questione del DNA umano, che di sicuro non gli è stato d’intralcio). Tarzan è di fatto uno dei primi, seminali, supereroi, in grado di compiere imprese impossibili ai “normali” uomini cresciuti in un contesto ordinario. Un supereroe descritto nei limiti che l’immaginario della sua epoca consentiva per un’accettabile sospensione dell’incredulità. Tra l’eroe di ieri e quello di oggi non c’è poi tanta distanza. Superman sviluppa i suoi poteri in quanto il suo organismo alieno muta sotto il differente sole terrestre, ed è influenzato nelle sue scelte dalla cultura pacifica e altruista dei coniugi Kent. Tarzan riversa il suo potenziale umano in un addestramento estremo, legato ai misteri del mondo animale, crescendo a sua volta come un essere fuori dal comune per entrambi i mondi di cui è diventato la sintesi.

.
Prendere i due eroi e far loro scambiare i posti, è pertanto un’intuizione che riconduce entrambi i personaggi alle loro radici comuni nell’immaginario collettivo, e si prestava a un gioco di rielaborazione che forse avrebbe meritato più concentrazione. L’effetto sovversivo, invece, rimane tutto in superficie, puramente formale, e il racconto si risolve in uno dei tanti Elseworlds cui siamo da tempo abituati, e da cui i lettori più maturi possono tenersi lontani senza temere di perdere alcunché. Il rimpasto di personaggi di contorno, come le fidanzate storiche Lois Lane e Jane Porter, lascia il tempo che trova, e la variazione sul tema (anzi, la contaminazione dei canovacci, alla maniera del teatro latino) scorre via per essere presto dimenticata.
.

Il mercato odierno, come quello di un decennio fa, in cui questa miniserie è stata originariamente pubblicata, presenta certamente prodotti molto più deludenti, ed è probabile che un pubblico di ragazzi possa apprezzare il gioco fumettistico messo in atto da Dixon e Meglia. Ma sono le matite del secondo, indimenticabile creatore di caratteri in apparenza ironici e spigolosi, eppure a tutto tondo, a tenere banco in questa realtà alternativa, tra navicelle aliene, liane, scimmie e kryptonite.
.

Filippo Messina

- Bao Publishing
.

Heil Miller!

2011-12-03T12:48:00.000-08:00

Le recenti manifestazioni delle masse contro i princìpi ed i prìncipi del capitalismo, hanno suscitato dibattiti e dichiarazioni nei più disparati ambienti. Persino in quello dei fumetti.
.
Il famosissimo autore Frank Miller, dopo essere stato morso da un cane idrofobo, pare, ha rilasciato parole poco lusinghiere per tutti.
Infatti dal suo Blog, ha additato i manifestanti che si battono per i loro diritti, e per difendere un futuro sempre più incerto e minacciato da banche e politici schiavi delle grandi corporazioni, come un branco di teppisti e stupratori (perchè stupratori poi?!), condannando fermamente i movimenti di protesta come Occupy.

Insomma quando fai della coerenza la tua ragione di vita, vien da chiedersi se Miller è lo stesso Miller che ha scritto Rinascita, miniserie illustrata da Mazzuchelli, osannata dalla critica e dal pubblico, dove il personaggio di Matt Murdock veniva schiacciato da un sistema politico, economico e sociale corrotto, che lo riduceva sul lastrico nel giro di pochi giorni.
Vien da chiedersi se Miller è lo stesso Miller che ha scritto Give me Liberty, vien da chiedersi quanto c’era effetivamente di satira nella forza speciale PAX o nel Presidente Rexall, leggendo le sue dichiarazioni ci si chiede se è lo stesso autore di Sin City, di Marv e del Cardinale Roark.

Sfogliando Holy Terror, la sua ultima fatica, sotto il marchio “Legendary Comics” i dubbi aumentano esponenzialemente, e all’epiteto di fascista, che già aleggiava intorno al bellissimo 300, se ne aggiunge inaspettatamente un altro ben più pesante: Razzista.
Il suo Fixer, ennesimo vigilante, è l’imprevista new entry del pluri-premiato Miller-verse.
Imprevisto perchè creato in fretta e furia, per non fermare la macchina dei quattrini, originariamente infatti, il soggetto era stato scritto per il cavaliere oscuro della DC Comics.

Poi, la stessa casa editrice che ha spogliato Superman della cittadinanza americana per renderlo un cittadino del mondo però, ha fortunatamente bocciato l’dea di riversare sul loro più famoso paladino dello giustizia, tutto l’odio di Miller per un popolo e di una cultura.
.
Fixer è quindi un ripiego, solo l’ennesimo bullo in latex, incazzato ed esperto di arti marziali, attraverso il quale, l’autore manifesta il bisogno di un nemico su cui sfogare la sua rabbia (ma rabbia de che poi? Mi chiedo io). E sarebbe rimasto un sogno in un cassetto probabilmente, se il suo facoltoso papà non avesse potuto permettersi la pubblicazione alternativa sotto l’etichetta Legendary Pictures, la stessa che ha prodottto guarda caso, l’adattamento cinematografico di 300.

E rabbia, ed odio, sembrano essere le uniche due cose che il portentoso Miller riesce a comunicare in questa graphic novel, con una satira, estrema, piatta, totalitaria e propagandistica.
Una trama semplicistica, buona più per uno Shoot’em up per Playstation, che per un fumetto d’autore, illustrata, a tratti, con tavole dal taglio e l’impostazione comunque sempre innovative ed originali.

Al famoso, e collaudato gioco di contrasti netti dei bianchi e neri, nati con Sin City, Holy Terror si accompagna ad un’ altra dicotomia: da una parte i buoni e la propaganda smaccata al sistema americano, dall’altra i cattivi, i terroristi che con la loro crudeltà giustificano qualsiasi rappresaglia violenta dell’eroe.
Insomma un pò come diceva il comico napoletano Paolantoni in un vecchio show televisivo: “Non siamo noi che siamo razzisti, sono loro che sono napoletani.” Credo si chiamasse “Tribuna politica”.

120 pagine delle quali salviamo solo la maestria grafica, in cui Miller dà la nausea per l’eccessivo qualunquismo ed una storia piatta e minimalista.
Il populismo con cui tratta l’argomento “Islam e musulmani” è decisamente disarmante e rasenta la cieca ignoranza.

Già il fatto che le vicende che hanno ispirato la graphic novel, siano collegate direttamente al crollo delle torri gemelle in seguito all’attentato nel 2001 ,rende solo più imbarazzantemente anacronistico l’astio di Miller.
Una miniserie del genere avrebbe potuto forse trovare un terreno più fertile quando gli eventi erano più vicini ed immaturi, e l’onda emotiva era ancora sensibile e manipolabile, ma a distanza di dieci anni, dopo le tonnellate di materiale pubblicato dai media che hanno sbugiardato le motivazioni della guerra americana (a tal proposito consiglio la lettura di 9/11 di Jacobson e Colòn), questo fumetto è solo imbarazzante e basta.
Spero solo non lo faccia figurare nel suo curriculum.

Più che altro la sensazione che si ha, è quella che si può provare leggendo un’ editoriale di Feltri, pezzi famosi per il distacco e l’ obbiettività con cui sono stilati.
Alla fine vien da chiedersi come sia possibile che ci troviamo di fronte allo stesso autore che ha stretto la mano al maestro Will Eisner. E vien da chiedersi se lo stesso Eisner avrebbe acconsentito a stringergli la mano comunque, se avesse potuto leggere le dichiarazioni di Frank Miller sulle proteste, o il suo raffazzonatuccio Holy Terror.

Forse gli ultracorpi esistono per davvero, ed hanno già cominciato a sostituirci.
Per darvi un idea dell’idea dell’acceso dibattito in corso vi racconto brevemente che di tutt’altro avviso è stato il signor Alan Moore.
Recentemente intervistato da The Guardian, in relazione al fatto che la maschera del suo personaggio “V” sia diventata il simbolo della rivolta e della protesta, Moore si è dichiarato divertito dalla cosa, ed ha espresso solidarietà verso gli uomini e le donne che protestano contro la politica delle banche e delle Corporation, senza dimenticare la sottile ironia della maschera stessa che come prodotto, intesa come merce propria, è opera e di proprietà della Warner Bros, la corporation che possiede la DC Comics, con il quale Moore è da tempo ai ferri corti.
Uno dei tanti conflitti di interesse in cui siamo scivolati grazie al capitalismo incontrollato, il cane che si mangia la coda per profitto.

Invece a difesa di Miller, e del solito intoccabile diritto di dar voce alle proprie idee, anche quando quest’ ultime professano l’odio, e concedetemelo, si riducono ad un cumulo di stronzate da bar, si è alzato Mark Millar, sì, proprio lui, quello che si è anche detto preoccupato dell’avvento del digitale nell’industria dei comics, perchè, a sentire lui “metterà a rischio centinaia di posti di lavoro legati alla stampa e alla distribuzione”, (non so a voi ma a me mi ricorda un pò la corciata dei Metallica che affondarono Napster), che pur prendendo le distanze dalle riflessioni estresmite dell’autore, ha dichiarato di essere scandalizzato da come Miller sia stato crocifisso, anche dai suoi colleghi, per aver esposto le sue idee.

Ma anche se l’ha fatto offendendo dei cittadini che esercitavano il sacrosanto diritto di protestare? Bah.
Ma perchè in situazioni del genere non si dice mai all’unisono: “Poveraccio, ha perso un occasione per stare zitto!”, invece di pontificare sul diritto di parola?

.
Tornando a noi:
Morale, liberiamo Frank Miller dagli Alieni o dal demonio, ma intanto il consiglio è di guardarvi bene dalla sua ultima masturbazione auoprodotta.
D’altronde se in Italia è il quotidiano Il Foglio che ne parla bene, fossi in Miller qualche problema me lo farei.
Baci ai pupi.
.

Gennaro Cardillo

- il blog di Frank Miller

- il blog di Mark Millar
- Alan Moore non ha un blog, ma risponde a ciò che Miller dice su Occupy

Ultimate Enemy – Ultimate Mystery – Ultimate Doom

2011-11-23T12:10:00.000-08:00

Ultimate Enemy – Ultimate Mystery - Ultimate Doom, di Bendis - Sandoval - Bonet – Wilson - brossurato 96 pagine 4,30 euro – Panini Comics (miniserie pubblicata sulla collana mensile Marvel Mega n° 66-67-68)

Quando alla Marvel diedero a Loeb e Finch il permesso di creare quel pasticcio indigesto,chiamato simbolicamente “Ultimatum”, si diede solo ai detrattori dell’universo Ultimate la possibilità di dire: “Noi ve l’avevamo detto!”

Pagine sature di botte da orbi, dalle quali non ritornava un granché, dei supereroi del nuovo universo così fortemente voluto da Quesada.
Tra i morti figuravano, (Gi)Ant-Man, Wasp, Thor, quasi tutti gli X-Men, insomma si la sensazione era che l’universo Ultimate, fosse arrivato al capolinea.

Invece possiamo ancora goderci qualche piacevole rantolo.

La trilogia Ultimate Enemy-Mistery-Doom, di Bendis, è uno di questi. Conclusasi proprio in questi giorni, è tra le uscite dell’Universo Ultimate post-Ultimatum, più gradevoli.

Affermazione che posso darvi dopo aver letto la traballante Armor Wars di Ellis , gli assolutamente mediocri Ultimates Avengers di Millar, abbandonati dopo i numeri disegnati da Yu, il superfluo ed insipido Ultimate Captain America di Aroon (con l’ennesima variante del siero del supersoldato sparsa per il globo, eccheppalle!) e il caruccio Ultimate Thor di Hickman.

Ma andiamo con ordine.

Cominciamo dai punti forti di questi tre volumetti:
Le tavole dello sconosciuto (almeno per me) Rafa Sandoval sono godibilissime e bellissime, pulite, innovative, originali e soprattutto fedeli al geniale concetto di Wide-Screen Comics “ideato” da Hitch nei suoi Ultimates, che doveva caratterizzare le testate di questa nuova linea Ultimate, caratteristica ahimè che si è poi purtroppo persa, diluita nella monnezza dilagante.

La struttura della pagina, le inquadrature, il taglio delle vignette, non sono mai convenzionali, le frequenti “splash-page” nei momenti topici, disegnate sempre con un ottimo livello, sostengono e danno risalto al ritmo molto sostenuto della storia. Ripeto è un vero e proprio action-movie condito di sci-fi, quindi poco riflessivo e decisamente spiccio, letto con queste aspettative, è una buona lettura.

Ottimo anche il lavoro svolto da Bonet e Wilson, per le chine ed i colori.

.
Come detto, Bendis confeziona la storia per un bacino d’utenza fatto di un pubblico giovane e meno smaliziato, veloce, ricca di suspence, piena zeppa di duelli e combattimenti e distruzioni, all’insegna insomma del classico fumetto super-eroistico caciarone.
.

Il cast di cui abusa Bendis per l’occasione, sono quasi tutti super-adolescenti, Uomo Ragno, i Fantastici Quattro, la Donna Ragno (qui un clone di Peter Parker) più i soliti Nick Fury ed il suo SHIELD, l’immancabile Zia May, meno cariatide della sua controparte Marvel Universe, Capt. Marvel, Rick Jones, Misty Knight, insomma un bel po’ di gente, la cosa divertente delle serie Ultimate è sempre stata vedere la rivisitazione fatta dagli autori, dei personaggi dell’universo “titolare”, per così dire, eccoci quindi a far la conoscenza anche del Wendell Vaughn di questo mondo, per chi non lo conoscesse l’agente dello Shield, Vaughn è l’alter-ego del Vendicatore Quasar, creato dal prolifico Gruenwald nei primi anni ’90. Qui lo troviamo al comando del Progetto Pegaso dello Shield, dove si tengono conservati tutti gli oggetti d’origine sconosciuta e d’inspiegabili poteri che gli Stati Uniti hanno trovato nel corso degli anni, date un’occhiata alla spash-page della grande sala principale, che questo talentuoso Sandoval riempie di teche, e fatemi sapere cosa riconoscete, brutti Nerd che non siete altro.

Insomma bella storiellina incalzante con un inaspettato villain, del quale forse non sono troppo chiare le origini, ma come detto questa trilogia di Bendis non brilla certo per gli aspetti riflessivi, più cinetica che potenziale, se mi consentite i riferimenti alla fisica.

Potrà risultare noiosa solo per via di quello stile ormai famoso di Bendis, che personalmente odio, infatti l’unica pecca che riesco a trovare in questa miniserie, sono gli assurdi dialoghi che l’intoccabile pupino di Casa Marvel mette in bocca ai suoi personaggi, questi “assolo” che ho sempre trovato insopportabili, ma che sembra lo abbiano reso un icona, a mio parere spezzano il ritmo della storia, in maniera costante, in una doppia tavola in cui compaiono Spider-Man e il suo clone femminile, giuro sui miei fumetti, l’autore arriva ad infilarci ben trenta baloon, di chiacchiericcio inutile sulle tette e il quoziente intellettivo di Spidergirl.

Il reality secondo Bendis insomma. Stancante.

L’edizione brossurata della Panini sulla collana Marvel Mega, costa 4,30 euro, abbordabile direi, considerato che è un dignitoso volumetto di 96 pagine, molto più accessibile per esempio di Ultimate Thor, uno spillato di sole 48 pagine, venduto a ben 3 euro. Prezzo ottimo anche della saga intera, dodici euro e novanta per duecenottantotto pagine, considerando i prezzi delle collane 100%, che ormai non superano le duecento pagine ma spesso e volentieri (volentieri per loro) il prezzo dei volumi si aggira intorno ai tredici euro.

Senza calcolare il fatto che di solito in quelle pagine ci sono aborti della nona arte tipo Deadpool: Re del Suicidio. Insomma direi che questi tre Marvel Mega, valgono la spesa, e se ve lo dico io, che detesto Bendis ci potete pure stare.

Ultima curiosità, per i Nerd, non sono riuscito a capire cronologicamente dove dovrebbe inserirsi questa storia nell’universo Ultimate, magari sarete più fortunati voi, in un paio di tavole ho visto qualche strafalcione, Wasp, che tecnicamente è morta in Ultimatum, Thor che tecnicamente è appena risorto, con Cho-Loeb, e il martello che in queste pagine è di nuovo quello della versione Hitch, mentre di recente se ne vede uno molto simile a quello originale, e che comunque girava già, anzi volteggiava già nei disegni di Finch in Ultimatum, gaffes che confermano la mia ipotesi, ossia che la Marvel si vanta ed è famosa per qualcosa che è fallita pochi giorni dopo essere nata, la continuity, e si che questo universo è neonato è gestito più o meno dalle stesse teste.

Comunque a cose da Nerd a parte, fumetto consigliato, specie alle nuove leve.
Insomma la morale nascosta è di dargli un’occhiata.
Soprattutto per le matite di Sandoval, veramente dotato.

Baci ai pupi.

Cardillo Gennaro

bAd BaBy

2011-11-19T08:56:00.000-08:00

bAd BaBy, di Johnny Grieco – vol. brossura, 152 pp., b/n – 15 € – GRRRzetic

Per me è un atto intenso scrivere un commento su un artista che ha permeato una parte considerevole del mio personale immaginario, non da ieri ma dai miei oramai lontanissimi 17 anni.
Non sono moltissimi gli artisti che hanno lasciato un segno indelebile nella mia immaginazione; sono moltissimi gli artisti che amo, ma pochi di loro hanno a tutt’oggi realmente inciso – modificato in modo duraturo, direi – (nel)la mia visione delle cose.
Mi rendo conto di quanto questo sia vero se penso a quanto poco negli ultimi venticinque-trent’anni io abbia frequentato l’opera di Johnny Grieco.
La mia ignoranza su di lui e la mia distanza “fisica” dalle riviste e fanzines oramai perdute tra mille traslochi sulle quali leggevo e vedevo i suoi disegni (formandomi un mio gusto grafico), non hanno minimamente intaccato la sua influenza su di me.

Sino a ieri nemmeno sapevo, stolto che sono, che il suo altro se stesso – Gianfranco Grieco – è l’autore di piccole, splendide statue che ho sempre guardato e sognato con golosità e ammirazione, pensando tra l’altro che forse un giorno me ne permetterò una. Fatevene un’idea visitando il link lì sotto.

Johnny/Gianfranco Grieco è un artista poliedrico, capace di segnare con la musica (Dirty Action di Genova, un mito del punk ’77), l’arte, il disegno, la scultura, la grafica, un pezzo considerevole dell’immaginario non solo mio, ma di moltissime menti di un’intera generazione. Un po’ come Matteo Guarnaccia per un paio di generazioni precedenti.

Johnny Grieco travalica e sorpassa senza sensi di colpa i labili confini tra underground e mainstream, senza nulla perdere della carica minacciosa e inquietante delle sue opere. Senza dimenticare l’ironia, che è eufemistico definire feroce.

Nella mia vita di adolescente ci fu una e una sola pubblicazione che, beccata clandestina da mio padre – pio-eppur-tollerante – lo fece realmente incazzare, letteralmente andare fuori dai gangheri: Le Silure d’Europe, fanzine, indovinate realizzata da chi? – della quale ero orgoglioso e un po’ spaventato possessore/lettore. Prima e più di Frigidaire.

In questi ultimi trent’anni non c’è stato uno solo dei disegni/collage di Le Silure d’Europe dei quali mi sia dimenticato. Ogni disegno/collage di Grieco è impresso a fuoco nel mio cervello e se devo dirla tutta non sono così convinto che ciò sia stato “innocuo” per il sottoscritto…

Questo bAd BaBy, indispensabile volume edito da GRRRzetic, raccoglie il meglio della JohnnyGriecoproduzione dal 1976 al 1983 (anche se la maggior parte delle sue vignette potrebbe essere stata fatta ieri l’altro che tutti ci si crederebbe senza banfare) e offre l’occasione di vedere un po’ di cose extra-Silure, extra-Rockerilla, extra-Nuovo Sound (ma lo leggeva qualcun altro/a oltre a me, Nuovo Sound?…), oltre a un bel po’ di inediti succulenti. Lavori di Grieco pubblicati su giornali e riviste che non ho mai letto per motivi geografici e/o d’interesse (Il Lavoro, Guerin Sportivo…) che se da un lato mostrano il lato più mainstream dell’artista, non mancano comunque di graffiare e tagliuzzare quanto basta.

Eppoi eppoi una deliziosa e ricchissima parata di Catzilli, moltissimi dei quali inediti! (Più di trent’anni fa, per continuare con questa noiosa commistione di commento sul volume di Grieco e mio autobiografismo, mi auto produssi una spilletta – un badge, come si diceva allora – con uno dei suoi Catzilli)

Il suo tratto preciso – niente o poco “al tratto”, bensì bianchi e neri decisi e potenti; padrone di una tecnica che gli permette di disegnare quello che gli pare e di padroneggiare più stili (raffinate caricature, flyers per concerti, omaggi a punk-star, storie fantascientifico-splatter…); i suoi raffinatissimi “ritratti” monocoli a tutta pagina che con poche, precise linee descrivono sensazioni, ideologie, stati d’animo, musica; le sue vignette terrificanti e crudeli, espresse graficamente con una freddezza e una pulizia espressiva quasi “chirurgiche” (e no, non è un volume per bimbi buoni e anime candide); la sintesi grafica di canzoni/inni come Stygmata Martyr dei Bauhaus o Police on my Back dei Clash, Gaznevada e Killing Joke (non quello di Alan Moore) fino agli indispensabili e ormai defunti Ramones; insomma, signore e signori: Johnny Grieco!

Commentano il volume brevi e talvolta ficcanti saggi di: Ferruccio Giromini, Simone Lucciola (ehi!); Federico Guglielmi, Luca Boschi (massimo rispetto); :mario :benvenuto, Vittore Baroni (standing ovation) e Riccardo Rogie Rogazione.

Orlando Furioso

.
Quotes:
“Delimitare stilisticamente uno come Johnny Grieco è impossibile” (Riccardo Rogie Rogazione)
.
“Molte ristampe sono semplici scuse per dar aria ai cassetti, ma questa succulenta retrospettiva davvero ci voleva. Bene, bravi.” (Vittore Baroni)
.
“…dovreste accendergli un cero tra i vostri Lari, erigergli un busto marmoreo in Piazza De Ferrari, ripulirlo quotidianamente dalle cacche dei piccioni, innalzargli sacrifici umani” (Simone Lucciola)
.

Collegamenti:
- GRRRzetic
- Fatevi un’idea…
- Fatevi un’altra bella idea…
.

.
[OUTRO] Un giorno o l’altro bisognerà che parliamo seriamente della GRRRzetic, casa editrice genovese. In un momento in cui si glorifica qualunque cosa esca “per Lucca” – un momento storico tutt’altro che breve – si rischia di trascurare cose che hanno valore, che hanno valore assoluto, valore-in-se-stesse.
Uscire da questo pantano di autopromozione feisbuchevolmente folle in cui qualsiasi cosa, ma veramente qualsiasi cosa!, è glorificata e giustificata dal “gusto individuale” o dal “rispetto per l’autore” sta diventando un dovere morale, uno spartiacque che può financo selezionare le proprie “amicizie” (di feisbuc, s’intende).
Resto comunque convinto che la GRRRzetic di Silvana Ghersetti è un cuneo che s’infila tra unghie laccate (artigli?…) del Dorato Mondo del Fumetto Italiano. Questa è la mia sensazione/percezione. Se ne riparlerà approfonditamente, magari con la diretta interessata? [/OUTRO]

o.f.

Nemesis

2011-11-13T07:09:00.000-08:00

Nemesis , di Mark Millar e Steve McNiven – 104 pp., 12 euro – Panini Comics

.

Mark Millar è proprio un gran furbacchione! Questa è forse l’unica conclusione possibile e compiuta cui può giungere un lettore reduce dalla lettura del tomo in oggetto: un prodotto progettato, realizzato e distribuito con il preciso intento di vendere e di strizzare l’occhio ai gusti del pubblico.
Intendiamoci: ogni fumetto, come ogni opera proposta al mercato, ha come suo obiettivo quello di vendere, ma mai come in questo caso ci troviamo di fronte a un prodotto intimamente e geneticamente orientato a fare cassa, che tralascia qualsiasi intento, non diciamo autoriale che sarebbe troppo, ma di dire o trasmettere alcunché.

La cosa paradossale, terminato questo preambolo, è che a chi scrive la miniserie non è dispiaciuta: essa risulta divertente, come un blockbuster al cinema (infatti sembra sia stata realizzata al fine di un futuro adattamento hollywoodiano), i due autori sanno fare il loro mestiere e si vede, ma chiuso il volume rimane in bocca quel vago (se non inesistente) sapore di aria fritta.
Sapore che ha spinto lo scrivente a procedere a una seconda lettura, il cui risultato è stato aria fritta ancor più rarefatta.

Ma andiamo con ordine: il volume raccoglie la miniserie di quattro numeri Nemesis, uscita negli USA, per i tipi della Marvel (sottoetichetta Icon, dedicata a progetti slegati dal classico universo dell’editore newyorkese), tra il Maggio 2010 e il Febbraio del 2011, dalla penna di Mark Millar e dalla matita di Steve McNiven, coppia conosciuta per run quali Civil War e Old Man Logan. L’opera si inserisce in un più vasto progetto denominato Millarworld: un universo di personaggi creati dallo scrittore scozzese, in cui si inseriscono titoli già usciti come Wanted e Kick-Ass, e altri attualmente in fase di più o meno avanzata lavorazione, come Superior (di Millar e Yu) e The Secret Service (di Millar e Gibbons).

Veniamo alla storia: Nemesis è il supercriminale più temuto e ricercato al mondo. Completamente vestito di bianco, ricchissimo, abilissimo e crudele oltre ogni limite, egli semina tragedie e distruzioni in giro per il mondo, ogni volta sfidando apertamente i rappresentanti dell’ordine e della sicurezza. Dopo aver umiliato le forze dell’ordine asiatiche e sparso sangue e violenza nelle terre d’Oriente, decide di incrociare le lame con il capo della polizia di Washington D.C., il commissario Blake Morrow, da tempo oggetto della sua ammirazione.

A questo punto l’azione di sposta nella capitale degli USA, dove i due avversari iniziano a combattersi. Da un lato Nemesi, che assolda una banda di criminali del posto e inizia a mettere a segno una serie sempre più spettacolare di attentati e di crimini. Dall’altra il commissario Morrow, coadiuvato dai suoi collaboratori, che cerca in tutti in modi di anticipare le mosse del suo antagonista. Durante questa resa dei conti si viene a scoprire l’identità del bianco flagello: si tratta del rampollo di una famiglia di facoltosi industriali, dediti a passatemi quali il rapimento, lo stupro e l’omicidio di minorenni. Fu proprio Blake Morrow, anni prima, a smascherare i genitori del futuro Nemesis. Il padre si suicidò mentre la madre finì sulla sedia elettrica. Ecco spiegati in un sol colpo l’enorme disponibilità di denaro del supercriminale e la sua fissazione per il commissario della capitale. Ma le cose stanno veramente così? Per scoprirlo, e per capire come va a finire il duello all’ultimo sangue tra i due, si rimanda alla lettura del volume.

Passiamo ai commenti, riprendendo il discorso fatto in apertura. Millar ai testi e ai dialoghi se la cava bene, padroneggia bene la materia e di ciò non ci stupiamo, mentre ai disegni McNiven appare sottotono, soprattutto rispetto a lavori come Civil War, forse a causa delle chine o dei colori oppure per mancanza di impegno. Fatte queste debite annotazioni, non resta che tornare al punto di partenza: non sfugge al lettore la sensazione di un prodotto senz’anima, una marchetta fatta solo per soldi e sotto la cui superficie lucente c’è poca o nulla sostanza. Non resta che augurarsi che in futuro Millar metta un po’ il freno al suo io caciarone e businessman e torni a scrivere con po’ più di amore per quello che fa. Tanto se gli zeri dopo la cifra sono tre invece di quattro, lui vive lo stesso e noi ne traiamo un più sano godimento…

Luca Grigoli

Il Rosso e il Verde

2011-11-07T09:23:00.000-08:00

Nel corso degli anni tanti lettori hanno chiesto che ciò avvenisse. Qualcuno era contrario e temeva per il peggio, qualcuno non vedeva di buon occhio la coabitazione di due inquilini dei quali riusciva a sopportarne solo uno, qualcuno era contento così. La Panini non si arrischiava a effettuare il cambiamento.
.

Ora è cosa fatta. Dopo anni di onorata carriera sottobraccio Devil & Hulk si separano per diventare semplicemente Devil e Hulk, con una e normale nel mezzo, ognuno per la sua strada. Per i Marvel fan italiani di vecchia data questo potrebbe rivelarsi un colpo difficile da digerire. A parte le implicazioni affettive legate a questa operazione, il dubbio rimane il solito: riusciranno i nostri eroi a tenere la testa fuori dall’acqua in un mercato sempre più caotico con due testate separate?

Negli ultimi giorni arrivano news che presentano una Panini Comics sempre più aggressiva sul mercato e pronta a rifornire di (speriamo bene) nuovi prodotti sia il mercato delle edicole che quello delle fumetterie, tutto questo in previsione dell’entrata in scena di una potenzialmente pericolosa concorrente: la RW Edizioni.

Con la sotoetichetta Lion la RW presenterà il materiale DC Comics di cui la Planeta ha ormai perso i diritti. Occasione ghiottissima in quanto tra alcuni mesi la RW si troverà tra le mani la possibilità di gestire il reboot della DC Comics che tanto successo sta ottenendo oltreoceano, potrà giocarsi la carta di un celebre universo narrativo che riparte da capo.

Tra i vari smottamenti di questo periodo sorgono nuove testate, la produzione si avvicina a quella americana e Devil e Hulk si separano.

.

.

La prima osservazione che mi viene da fare è questa: si separano in un momento poco felice per entrambi. Questa è ovviamente una mia visione personale della situazione e per onestà qui vi rivelo che ho sempre seguito la testata principalmente per le storie del Diavolo Rosso, molto meno per quelle del Gigante Verde.

L’ultima gestione di Devil, quella affidata allo scrittore Andy Diggle, è quella che mi ha convinto di meno fin dall’epoca della saga affidata a Kevin Smith: Diavolo custode.

Stiamo quindi andando indietro di anni. Da lì in avanti ho considerato Devil un fumetto realizzato sempre su ottimi livelli. A narrarne le gesta si è avvicendata gente come Bendis, Mack, Smith, Brubaker coadiuvati da splendidi illustratori tra i quali Mack stesso, Maleev e Lark. Qualcuno avrà potuto storcere il naso per le atmosfere spesso tinte di nero, ma io nel nero ci sguazzo e quindi per me la serie era al top.

La run di Diggle si apre in una chiesa, il funerale di 107 persone uccise da Bullseye, storico nemico del Diavolo. Murdock è lì, ad incolparsi ancora una volta della violenza e della sofferenza che attanagliano Hell’s Kitchen, la cucina dell’inferno, il suo mondo.

Una strage che Devil non è riuscito a evitare nonostante il suo ormai ex sceneggiatore Brubaker l’abbia lasciato al comando della Mano, la più famosa setta di assassini ninja.

Questo è lo spunto con il quale Diggle precipita ancora una volta il Diavolo all’inferno. Matthew userà una squadra di assassini per assicurare la giustizia a Hell’s Kitchen? Lo farà, si isolerà in una fortezza eretta al centro della città, taglierà i ponti con i suoi amici, con i suoi super-colleghi e darà il fianco al lato oscuro della forza (beh, non proprio della Forza, ma il concetto è chiaro, no?).

Con mosse poco lecite Murdock diviene il rispettato padrone della Mano, dà prova ai suoi ninja di essere degno di questo titolo. All’epoca imperversava ancora il regno di Norman Osborn e Kingpin tramava dietro le quinte. Devil deve guardarsi dalla legge, dai criminali e dalla Mano stessa. La situazione ci mette poco a precipitare, la fortezza, Shadowland, diviene una prigione illegale, gli amici di Matt come Foggy Nelson e Dakota North devono subire costanti attacchi, gli alleati come Tarantula Nera e la Tigre Bianca vacillano.

I disegni di Roberto De La Torre e Marco Checchetto garantiscono una buona continuità stilistica e donano uniformità alla serie, certo che il distacco da Michael Lark, a mio avviso a un livello superiore, si è sentito. Il lavoro sulle tavole resta comunque di ottima fattura.

Arriverà ovviamente anche l’intuibile tradimento interno alla Mano che porterà alla miniserie Shadowland. Una cerchia interna attenterà alla sanità di Devil attraverso la Bestia, quasi una riunione di famiglia. L’Uomo Senza Paura diventa un personaggio sempre più cupo, cosa che si riflette anche sul design del suo costume, attira l’attenzione degli eroi suoi amici: Cage, Iron Fist fino ai Vendicatori. Nessuno riuscirà a fermare la follia del Diavolo che arriverà a giustiziare Bullseye in una tavola che richiama apertamente la morte di Elektra proprio per mano dello stesso Bullseye. I metodi diventano sempre più brutali, i criminali spariscono da Kitchen ma anche la gente comune ha il terrore di girare per le strade del quartiere. Nessuno riesce più a far ragionare il Diavolo ormai preda della Bestia, lo scontro è inevitabile. La follia si diffonde nelle strade, Devil si circonda di alleati ambigui come Typhoid Mary. Alla fine la Bestia emergerà fino ad arrivare al conflitto finale dove le cose non potranno, ancora una volta, finire bene per Mr. Murdock.

.

.
Questa lunga run, così come si è aperta, si chiuderà ancora una volta in chiesa, ancora una volta in cerca di una rinascita. Ancora una volta a sottolineare la forte presenza della fede come tematica legata al personaggio. Questo in chiusura di Shadowland. Sulla serie regolare assistiamo a una sorta di transfert involontario e il Rosso si trasforma in Verde.

Matt Murdock, di spalle, si lascia indietro ogni cosa, quasi un novello Bill Bixby, che nella sua interpretazione di Bruce Banner nel telefilm dedicato a Hulk di qualche tempo fa, era costretto a lasciarsi tutto alle spalle ogni qual volta terminava una delle disavventure di Hulk.

Un buon modo di congedarsi dal suo compagno di viaggio.

Allora cosa c’è di male in tutta questa gestione? In realtà nulla. Il problema è che si è andati avanti con una sola idea o poco più, che poi alla base è sempre la stessa, senza aggiungere troppo al personaggio, creando un mix tra toni cupi e supereroismo lontano dal noir più classico ma poco convincente anche per chi ama le storie tutte calzamaglie.

Il lavoro di Diggle, accostato ai suoi predecessori, esce inevitabilmente sconfitto, pur rimanendo una lettura agevole. I disegni di Billy Tan sulla mini Shadowland mettono il punto sulla questione. Se De La Torre era portatore comunque di un lavoro ad alti livelli, con Tan anche la parte grafica risente del cambiamento.

Prima o poi un piccolo passo indietro era inevitabile, ora mi sembra che questo sia arrivato proprio quando Devil dovrà iniziare a camminare da solo. Staremo a vedere.
.

.
Di Hulk cosa posso dire: Loeb è uno degli scrittori che mi piacciono di meno nel panorama fumettistico attuale. Troppi episodi votati allo sganassone facile, alla caciara, allo scontro senza un minimo di approfondimento su personaggi e trama. Ha inserito il mistero dell’Hulk Rosso che poi così mistero non era. Inoltre la famiglia di Hulk si è allargata davvero a dismisura. Hulk, Rulk, Samson, Bomba-A, She-Hulk verde, She-Hulk Rossa, Lyra, Skaar, Thundra, Hiro-Kala.

Troppo. Troppi personaggi buttati nel mezzo per poterli gestire in maniera interessante. La testata di Hulk poi mi è risultata ancora più indigesta grazie ai disegni elementari del sopravvalutato McGuinness. Meglio allora la testata gestita da Greg Pak dove si esplorava il rapporto tra padre e figlio (Hulk/Skaar) con qualche momento anche divertente. Anche qui i disegni ormai stucchevoli di Olivetti non aiutavano.

Le cose sono migliorate, almeno sulla testata The Incredible Hulk, con l’arrivo della saga Falls of the Hulks, dove i migliori cervelli criminali dell’universo Marvel si sono alleati contro gli Hulk. Anche in questa saga comune alle due testate dedicate ai Giganti verde e rosso (ancora una volta) si vede il cambio di passo tra gli scritti di Loeb e quelli di Greg Pak che comunque non è uno dei più grandi sceneggiatori al mondo. Le splendide tavole di Paul Pelletier, cresciuto a dismisura, riconciliano con il personaggio.

Ora abbiamo un Bruce Banner riconciliato con il suo figlioletto Skaar, un Hulk rosso in fase di rilancio che arriva da una run poco esaltante a opera di Jeff Parker e Gabriel Hardman. Abbiamo una serie di comprimari in cerca d’autore.

Il mio dubbio è: di cosa si riempirà la testata dedicata a Hulk? In arrivo c’è Dale Eaglesham che lascia davvero ben sperare. Auguriamoci che il futuro del Verde e del Rosso siano entrambi di buona caratura. Non siate timidi, voi cosa ne pensate?

Dario Lopez

Collegamenti esterni:
- Panini Comics

Megalex

2011-10-30T10:30:00.000-07:00

Megalex, testi di Alejandro Jodorowsky; disegni e colori di Fred Beltran – brossurato, col. – 15 euro – Magic Press
.

Gli abitanti di Megalex aspettano la manna dal cielo, per poi trasformarla in cibo. La manna può essere tramutata con il pensiero in qualsiasi sostanza commestibile. Non la consumano seduti a tavola nelle proprie abitazioni, ma in giro per Megalex, dove capita. Si iniettano pesanti dosi di SPV e campano fino a 40 anni perché così hanno stabilito il re e la regina.

Ho letto Megalex ascoltando i Kraftwerk e pensando a quanto fosse insano ciò che stavo leggendo, e non perché Megalex rappresenti una grossa novità in quanto ad argomenti trattati, ma perché si esprime per quello che è: un contenitore di lucida follia e di umanità repressa, in cui la legge ti obbliga a nascere perfetto e a morire quando lo decide lei. Le anomalie non sono ammesse, e se hai un occhio più scuro rispetto all’altro, non sei degno di Megalex. Ed è proprio da una coraggiosa anomalia che scatta quella rivoluzione quasi obbligatoria per storie come questa. Il popolo di Chem, la foresta posizionata oltre il confine di Megalex, accoglie l’anomalia nelle proprie fila, e si prepara a rovesciare le sorti del proprio mondo.

Di Megalex rimane impressa la pesantezza e la crudeltà dei dialoghi. Gli uomini di scienza al servizio dei regnanti sono persone disgustose, senz’anima, ma al tempo stesso dannatamente affascinanti. E probabilmente sono proprio loro a contribuire al fascino generale dell’intera opera. Il buon lettore sarà libero di schierarsi dalla parte che più lo attira, ma non potrà restare indifferente all’asprezza e alla codardia di tali esseri, totalmente devoti alla causa e alla droga, che ridono e scherzano davanti al massacro di chi ha raggiunto l’età della morte. 40 anni sono davvero pochi. C’è chi protesta e viene definito traditore, e chi invece sfrutta gli ultimi attimi di vita per godere.

Di Megalex rimane quell’atmosfera artificiale di morte, di vita mai vissuta. Se per noi la normalità è altro, per gli abitanti di Megalex è sfamare i propri figli con questo dannato SPV, la droga che ti fa campare con meno amarezza in un mondo senza emozione. E’ proprio il sentimento che da la svolta alla narrazione, il colpo di grazia alla tirannia che non ha cuore. Quella tirannia alla perenne ricerca del perfezionamento della propria specie.

.

.
Acquistando Megalex, avrete fra le mani un piccolo gioiello del 3D a fumetto, se così si può definire. Il lavoro digitale di Beltran fornisce un’anima artificiale al mondo descritto da Jodorowsky. Senza quelle linee e quei colori, probabilmente ora staremmo parlando di tutt’altra cosa. Una cosa decisamente meno intrigante. Normalmente non sono un amante dell’uso totale del computer per dare vita ad un fumetto, ma in questo caso me ne sono fatto una ragione.

Non poteva esserci altro modo per inscenare Megalex, credetemi. In alcune situazioni, quando c’è più azione e movimento, si ha la strana sensazione di una staticità quasi infinita. Probabilmente ciò è dovuto al massiccio uso del computer e dei modelli 3D, oppure è una precisa scelta degli autori.

Noterete che nel “Cuore di Kavatah”, l’ultimo capitolo, si abbandona quello stile per dare spazio a linee e a colori più rassicuranti. Più umani.

.

.

Polverizzate le vostre indecisioni, se ne avete, di fronte a roba come questa. E’ un mondo in cui perdersi e pedere le proprie convinzioni, rifare il look alle proprie emozioni e allucinare di fronte alle sue fredde pagine. Vi scalderete pian piano, quando ce ne sarà bisogno, quando il sentimento prenderà il sopravvento allo squallore e alle pallide e insane abitudini della popolazione, sempre più schiava dello scellerato dominio dei regnanti.

Megalex è un’opera meravigliosa, e merita tutta l’attenzione che sarete in grado di darle.

Matteo Spadini

.
Collegamenti esterni:
- Magic Press

Project Superpowers: Capitolo Due

2011-10-30T10:26:00.000-07:00

Project Superpowers: capitolo due, di Alex Ross, Jim Krueger ed Edgar Salazar – Panini Comics (volume 1 Gli eredi, 168 pp. 15 euro, volume 2 Titani, 144 pp. – 13 euro)
.
.

Ora che la Panini ha pubblicato il secondo e ultimo volume della seconda miniserie di Project Superpowers, è giunto il momento di fare un primo bilancio su questo lavoro di Alex Ross e soci.

Recensendo la prima miniserie ci eravamo lasciati con un punto interrogativo: gli autori sarebbero riusciti a rimediare ai difetti dei primi otto numeri, dando un segno positivo a un progetto comunque ambizioso e coraggioso? Alla luce di questi secondi tredici numeri la risposta purtroppo è no.

Per capire meglio il perché di questo giudizio (apparentemente) impietoso giova ricordare i dubbi emersi nella recensione precedente, e nel farlo cerchiamo anche di riassumere brevemente le caratteristiche e i contenuti dell’opera.

Stiamo parlando di Project Superpowers, ambizioso progetto ideato da Alex Ross e Jim Krueger, coadiuvati da una squadra di disegnatori, per i tipi della casa editrice Dynamite Entertainment, che consiste nel ripescare numerosi personaggi della Golden Age, appartenenti a editori ormai scomparsi, nel fonderli in un unico universo narrativo e nel proiettarli nel XXI secolo. Insomma: una vera manna dal cielo per tutti gli appassionati dell’età dell’oro dei comics.
.

Il piano dell’opera ha contemplato fino a ora due miniserie corali (Project Superpowers, Project Superpowers Chapter Two) e alcune serie personali dedicate a personaggi specifici (Black Terror, The Death-Defying Devil, Masquerade).

Nel giudizio relativo ai primi due volumi dell’edizione italiana si sottolineavano alcuni difetti: a livello di storia si osservava come essa non brillasse per originalità e fosse popolata da troppi personaggi messi in campo, che di conseguenza venivano trattati superficialmente. A livello grafico si lamentava la scarsa qualità dei disegni interni, messi a dura prova dal confronto impietoso con le splendide copertine di Ross.

Questa seconda run parte con la situazione di stallo venutasi a creare al termine della precedente: i nostri eroi hanno liberato New York e sono intenzionati a denunciare di fronte al mondo il dittatoriale sistema di potere globale che coinvolge la Famiglia Dinamica, ex supereroi convertiti alla sete di dominio che tengono in pugno gli USA, e la Supremazia, oscuro e potentissimo network che annovera tra i suoi membri la Famiglia Dinamica stessa.

I vecchi supereroi decidono di alzare il tiro: occupano il Pentagono e prendono in ostaggio il Presidente degli Sati Uniti, superumano anch’egli conosciuto con il nome di Power Nelson. A complicare un quadro già di per sé abbastanza caotico intervengono ulteriori fattori: dal vaso di Pandora, mitico manufatto all’interno del quale i nostri protagonisti erano stati imprigionati all’indomani della Seconda Guerra Mondiale, sono fuoriusciti anche gli Eredi, le vecchie spalle più giovani, che si pongono in conflitto con i loro ex mentori, convinti che siano dalla parte sbagliata della barricata; uno dei superesseri, Capitan Futuro, si rivela essere in realtà il dio Zeus, intenzionato a riprendersi la fiamma di Prometeo, incarnatasi in Fiamma e in sua moglie la Donna Fiamma; entra in scena l’Artiglio, organizzazione terroristica dai fini oscuri.

A questo punto la trama si dipana in varie direzioni: gli Eredi, alleatasi con la Famiglia Dinamica, riescono a liberare il Presidente; dopo questo smacco emergono dei dissapori tra coloro che erano apparsi come i leaders del gruppo degli occupanti: da un lato il riflessivo Lama Verde che vuole soppesare le forze in campo ed è intenzionato a riconsegnare il Pentagono, dall’altro l’impulsivo Terrore Nero che vuole entrare in azione per combattere il male nel mondo.

Nel frattempo si fa sempre più impetuosa la minaccia di Zeus che, presa prigioniera la Donna Fiamma, è più che mai intenzionato a rientrare in possesso per intero della fiamma prometeica. Alcuni eroi lo affrontano direttamente con scarsi risultati, altri, Skyman, Mister Face e Marvelo, ispirati da una misteriosa forza, mettono a punto un piano per intrappolare la furiosa divinità.

Fuori dalle mura del Pentagono, intanto, emerge mostruosamente la minaccia dell’Artiglio, che fonde insieme tutti i civili che erano accorsi all’inizio dell’occupazione in una gigantesca creatura che minaccia i nostri eroi.

Grazie al lavoro di diplomazia del Lama Verde, si chiariscono i rapporti con gli Eredi e con la Famiglia Dinamica e ora tutti insieme possono fronteggiare le due minacce incombenti: in Grecia il sempre più incontrollabile Zeus, al Pentagono il raccapricciante Artiglio.

Nell’Ellade i tre eroi ispirati dalla misteriosa forza, che in realtà altro non è che la Fiamma, entità che si rivela più antica e più potente dello stesso padre degli dei, costruiscono un sarcofago destinato a intrappolare Zeus, il quale però inizialmente riesce a sfruttare a proprio vantaggio il possente involucro trasformandolo in un mega robot (dalle forme molto giapponesi!). Sembrerebbe fatta per il barbuto dio se non fosse per la riscossa degli eroi e per il palesarsi della Fiamma che alla fine riesce a intrappolarlo nelle viscere della Terra.

Al Pentagono,invece, la situazione continua a peggiorare: i supereroi di nuovo uniti non riescono a battere l’enorme mostro creato dall’Artiglio unendo migliaia di corpi innocenti. In questo marasma diviene centrale la figura di The Death-Defying Devil, che si dimostra essere un’entità misteriosa legata al costume vero e proprio e non a chi lo indossa. Quest’entità, grazie a una specie di diabolico sortilegio, riesce a intrappolare l’Artiglio in un sorta di limbo extradimensionale.

La storia finisce qui (e meno male verrebbe da dire!): gli eroi, riuniti a riappacificati con il mondo, possono riprendere fiato e prepararsi alla loro nuova vita e alle prossime sfide.

Confuso caro lettore? Ne hai tutti i motivi: la confusione e la superficialità che caratterizzavano la prima miniserie vengono qui addirittura enfatizzati con l’entrata in scena di nuovi personaggi, che aumentano il caos, e con una trama che trascina chi legge in un vortice dove tutto si mescola e nulla si chiarisce. Molti punti rimangono oscuri, uno su tutti: alla fine chi o cosa è The Death-Defying Devil?!

Inoltre alcune trovate francamente ridicole (come il robot creato da Zeus con il sarcofago che doveva imprigionarlo, estemporanea e assurda intrusione di uno dei topoi dei manga e degli anime nipponici, o come Devil che prima di affrontare l’Artiglio, sembra mettere in mano a Terrore Nero la propria dentiera!) rendono la fruizione dell’opera ancora più difficoltosa.

A livello grafico le tavole vengono affidate a un unico disegnatore, Edgar Salazar: ciò permette una maggiore omogeneità anche se la qualità non è eccelsa.

In conclusione possiamo chiederci: ci troviamo di fronte a un’occasione sprecata? Certamente si, anche se forse non irrimediabilmente persa: l’operazione di ripescaggio di questi characters rimane meritoria, magari con una pianificazione delle storie e dei personaggi più oculata e con una maggiore cura nei testi e nei disegni, potrebbe venir fuori qualcosa di buono. Magari senza robot e dentiere…

Luca Grigoli

.
Collegamenti esterni:
-Panini Comics
.
Collegamenti interni:
- Project Superpowers 1

Gianfranco Manfredi: intervista esclusiva

2011-10-15T01:28:00.000-07:00

L’amore, la Storia e l’avventura – Intervista a Gianfranco Manfredi
.
.

I lettori amano l’autore capace di raccontare storie intriganti, caratterizzate da spunti inconsueti e originali. Se poi quell’autore tiene vivo un fitto rapporto con i suoi lettori, abbiamo l’identikit di Gianfranco Manfredi. Volevamo scambiare quattro chiacchiere con lui a proposito del suo nuovissimo Shangai Devil, il sequel di Volto Nascosto che ha debuttato in edicola proprio questo mese.
Ma Manfredi regala spesso riflessioni interessanti anche durante le interviste e così diventa difficile non ampliare il discorso su altri argomenti.
Il risultato finale è una chiacchierata in cui lo sceneggiatore parla dei suoi lavori, della sua carriera e offre una panoramica su alcuni aspetti del fumetto attuale.
Con qualche sguardo al futuro.

Gianfranco, hai dichiarato che Volto Nascosto vendeva quasi il doppio di Magico Vento. I dati di vendita bonelliani sono spesso un enigma su cui s’interroga gran parte dei lettori, per cui se dovessimo tradurre questo “quasi doppio” in termini numerici intorno a quali cifre ci assesteremmo?

Gianfranco Manfredi: I primi numeri di Volto Nascosto, con grande sorpresa della casa editrice che non si aspettava questi risultati, vendettero mediamente sulle 65mila copie. All’epoca Magico Vento stava sulle 35mila. Questi risultati lusinghieri hanno contribuito alla scelta di dare un sequel a Volto Nascosto, anche se per la verità Bonelli avrebbe preferito che io scrivessi una nuova serie lunga. Ma gestire una serie lunga (cioè senza fine programmata) è molto più complicato e avrebbe richiesto per me un impegno continuativo parecchio stressante, anche per il fatto che chi aveva gestito Magico Vento, cioè Renato Queirolo, andava in pensione, e dunque c’era da reinventare lo staff, e una maggiore responsabilità e peso lavorativo sarebbero ricaduti sulle mie spalle. Inoltre ero rimasto affezionato al personaggio di Ugo e già scrivendo Volto Nascosto mi ero riproposto di dargli un seguito: tanto che sull’ultimo numero di Volto Nascosto ho inserito un colloquio tra Ugo e suo padre Enea, in cui quest’ultimo gli prospetta la possibilità di trasferirsi in Cina. Ecco, tutto questo per dirti che a me delle vendite non frega molto, se non per un fatto: se una cosa va bene, è più facile che da quella ne nasca un’altra.

Così come avevi già fatto in Volto Nascosto, anche in Shangai Devil hai optato per uno scenario inconsueto per una serie a fumetti. E’ una scelta nata solamente dopo aver pensato di realizzare un seguito di Volto Nascosto o già da tempo avresti voluto scrivere qualcosa ambientato in Cina durante questo periodo storico?

G.M. – Mi ha sempre interessato la Cina. E poi gli scenari inconsueti contribuiscono a rinnovare il fumetto: offrono nuove possibilità di racconto a chi scrive e nuovi scenari a chi disegna. Non sprofondare nella routine è importantissimo in questo mestiere.

Sia Magico Vento che Volto Nascosto (e di conseguenza Shangai Devil) sono ambientati nel passato, in contesti storici ben precisi. A cosa è dovuta questa scelta?

G.M. – Per la verità a volte ho anche proposto delle storie contemporanee, però si vede che mi vengono meglio quelle storiche, perché queste ultime sono approvate più facilmente. Credo succeda un po’ come al cinema: se uno si fa notare con un film erotico (per dire) poi continuano a chiederti film erotici, anche se tu vorresti sperimentare altri generi. Certe scelte, che tu lo voglia o no, ti caratterizzano e di conseguenza ti condizionano. Per carità, questo non vuol dire che faccio serie storiche sotto costrizione, perché adoro la Storia. Ma ci sono molti altri generi di narrazione che mi piacciono. Anche le storie d’amore, per fare un esempio, che in fumetto si vedono rarissimamente.

Da alcuni anni il fumetto italiano sembra aver improvvisamente scoperto la formula delle miniserie. Secondo te il continuo fiorire di progetti editoriali di questo tipo è causato solo dall’attuale contesto economico-editoriale o ci sono altre motivazioni?

G.M. – Le motivazioni artistiche e quelle commerciali si sovrappongono più spesso di quanto non si creda. Da sempre i nuovi formati si sviluppano se vendono, altrimenti no. Attualmente le serie lunghe sono molto complicate da gestire e richiedono investimenti notevoli. Un autore poi può esprimersi meglio in una serie a termine, perché nel caso di una serie decennale, per forza di cose, prima o poi deve chiamare in soccorso altri sceneggiatori. Il punto è che alcune miniserie sono concepite e scritte come se fossero serie lunghe, e non si capisce perché durino poco. Io penso che una miniserie vada scritta come un romanzo che ha un inizio, uno sviluppo e una fine. Rispetto al normale fumetto d’avventura incardinato su un eroe/protagonista che per definizione non può morire, in una miniserie può morire anche il protagonista. Questo dà un tocco di suspense in più al racconto. Il lettore si chiede: come andrà a finire? Questa domanda con una serie lunga non se la pone mai.

.

.
Torniamo ai tuoi lavori. Oltre alle serie create da te, sei impegnato a scrivere sporadicamente per Tex. Cosa ti ha spinto ad iniziare questa collaborazione nonostante il tuo pessimismo (ampiamente condivisibile) sul futuro del genere western?

G.M. – Non lo dico per voler apparire a tutti i costi bizzarro, ma io penso che Tex abbia una sua efficacia indipendentemente dai destini del genere western. E’ il personaggio in sé che piace ai lettori. Gli appassionati di Tex sanno tutto delle sue avventure, ma hanno una conoscenza scarsissima del cinema western. Spesso non sono nemmeno lettori di fumetti: leggono Tex e basta. Dunque la cosa appassionante, nello scrivere Tex, è cercare di concentrarsi sempre sui punti di forza del personaggio in sé. E’ una cosa molto più difficile, anche sotto il profilo tecnico, di quanto non si creda. Quando finisco una storia di Tex sono stremato.

Sempre a proposito di Tex, hai chiesto di poter scegliere i disegnatori con cui lavorare. Dopo le storie disegnate da Civitelli e Ticci sono in programma altre tue apparizioni texiane?

G.M. – Ho appena cominciato a scrivere una storia per Leomacs, con cui avevo già collaborato all’epoca di Magico Vento. Lo spunto iniziale me l’ha offerto la Storia del Texas. Negli anni 1879/80 lo Stato del Texas attraversava una difficile crisi finanziaria, l’economia era bloccata, il governatore dell’epoca, Oran Milo Roberts, dovette operare molti tagli di bilancio, sacrificando le pensioni e il sistema scolastico. Stimolante, no? Quando si studia la Storia si scoprono una quantità di corsi e ricorsi. Poi ovviamente si tratta di non fermarsi a questo pretesto. Il modo di agire e reagire di Tex è e deve restare indipendente dal contesto storico. Tex può anche trovare una piramide nel deserto, o un marziano in una miniera. Queste escursioni fantastiche, che erano la cifra stilistica di Sergio Bonelli come autore, da tempo non sono molto frequentate, ma testimoniano ancora qualcosa di prezioso: Tex resta se stesso in qualunque contesto. Se non si incentra la storia su Tex stesso, serve a poco trovare uno spunto interessante.

Oltre a Tex, hai scritto storie anche per Dylan Dog e Nick Raider. Ci sono altri personaggi creati da altri autori su cui ti piacerebbe lavorare?

G.M. – Me ne sono stati proposti anche di importantissimi, e al di fuori da quelli bonelliani, ma ho sempre detto di no. Mi piace creare personaggi miei. Tex è stato un caso del tutto particolare. Ho la sua stessa età. Capirete bene che scrivere da uomo maturo per un personaggio che ha accompagnato la tua infanzia e la tua giovinezza è una bella esperienza. Dylan Dog e Nick Raider mi hanno aiutato a maturare professionalmente, però non ho mai provato per loro la stessa, stravagante e misteriosa empatia che provo per Tex. Altri grandi personaggi della Storia del Fumetto li ho apprezzati, ma non ho proprio nessuna voglia di mettermi a scriverli. Mi è capitato di riscrivere di sana pianta delle storie di Valentina per la TV. Crepax apprezzò ed è quello che conta. Però in quel caso si era trattato di una trasposizione cinematografica/televisiva. E’ impossibile ridare vita a Valentina in fumetto senza il disegno di Crepax. E credo sarebbe altrettanto velleitario riprendere le avventure di Corto Maltese senza i disegni di Pratt, o quelle di Dick Tracy senza Chester Gould.

Per concludere, uno sguardo al futuro. Quali sono i generi o le tematiche su cui non hai ancora lavorato e che ti piacerebbe poter trattare? Prima hai citato le storie d’amore…

G.M. – E’ da un bel po’ che mi interessano le storie d’amore. Credo che lì sia venuto il tempo di innovare, e qualche segnale di profondo cambiamento già lo si vede, persino nei romanzi Harmony. Ma mi è sempre piaciuta anche la commedia. Se il fumetto in generale si aprisse di più a generi diversi dall’avventura in senso stretto, ci guadagnerebbe lettori e credo anche che potrebbero spuntare nuovi autori italiani. Aggiungo che la Bonelli fa benissimo a insistere sull’avventura perché ha una lunga tradizione ed esperienza in materia, però non ho mai capito perché gli altri editori da edicola continuino a cercare di imitarla invece di battere sentieri diversi che potrebbero aprire loro delle autentiche praterie. Ho l’impressione che in Italia, se questa apertura ad altri generi e tendenze non la fa la Bonelli, non la farà nessuno.

E (aggiungiamo noi) se in casa Bonelli questa apertura non la farà Manfredi, sarà difficile che la faccia qualcun altro.

Max Vega

Collegamenti esterni:
- Il sito di Gianfranco Manfredi

Uncanny X-Force

2011-10-15T01:22:00.000-07:00

Uncanny X-Force, di Rick Remender e Jerome Opena, su X-Men De Luxe nn. 197 – 198 - brossura, 96 pag., col. – 4 euro – Panini Comics
.

Ha preso il via su X-Men De Luxe 197, la nuova X-Force di Rick Remender.
Ero a digiuno di X-Force dai tempi di Liefeld, e l’ultima cosa che mi è capitato di leggere sui mutanti è stata la run di Joss Whedon sugli X-Men, quindi mi sono dato alla lettura di questo albo abbastanza spiazzato, mi sembra di aver capito che gli X-Men si sono trasferiti a Cisco, e continuano col supereroismo spinto a beneficio di quella raccolta di consensi tra la gente comune, per riabilitare l’immagine dei mutanti.
Mentre X-Force che ai tempi di Cable e Liefeld era fondamentalmente il gruppo che si contrapponeva al FLM (Fronte Liberazione Mutanti) di Stryfe , ora sembra invece una sorta di Justice League Elite, ossia un gruppo ombra, impegnato in tutte quelle missioni più sporche ed estreme.

.Queste, badate bene sono congetture personali che potete smentire quando vi pare, ricavate su quel che posso aver capito leggendo la storie disegnate da Bachalo ed i primi quattro numeri della nuova X-Force appunto. Su chi siano adesso i membri dei gruppi, su chi sia risorto, nel mondo mutante, come e perchè, non so dirvi assolutemente niente, Wikipedia questa volta non mi ha aiutato molto.

Che buffo, ai tempi del Commodore Amiga con “Golden Axe”, quel gioco fantasy di cappa e spada che sicuramente ricordate, perchè permetteva un team-up, tra due giocatori, ma nessuno voleva mai fare il nano, o dell’Olivetti 486, con su installati le prime versioni di Windows, quelle che quando aprivi “paint” e tiravi due righe di colore diverso con il mouse, ti sentivi un Da Vinci futurista, dicevo a quei tempi le note e gli approfondimenti dovevi leggerteli direttamente sugli stessi fumetti, ma che strano.

Non esisteva la rete, nè i forum, o Wikipedia e non esisteva nemmeno la formula “IMHO”, quella sorta di immunità diplomatica tipica dei forum che ti permette di entrare su un sito e di sparare cazzate a raffica. Appellandoti al sacrosanto ed abusato diritto della libertà di parola.

Insomma per via di queste lacune e precoci innovazioni tecnologiche, siccome la natura non lascia niente al caso durante il processo evolutivo, le note a margine in quei fumetti, non solo c’erano, ma erano anche altamente esaustive.

Oggi nell’epoca cybernauta, dove tutto e più grande e più veloce, queste indispensabili piccolezze, queste accortenze al prossimo (leggi il lettore), sono sparite.

Negli albi Panini come in quelli della “defunta” Planeta, le note a margine, sono ormai qualcosa di mitologico, superflue evidentemente se paragonate alla necessità dei redattori, di ricordare ai lettori ogni due righe cosa dovrebbero comprare… cosa sta per uscire. Giuro su Dio mi ricordavo un Luca Scatasta molto più appassionato per la nona arte in mutandoni, specie nei redazionali dell’irripetibile Crisis on Infinite Earths sui primi otto numeri di Play-Saga, ma non solo, ricordo con piacere il box “Obbiettivo su…” che inframezzava le storie dei fumetti Play Press, in cui si fornivano più informazioni di quante potesse darne la storia, riguardo a questo o a quel personaggio. Chiusa parentesi, avrete intuito subito che una delle cose che mi hanno più scocciato nell’albo, è stata una latitanza dell’assistenza al lettore, eppure il volume ospita una nuova serie, quanto meno con nuovi autori.

Ma è inutile lottare contro i mulini a vento no? Quindi lasciate che vi parli subito di questa X-Force secondo Remender.
Bella. Pensate che Remender è persino riuscito a farmi piacere Deadpool, qui smussato del suo aspetto logorroico e decisamente minchione che lo ha reso l’idolo dei dodicenni.

Il gruppo è composto da Psylocke, Angelo/Arcangelo, compaiono entrambi, e non riesco a capire perchè, sia Scatasta, che Wikipedia non mi hanno dato molto da leggere per capirci di più, l’unica è pensare che “Angelo” è in realtà un ologramma come quelli che usava Nightcrawler per uscire in pubblico, ricordate il sublime Classic X-Men di John Bolton? L’unica spiegazione che mi sono dato è questa d’altronde la schiena è unica, o hai le ali di piume o quelle di metallo, ma qui lo dico e qui lo nego.

Wolverine non poteva mancare in una squadra di potenziali assassini, d’altronde X-Force sembra stata una sua creatura. Poi c’è un certo Fantomex, del quale non so dirvi nulla, ma dai gadget che si porta dietro non escluderei si tratta dell’ennesimo mutante a spasso nel tempo, e appunto da Deadpool.

La loro prima missione li vede fronteggiare la minaccia del ritorno di un vecchio e letale nemico, la miniserie si chiama Soluzioni apocalittiche non è spoiler se vi dico che per capire di chi stiamo parlando, vi basterà concentravi sul titolo in particolare sulla seconda parola piuttosto che sulla prima.

Storia carina, certo non immune a qualche baco qui e lì, (se ne riparla nei commenti se volete, qui non vorrei spoilerare troppo), ma tutto sommato abbastanza incalzante, buoni i dialoghi e l’interpretazione psicologica che Remender fa dei personaggi, in particolare di Angelo/Arcangelo, e Wolverine, quel che stupisce di più è il mercenario chiacchierone, nelle mani di Remender si riduce ad un killer mercenario e psicotico, svelto più con la spada che con la bocca. Insomma se anche secondo Remender Deadpool ha tre o quattro personalità che gli parlano in testa ad ogni tavola con mille didascalie, ha l’accortezza di non farlo pesare a noi poveri lettori, quindi il suo Deapool parla decisamente meno e si lascia leggere.
Il taglio della storia è più adulto, in un certo senso, essendoci di mezzo Wolverine e Co. sventramenti e amputamenti non mancano, e rimpiazzano le classiche scazzottate, che fa tanto fumetto caciarone, d’altronde anche nel mondo vero sembra che prendersi a pugni sia decisamente out, molto più in accoltellarsi o spararsi.

Alle matite un ottimo Jerome Opena, bravissimo sia nelle tavole cinetiche che in quelle più statiche, la sua matita riesce a caricare del necessario carisma tutti i personaggi e anche le situazioni, e senza offendere la suscettibilità di nessuno, molte volte mi ha fatto venire in mente il nostro talentuoso Massimo Carnevale o l’immortale Sergio Toppi, forse per il deja vu è complice il colorista, se non erro White, giustamente tra l’altro, un colorista che cognome deve portare se non quello che da il nome ad un colore?
Per la serie “un nome un destino”, a volte succede, d’altronde io alle superiori, al corso di chimica analitica, avevo il professore che si chiamava Bismuto, giuro, e non voglio certo prendervi per il culo.

Tornando alla trama, non ne parlo mai, perchè non sono così nerd, e perchè di solito non me ne frega niente, ma val la pena ricordare in questo caso che anche le cover delle storie sono luce per i vostri occhi, le copertine infatti sono del bravissimo Esaad Ribic, che, si vocifera, dovrebbe illustrare la prossima missione del gruppo. Stiamo a vedere.
Certo comprare un albo intero per leggerne la metà, va contro tutti i miei principi, e contro tutto quello in cui vi ho sempre voluto educare. Adesso per lo meno so come si sono sentiti per anni sia i lettori di Devil che i lettori di Hulk.
Baci ai pupi.

Gennaro Cardillo

Collegamenti esterni:
- Panini Comics

Battle Royale

2011-10-07T07:15:00.000-07:00

Battle Royale, di Koushun Takami (testi), Masayuki Taguchi (disegni) – 15 albi, euro 4,90 cadauno – Planet Manga
.

La Planet Manga ha appena concluso la ristampa in quindici volumetti di Battle Royale, acclamata saga firmata Koushun Takami. Un’opera discussa che è già un classico e si distingue per la sua intensità e i curatissimi disegni iperrealisti di Masayuki Taguchi. Battle Royale è un prodotto dalla genesi molto particolare, con una storia travagliata e numerose facce mediatiche, ciascuna delle quali mostra una sua peculiare personalità. Oggetto di polemiche in patria, dove il racconto di Takami è stato riconosciuto come un’aspra metafora della società competitiva orientale, Battle Royale esordisce come opera letteraria nel 1999. Un romanzo antiutopistico che mescola echi orwelliani con elementi tipici dell’action splatter giapponese, ma anche con sottotesti romantici e una narrazione corale che deve molto al feuilleton.

Dalle pagine del romanzo (edito in Italia da Mondadori) al cinema, il passo è stato breve. Nel 2000 esce infatti sugli schermi giapponesi Battle Royale, film diretto da Kinji Fukasaku su sceneggiatura di Kenta Fukasaku e interpretato da Takeshi Kitano nella parte del coordinatore del Program. La serie a fumetti, sceneggiata dal suo autore originale, inizia a uscire nello stesso anno del film, e rappresenta dunque il terzo anello nell’evoluzione mediatica della saga immaginata da Koushun Takami. Perché è di evoluzione che si dovrebbe parlare a proposito di Battle Royale. Più che semplici adattamenti, la narrativa, il cinema e quindi il fumetto, hanno prodotto nuove versioni, estese o compresse, di una storia epica e atrocemente emblematica nella sua semplicità. Se il cinema è riuscito a proporre una convincente riduzione all’essenza della violenta saga, la sceneggiatura del manga, tornata nelle mani del suo demiurgo, recupera la coralità e la profondità del romanzo, ma apportando significative variazioni, efficaci cambi di prospettiva e proponendo scelte visive funzionali all’arte sequenziale che fanno di Battle Royale un vero pugno nello stomaco del lettore. Le spettacolari tavole di Masayuki Taguchi, che tanto spazio concedono ai dettagli gore del racconto, contribuiscono a costruire l’umanità dei personaggi, rendendo Battle Royale, il manga, forse il risultato più espressivo e popolare, se non il più riuscito, tra le declinazioni finora presentate dell’epopea truce e struggente ideata da Takami.

Il Program, un crudele reality show dove si uccide o si è uccisi. Un’affollata classe di scuola è sorteggiata ogni anno e destinata a un massacro che dovrà vedere sopravvivere un solo vincitore. Mai metafora della competitività disumanizzante è stata rappresentata in modo altrettanto esplicito. Nel film di Fukasaku, si motivava l’esistenza del Program come strumento repressivo delle ansie giovanili. Una metodica selezione degli elementi più conformisti e bellicosi. Nel manga, le motivazioni del crudele gioco restano vaghe, legate all’arbitrio sadico di un governo totalitario. Forse un calmiere alla sovrappopolazione di uno stato che ha scelto l’autarchia e l’assoluta chiusura a ogni scambio con l’esterno come regola di vita. Il manga, forse più del romanzo, riesce a conferire un’identità concreta a ogni singola vittima della mattanza. Battle Royale, con tutte le sue spettacolari efferatezze, non è un semplice racconto slasher. A cadere non sono manichini stereotipati, ma giovani donne e giovani uomini, che Takami ci fa conoscere da vicino, inducendoci persino ad amarli. La morte, dilatata nel tempo grazie a immagini di una bellezza crudele, falcia e interrompe per sempre romanzi di vita cui ci stavamo appassionando. E ogni morte dà un tuffo al cuore, lasciando una sensazione di tragico vuoto. Può sembrare un paradosso, ma a far vivere la vicenda di Battle Royale non è l’orrore (che pure gronda copioso dalle sue pagine), ma un sentimento di profonda pietà che pervade l’intera storia. La mitezza e il senso di giustizia, incarnati dal personaggio di Shuya, rappresentano l’indomabile ottimismo che ci ripete, uccisione dopo uccisione, che il mondo, pur nella sua mostruosità, può ancora essere salvato.

Il messaggio profondo di un manga sanguinoso come Battle Royale è che il concetto di ribellione non deve necessariamente coincidere con quello di violenza. La guerra è rappresentata da Masayuki Taguchi nei suoi particolari più raccapriccianti non per mero compiacimento, ma per esprimere un netto rifiuto a qualcosa che è indicato come la quintessenza della deriva umana. Una classe di scuola, per definizione un gruppo di giovani riuniti affinché crescano insieme, è qui obbligata a massacrarsi in nome del più elementare istinto di sopravvivenza. Non può esserci apprendimento, e quindi evoluzione, quando la natura umana è ridotta allo stato selvaggio. E questo si rivela essere il vero scopo liberticida del Program. Isolare gli individui e disperderli in un caos feroce, dove collaborazione e solidarietà non sono che fantasmi per pochi illusi. Battle Royale parla di amicizie che franano rovinosamente o che superano la più aspra delle avversità, portando in scena un esame di umanità che alla fine lascia il lettore con una scomoda domanda. Come ci saremmo comportati se intrappolati in una situazione come quella del Program? Potremmo chiederci se pugnaleremmo alle spalle chi ci è stato amico, ritenendo che questo possa salvarci, o se irriducibilmente cercheremmo una soluzione pacifica pur di proteggere chi in passato si è fidato di noi.

E la risposta non è così scontata.

Filippo Messina

.
Collegamenti esterni:
- Panini Comics
.
.

Maledetti Fumetti!

2011-10-02T08:24:00.000-07:00

Maledetti Fumetti! di David Hajdu – saggio, 454 pag. con illustrazioni in b/n – euro 28 – Tunué

“La più infima, deprecabile e pericolosa forma di spazzatura” [John Mason Brown, cap. 5, pag. 121]

Una gran parte del pubblico adulto dei supereroi conosce, o almeno ha sentito nominare, sia il dottor Fredric Wertham che il suo libro del 1954 “La seduzione dell’innocente”.
Fu soprattutto grazie a quel testo dello psichiatra tedesco naturalizzato americano che i comics subirono un potente attacco che causò la loro quasi scomparsa dal mercato statunitense. E conseguentemente si passò dalla Golden alla Silver Age.
Quello ai comics fu un attacco talmente mirato ed efficace, che i fumetti ci misero anni per tornare ad essere un fenomeno commerciale e culturale degno di nota.

La seduzione dell’innocente è uno spartiacque fondamentale per la storia dei comics, determinò per sempre un “prima” e un “dopo”, dette il via a un cambiamento epocale nel fumetto americano, e riguarda ancor oggi la sua storia, la sua percezione di massa, la sua realizzazione, la sua stessa concezione.

Questa è storia ed è storia importante, imprescindibile. Oltre che dannatamente interessante.
Anche Maledetti Fumetti! di David Hajdu è imprescindibile, visto che a tutt’oggi è l’unico saggio organico che affronta l’argomento dell’attacco “maccartista” ai comics.

Il libro comincia con la descrizione del commovente incontro tra l’autore e Janice Walleau Winkleman un’anziana pittrice che per oltre cinquant’anni non fece menzione a nessuno del suo ex lavoro da fumettista, al punto che neppure sua figlia, lettrice di comics, ne era al corrente. “Mio dio – dice – non potevo tornarmene là fuori, ero spaventata a morte. Non sa quello che ci hanno fatto?”.

No, prima di leggere il libro di Hajdu non sapevamo precisamente cosa avessero fatto loro e perché non potessero tornarsene là fuori …
Ce lo spiega David Hajdu col suo straordinario lavoro di documentazione, frutto di ricerche e interviste, confronto di dati e analisi della situazione dell’epoca. Il suo lavoro benché incentrato su un argomento che più specifico non si può, risulta essere avvincente e affascinante principalmente perché tratta di situazioni – ed emozioni – che qui in Italia abbiamo sempre e solo sentito “di seconda mano”, malamente e quasi senza dati a disposizione, senza poterci soffermare a riflettere, o anche solo a dare un’occhiata, alla situazione reale così come si presentava negli Stati Uniti dal dopoguerra alla seconda metà degli Anni 50.

Grazie a Maledetti Fumetti! possiamo sapere, conoscere e capire, in modo da dare alle nostre idee, sino a ieri preconcette, una base più solida sulla quale poggiare.
Non si pensi ad un’opera freddamente specialistica ed ipertecnica: niente di più lontano dal lavoro di Hajdu. Decine e decine di citazioni da interviste con importanti autori di comics (uno per tutti: Will Eisner) molti dei quali non sono più con noi, garantiscono l’ascolto della “vera voce” di chi quel periodo lo visse in prima persona.

Hajdu racconta tramite le voci dei protagonisti il processo di nascita dei comic-book, il formato che rivoluzionò l’intera concezione del racconto a fumetti; e insieme racconta il processo di lavorazione dei comic-book: in queste descizioni forse non c’è molta “poesia”, retoricamente intesa, ma ci sono invece molta fame e sudore. E ci sono anche eccitazione e senso di avventura perché la nascita di questa nuova forma espressiva, per quanto “commerciale”, dava a molti dei protagonisti, soprattutto ai più consapevoli, un’euforia che si percepisce perfettamente e gioiosamente leggendo il libro di Hajdu.
Si tratta di un momento storico in cui si stavano inventando stili, nuovi canoni, nuove concezioni del fumetto che sino ad allora era stato pensato e creato esclusivamente per le strisce sui quotidiani.
Un periodo di folle creatività (e sudore, quello sempre!) forse mai più ripetutosi nella storia dei comics.

Ma tutta questa eccitante, incontrollata libertà finisce.
I capitoli centrali di Maledetti Fumetti! sono dedicati al racconto degli attacchi feroci che i comic-book cominciano a subire da giornalisti, educatori, figure istituzionali e religiose, critici e scrittori fin dal tempo della II Guerra Mondiale.
Nonostante la maggior parte degli eroi di carta partecipi da subito alla battaglia contro la Germania nazista e l’esercito di Hitler (prima ancora del vero esercito degli USA), molte delle accuse rivolte agli eroi dei fumetti vertono proprio sul concetto di “superomismo”: “I supereroi erano falsi déi di carta: pagani e, ancora, fascisti”.
E cominciarono i roghi pubblici: montagne di fumetti bruciati pubblicamente in un rito isterico di massa che ha tristi precedenti e che oggi non viene ricordato con particolare orgoglio.

Insieme all’attacco ai supereroi venne quello, ancor più feroce, contro i fumetti sul crimine e horror, editi per la maggior parta dalla EC Comics di Bill Gaines, e su quelli d’amore e parodistico-umoristici (Mad) e la faccenda cominciò ad occupare non più solo le prime pagine di quotidiani e riviste, ma anche le aule dei consigli comunali e quelle dei tribunali.
Sino ad arrivare alle interpellanze parlamentari [ne sappiamo qualcosa anche qui in Italia: i più grandicelli ricorderanno], alle audizioni delle commissioni del Senato americano trasmesse in diretta alla televisione, all’autocensura (Comics Code) e alla quasi completa distruzione dell’industria del fumetto americana.

Il libro di Hajdu intende dimostrare che la censura che si abbatté sui comics nella seconda metà degli Anni 50 fu il primo fenomeno di criminalizzazione di una forma di intrattenimento di massa rivolto principalmente ai giovani, prima dell’analogo fenomeno censorio che si scatenò sul rock’n’roll.
“Elvis Presley e Chuck Berry – scrive Hajdu nel Prologo - aggiunsero solo la colonna sonora a un mondo creato e messo in scena negli albi a fumetti”.

L’autore si schiera con decisione e senza tentennamenti di sorta dalla parte dei comics e dei loro autori ed editori, prima ancora che dei lettori: non ci sono per Hajdu tonalità di grigio, il torto sta tutto e solo da una parte, cioè da quella di Wertham e di coloro che criminalizzarono i fumetti.
.
Hajdu snocciola dati, e non solo opinioni, come ad esempio il dato che la censura fu causa della perdita di oltre mille posti di lavoro nell’industria del fumetto, mille posti di lavoro cancellati quasi di botto. Gli autori di fumetti furono vittime di un vero e proprio ostracismo addirittura a livello sociale: padri di famiglia che si vergognavano di “confessare” la propria professione ai figli e ai loro insegnanti, insultati sui mezzi pubblici, considerati criminali o quasi.
.
Una grossa percentuale di autori e autrici non si accostarono mai più al mondo dei comics, neppure incidentalmente e neppure se quello che svolgevano un tempo era il lavoro dei loro sogni.

Interessante che Hajdu sottolinei particolarmente la questione di classe: i fumetti oltre che essere rivolti alle classi sociali meno abbienti, erano spesso realizzati da persone appartenenti a categorie di persone oppresse, come “immigrati, donne, ebrei, italiani, latinoamericani, asiatici”.

Ma la questione di classe riguarda anche Wertham: quanti appassionati italiani di fumetti sapevano che il tanto vituperato dottor Wertham fu un ardente antisegregazionista e che per anni operò come volontario presso strutture gratuite per persone disabili, principalmente neri, poco abbienti? Nonostante Hajdu consideri Wertham una specie di babau, quasi il male incarnato, lo psichiatra tedesco-americano può essere visto come una specie di liberal ante litteram perché – comics a parte – non si può certo dire che le sue convinzioni politiche e sociali fossero arretrate o tantomeno reazionarie.

Così giusto per farci due risate: quanti giovani genitori moderni farebbero leggere oggi, a cuor leggero, ai loro bambini storie a fumetti con decapitazioni, squartamenti a suon d’accetta, cadaveri putrescenti che mangiano esseri umani vivi, scuoiamenti o anche solo ammazzamenti a decine, perpetrati con colpi di pistola in faccia, quando la morte è rapida?

Per concludere: al di là delle iperboli Maledetti Fumetti! è, come si diceva all’inizio, una lettura imprescindibile per chiunque sia appassionato di fumetti americani. Anzi, per chiunque sia appassionato di fumetti.

Orlando Furioso

Collegamenti esterni:
- Tunué

- leggi il primo capitolo di Maledetti Fumetti!

- recensione di Maledetti Fumetti! sul blog Conversazioni sul Fumetto

The Mighty

2011-09-26T08:18:00.000-07:00

The Mighty, di Peter J. Tomasi, Keith Champagne, Peter Snejbjerg, Chris Samnee – Planeta De Agostini (vol. 1: 144 pp. 12, 95 euro, vol. 2: 144 pp. 12,95 euro)

.

Revisionismo supereroistico: sono ormai passati venticinque anni da quando, con la comparsa di opere come Watchmen di Alan Moore e Dave Gibbons e Batman: The Dark Knight Returns di Frank Miller, è entrato in uso questo termine, indicante un ripensamento, una riscrittura, una profonda revisione della figura del supereroe.
Quest’ultimo non è più la figura netta, votata al bene, che agisce in un mondo e in scenari altrettanto netti: da una parte il bene, dall’altra il male. Egli è un essere problematico, tormentato, che si trova a compiere le proprie azioni in una realtà dove il bianco e il nero sono scomparsi, lasciando il posto a una serie di tonalità di grigio, più tendenti allo scuro che al chiaro, e dove il cosiddetto “eroe” non raramente passa il segno: uccide, infierisce crudelmente sull’avversario di turno e a tratti non è distinguibile dai propri antagonisti.
In questo rovesciamento di prospettiva i suoi poteri, le sua straordinarie abilità cessano di essere una meraviglia, ma diventano fonte di profonda inquietudine per i popoli e per i governi.

Quanto sin qui scritto pecca sicuramente di eccessivo schematismo: in realtà la revisione del concetto e della figura del supereroe non nascono così dal nulla, gli stessi Moore e Miller si nutrirono di suggestioni provenienti dal passato (già nella produzione degli anni Settanta si ritrovano tematiche e figure anticipatrici), e dell’opera di altri autori (come dimenticare Squadron Supreme di Mark Gruenwald?!), ma diedero comunque, anche grazie alla loro genialità, un primo assetto alla figura dell’eroe (e dell’eroina) in calzamaglia “revisionato”.
.

Dall’allora molta acqua è passata sotto i ponti, molti autori hanno proseguito su questa strada, producendo risultati altalenanti: da un lato opere come The Authority di Warren Ellis e Mark Millar, Rising Stars e Supreme Power di J. Michael Straczynski, le prime due stagioni di The Ultimates di Millar e la più recente produzione di Ellis presso la casa editrice Avatar Press (Black Summer, No Hero, Supergods), dimostrano che la lezione revisionistica può essere ripresa e sviluppata, dimostrando di essere un filone vivo e fertile; dall’altro lato una certa produzione, fiorita soprattutto negli anni Novanta, che contemplava personaggi muscolosi, incazzati e soprattutto dotati di innumerevoli bocche da fuoco (chi ha detto Liefeld?) ha reso evidente il rischio che la lezione revisionistica possa venire mal digerita e banalizzata, portando a risultati disastrosi.

Dopo questo lungo ma credo necessario preambolo, veniamo alla miniserie oggetto di questa recensione, The Mighty, che si inserisce a buon diritto nel filone sopra descritto. Si tratta di una miniserie di dodici numeri, uscita in USA per la DC Comics tra l’Aprile del 2009 e il Marzo del 2010 e recentemente presentata in Italia dalla Planeta De Agostini in due volumetti. Ai testi troviamo Peter Tomasi, apprezzato autore Green Lantern Corps, e Keith Champagne, ai disegni Peter Snejbjerg e Chris Samnee.

La storia, non ambientata nell’universo di Superman e soci, si svolge in un mondo dove nel 1952 un esperimento nucleare americano porta alla nascita di Alpha One, essere dagli incredibili poteri. Nel corso dei decenni l’onnipotente Alpha One viene affiancato da una specie di forza di polizia personale, la Sezione Omega, incaricata di fornire all’eroe supporto logistico. Quando il capitano della Sezione Omega, Micheal Shaw, muore in circostanze misteriose, viene chiamato a sostituirlo il giovane e promettente Gabriel Cole.

Cole riesce in qualche modo a stabilire un rapporto molto stretto, quasi un’amicizia, con l’altrimenti algido e olimpico Alpha One. I due formano una squadra perfetta, capace di valorizzare al massimo le imprese del superuomo, ma qualcosa non va: strani omicidi rapimenti iniziano a insospettire Cole, che inizia a vedere al centro di questa trama oscura proprio Alpha One. L’amicizia tra i due si incrina irrimediabilmente e presto i due si ritrovano faccia a faccia in una resa dei conti dove alcuni misteri vengono alla luce e alcune verità non si dimostrano più tali…

Meglio non rivelare il finale per non rovinare il piacere dalla lettura ai lettori. In ogni caso la storia risulta piacevole e ben congegnata.

Troviamo un superumano che agisce in un mondo molto simile a quello reale e con modalità inedite, ne è un esempio la trovata molto azzeccata della Sezione Omega. Inoltre Alpha One stesso non corrisponde in alcun modo al tipo ideale di eroe in costume: egli appare sempre molto distante dalle persone che lo circondano, sembra quasi che i suoi poteri lo rendano un dio, a cui gli esseri umani non sono degni di rivolgere la parola. Non si esime dall’aiutare e dal fare il proprio dovere, ma lo fa con una freddezza che non scalda i cuori di chi salva. Questi elementi consegnano questa miniserie alla famiglia “bene” del revisionismo supereroistico, anche se in USA e in Italia l’opera non ha forse ricevuto l’attenzione che meritava, fermo restando che comunque non si tratta di una produzione all’altezza delle opere capostipiti del sottogenere.

Tomasi e Champagne svolgono un buon lavoro ai testi e ai dialoghi, ottimamente coadiuvati dai disegni di Snejbjerg e Samnee, stilizzati ed essenziali. Le copertine di Dave Johnson, molto evocative, meritano una menzione particolare.

Il punto debole di The Mighty, a parere dello scrivente, risiede nel finale, che rimette troppo in discussione alcuni presupposti della storia, presupposti che sarebbe stato meglio lasciare intatti.

Per concludere si può tranquillamente affermare che in un’ipotetica biblioteca del revisionismo supereroistico The Mighty merita certamente un posticino, magari non in primo piano, ma un cantuccio comunque se lo merita.

Luca Grigoli

Collegamenti esterni:
- Planeta DeAgostini

.

Action Comics 1

2011-09-20T09:25:00.000-07:00

Action Comics #1, di Grant Morrison e Rags Morales – 40 pag, col., $3.99 US – DC Comics
.

“Sempre meglio che pubblicare le pagine bianche”.

.
L’editor che secondo la leggenda pronunciò queste parole nel 1938 non poteva immaginare che la creazione di due giovani autori appassionati di fantascienza che andava a occupare le pagine del primo numero della neonata rivista ACTION COMICS sarebbe divenuta un’icona della cultura popolare. E invece il forzuto in calzamaglia blu che sulla copertina sollevava un’auto era destinato a una fulgida carriera tra le leggende del fumetto e non solo, proprio a partire da quel mitologico ACTION COMICS 1.
.
..
ACTION COMICS 1, l’albo dell’esordio di Superman, irrecuperabile oggetto da collezione per chi non ha la fortuna di esser miliardario, passato per le mani di ragazzini che lo hanno letto, sfogliato, arrotolato, buttato, scambiato, ignari del fatto che la prima dimora cartacea del loro immortale eroe, pagata 10 centesimi, avrebbe un giorno raggiunto quotazioni astronomiche. Ma a loro non importava: ACTION COMICS 1 erano solo pagine tenute insieme da due graffette, pagine fatte per essere consumate in attesa di nuove letture che trasportavano l’immaginazione, almeno quella, lontano dalla miseria e dalla cicatrice della crisi economica.

Ma quello era il 1938, giorni lontani, vite a noi sconosciute di persone che hanno avuto la fortuna e l’onore di assistere alla nascita di un genere e che oggi chissà, saranno molto anziane se non morte, e avranno lasciato l’Uomo d’Acciaio in un angolo della loro memoria dedicato ai ricordi infantili, accanto alle partite a baseball in qualche campetto brullo e ai campeggi estivi.
.

Quel genere, quello supereroico, è passato attraverso alterne fortune: boom da milioni di copie, crolli delle vendite, vette qualitative lodate dalla critica, ristagni creativi interminabili.
Oggi siamo nel 2011 e i supereroi, Superman compreso, non godono di quella che definiremmo buona salute. Gli editori per restare a galla le provano tutte (tranne, chiaramente, raccontare delle buone storie), e l’ultima trovata è targata DC Comics: rilanciare, in seguito al crossover FLASHPOINT, l’intero parco testate con decine di starting point rappresentati da decine di numeri 1. 52, per la precisione (e altri ne arriveranno).

.
.

Ed è così che mi ritrovo per le mani una copia di ACTION COMICS numero 1. Che sarà anche un “Vol. II”, cioè una seconda serie, ma è pur sempre un ACTION COMICS 1, e la cosa un po’ di impressione la fa.
Ho sempre pensato che non sarei vissuto abbastanza per vedere un ACTION COMICS 1, e invece andrà a finire che non vivrò abbastanza per vedere il numero 1000, proprio ora che eravamo giunti al 900, a meno che io non creda davvero di poter vivere per altri 83 anni. E non lo credo.
.

Non sono stati dei buoni anni per Superman, questi. Scrittori sulla carta validi non sono riusciti ad attirare l’attenzione di critica e soprattutto lettori, pertanto la DC si è affidata al solito Grant Morrison, già apprezzato sul personaggio per il ciclo di ALL-STAR SUPERMAN, per calamitare un po’ di pubblico sul primo dei supereroi con un totale reboot delle sue avventure, un’operazione che ricorda quella compiuta nel 1986 da John Byrne con la miniserie MAN OF STEEL e i due anni di storie seguenti.
.

E se con ALL-STAR Morrison si era rifatto soprattutto alla versione Silver Age di Superman, quella paterna e saggia che all’alzare le mani preferisce l’uso del cervello e di una parola gentile, con questo nuovo ACTION COMICS va ancora più indietro, ai primi vagiti editoriali del personaggio, all’altro ACTION COMICS 1. Con Morrison si torna alla Golden Age, e più indietro di così non si poteva, a meno che a qualcuno non interessi leggere di un “Super-Man” calvo e nemico dell’umanità. Si torna a giorni in cui per descriverlo bastava scrivere parole come “Leaping skyscrapers, racing trains, springing great heights and distances, lifting and smashing ponderous weights, possessing an impenetrable skin… Superman uses these amazing attributes to assist the oppressed and battle injustice!”.
Parole di Jerry Siegel e Joe Shuster da una strip del 1939, e se non lo conoscevano loro che lo avevano ideato…

Il Superman di Morrison, come quello dei creatori, è un audace nemico dei corrotti, si cura della povera gente e il suo rispetto per l’autorità non è particolarmente elevato. E’ il campione dell’uomo comune, una categoria di cui anch’egli, nelle vesti del reporter di origini contadine Clark Kent, fa orgogliosamente parte, e ha (per il momento) poteri ridotti rispetto a quelli che gli abbiamo visto sfoggiare dagli anni ’40 in avanti.

L’autore scozzese ha dichiarato di volere un Superman “socialista”, uno “working class hero” che sia il Bruce Springsteen dei supereroi. E giovane, molto più giovane di quello che siamo abituati a vedere. E, buon per noi, funziona. Morrison il Superman Golden Age deve esserselo riletto bene, prima di cominciare a (ri)scriverlo.
.

Il fumetto si intitola ACTION COMICS, e con questo giovane kryptoniano per protagonista il titolo non poteva essere più appropriato: Superman salta, corre, picchia, mostra una forza erculea. Potrebbe rubare a Barry Allen, il Flash Silver Age, l’azzeccato nomignolo di “monarca del movimento”, visto che lo vediamo sempre intento a fare qualcosa. Una vera forza della natura che non poteva che trovare, anche in questa nuova realtà post-Flashpoint, la sua nemesi in Lex Luthor.
Mentre Superman è un ciclone umano (e la parola ciclone, se conoscete un minimo le vicende italiane del personaggio, vi parrà adeguata), Luthor si limita a seguirne gli spostamenti per decidere come colpirlo ed eliminarlo. Superman è l’uomo che crea l’azione, Luthor quello che tenta di tenerla sotto controllo. Due opposti che, come nella miglior tradizione supermaniana, sono destinati a dar vita a scontri memorabili per portare avanti una rivalità che dura da ormai 70 anni.

La prima cosa che salta all’occhio di questo nuovo/vecchio Superman è il look. Sin dalle anteprime iniziate a circolare a giugno lo abbiamo visto non con il suo classico costume, ma con una maglietta, un paio di jeans e il mantello rosso. Una scelta che fa molto “fai da te”, a suggerire che questo rinnovato Uomo d’Acciaio è un personaggio in divenire, ancora non del tutto consapevole di cosa sia un vero e proprio supereroe. La cosa non ci stupisca: in questa nuova DC è lui il primo supereroe, dunque sarà proprio lui a “dettare la moda” degli eroi in costume. Questa, ovviamente, sarà anche la storia di come ci arriverà. Ma nemmeno a quel punto avremo la possibilità di vederlo con il suo abito tradizionale: abbandonati jeans e maglietta lo ritroveremo con indosso un’armatura da battaglia kryptoniana disegnata da Jim Lee che lo farà sembrare, ahilui, un barattolo di ceci con gambe e braccia.
Viene da chiedersi come sia possibile immaginare l’eroe che più di tutti trasmette calore umano con addosso una fredda corazza, ma forse questo andrebbe chiesto a Jim Lee, dopo vent’anni ancora legato a un’estetica supereroica ormai datata che lui stesso ha contribuito a generare.

Ma tornando al presente, che poi in realtà è il passato (almeno per i primi numeri ACTION COMICS si svolgerà infatti “cinque anni fa”, all’alba dell’età eroica), non si può non lodare, dopo Morrison, anche il disegnatore, Rags Morales, ben noto al pubblico DC per le sue prove su HAWKMAN e la famosa miniserie IDENTITY CRISIS. E’ Morales a dar forma alle idee di Morrison, raffigurando un giovane Superman sempre attivo, ora impegnato a gettarsi da una finestra, ora alle prese con una rete elettrificata. E sempre con il volto soddisfatto di chi sa di avere un grande potere e non vuole usarlo per se stesso, ma per chi ha bisogno di lui.
Ne è esempio la splendida vignetta finale di pagina 16, in cui la fatica ben visibile nel volto di Superman non riesce a cancellare il suo sorriso mentre le persone che ha appena aiutato si radunano attorno a lui per difenderlo dalle forze dell’ordine.

E’ accessibile a tutti, questo Superman post-Flashpoint. Riparte da uno per chi non lo ha mai letto e per chi è disposto a continuare a farlo ma mal tollera la zavorra narrativa che un personaggio tanto longevo finisce per portarsi dietro a ogni cambio di autori. Si propone come fumetto di massa, vale a dire quello che non è stato per anni, e per ora mantiene il suo proposito. Morrison ha il vantaggio di poter ripartire da zero, di gettare le basi per il Superman che verrà. Saranno le vendite e il tempo a dire se sarà un progetto di lunga durata e dalle basi solide. Nell’ultimo decennio Superman è stato rilanciato più volte in modo più o meno radicale, e di sicuro apparirà insolito a più di un lettore ritrovarsi a leggere i primi passi (chiedo scusa, balzi) dell’Azzurrone a circa un anno dal non più definitivo SECRET ORIGIN di Geoff Johns e Gary Frank. Ma basta ripensare a SECRET YEARS, datato 1984/85, per capire che in DC hanno un talento tutto particolare per rendere obsolete le proprie storie nel giro di pochissimo tempo. All’epoca Bob Rozakis e Curt Swan ridefinirono il momento del passaggio tra Superboy e Superman con una miniserie di quattro numeri, ma tempo un anno e mezzo e sarebbe finita fuori continuity assieme a tutto il resto della produzione pre-Crisis del personaggio.

Oggi più che mai, nel mondo dei comics si naviga a vista. Si rilancia, si reboota, si ridefinisce, si cancella, si riscrive. Molte, troppe false partenze che non conducono da nessuna parte. Come afflitto da un castigo infernale, il fumetto di supereroi parte infinite volte per non arrivare mai a destinazione.

E forse sarà questa la missione più importante dell’Uomo del Domani di Morrison e Morales (e, sulla collana sorella SUPERMAN, di George Pérez e Jesus Merino): ripartire dalle origini del genere per condurlo, finalmente, fuori dal pantano dell’autoreferenzialità e della mancanza di idee.
.

E’ più veloce di un proiettile, più potente di una locomotiva, capace di saltare i palazzi con un solo balzo. Riuscirà nell’impresa di ridare vigore a un genere fumettistico moribondo, o sarà troppo persino per lui?

Francesco Vanagolli

Collegamenti esterni:
- DC Comics

The Boys

2011-09-12T09:23:00.000-07:00

The Boys, di Garth Ennis e Darick Robertson - 128 pagine a colori, brossurato – 13 euro (…che io sappia, esaurito!) – Panini Comics, collana 100%
.
.

“Signora, è una ragazzo molto intelligente, ma è svogliato, distratto e totalmente disinteressato alle attività scolastiche, deve fare assolutamente di più, e mi aspetto che anche voi da casa ci darete una mano.”

Quante volte l’avete sentita?

Beh vi basta sentirla una sola unica volta, e per voi è finita, come un macigno, un giudizio affrettato da primo scrutinio, magari detto da qualche vecchio rimbambito prossimo alla pensione, un nostalgico delle sacra tecnica delle ginocchia sui ceci, graverà sul vostro groppone, e vi seguirà per tutto l’arco della carriera scolastica.

Le parole “Asino-Sovversivo” scritte con inchiostro simpatico ed indelebile sulla vostra capoccia, visibili solo a chi ha il giusto tipo di occhi, saranno il vostro biglietto di visita, l’etichetta che vi presenterà tutte le volte che vi relazionerete con i professori.

Da quel momento, potrete anche risolvere alla lavagna complessi Integrali del MIT come fossero divisioni ad una cifra, ma non cambierà nulla, per loro, sarete sempre braccia strappate all’agricoltura, l’unica speranza, sarà mettere in valigia i vostri quattro stracci ed il vostro Sussidiario e cambiare aria. Più facile a dirsi che a farsi.

Etichette, i buoni ed i cattivi.

Questa regola, vale anche al contrario, vi basta salvare un gattino da un albero una singola volta, e per il vicinato diventerete l’eroe del quartiere, un ligio esempio da seguire, poco conta se nel frattempo, stuprate salme nel cimitero cittadino… non ci crederà nessuno, per i vostri adepti di quartiere, saranno solo voci delle solite malelingue.
Per la serie: campare sugli allori.

Allo scrittore irlandese Garth Ennis è successo, esattamente questo.
Brevemente: Ennis si è fatto notare con Hitman, con il Punitore della linea MAX lo abbiamo amato, nell’insondabile privato della nostra mente bacata, abbiamo tutti trucidato i nostri cari, per immaginarci poi motivati, spietati e cinici vendicatori come il suo Frank Castle.

Con Pro la prostituta con i superpoteri ci ha fatto divertire, unica vera satira del mondo dei fumetti in mutandoni. [vivamente consigliato ndGen] Con Preacher, ha deciso che gli spettava di diritto, un posto nell’Olimpo dei grandi autori del fumetto contemporaneo. Meritatamente, ha lasciato la sua impronta su una BLVD dedicata alle “Star” del fumetto, grazie al capolavoro in collaborazione con Dillon targato Vertigo.

Dopodichè, purtroppo, ha cominciato a stuprare cadaveri nel cimitero cittadino.

Ma ancora la gente non ci crede, per i lettori, e parte degli addetti ai lavori, è ancora l’uomo che ha salvato il gattino sull’albero, e gli ha insegnato a farsi rispettare nella vita, con le dritte del reverendo Cassidy.
In Italia, recita wikipedia, a proposito di The Boys: “i primi due numeri sono andati esauriti così in fretta che è stata necessaria una ristampa in tempi brevi”.

Sul primo volume della serie edita in Italia da Panini, in quarta di copertina il volume è presentato a dovere, c’è l’esca perfetta per accalappiare quanti più nerdacci outsider sia possibile, lo zoccolo duro dei Nerd, quelli che alla maglietta con lo scudo di CAP, preferiscono quella dei System of a Down, quelli che: come canta “Freak” Antoni, “Sono un ribelle mamma”, poche righe, sapientemente scritte, per incantare quanti più fan del cineasta Rodriguez.

Il trafiletto recita che questa serie è talmente violenta che la DC ha deciso di interromperne la pubblicazione cedendone i diritti alla Dynamite, ed è vero, niente pubblicità ingannevole, la nuova fatica di Ennis, si dice, è candidata agli “Eisner Award” (ma candidarsi non vuol dire vincerli, aggiungerei) e a svariati progetti cinemtatografici, insomma non è roba per femminucce o ragazzini che si ostinano ancora a leggere la Justice League e i Vendicatori, è il futuro oscuro, dei comics dei supereroi, violenza e cinismo.

L’iperrealismo secondo Garth… Oh yeah, pagando, mostrate il dito medio gente. Ci sta tutto.

.
Invece, non vorrei darvi un colpo al cuore, è solo una colossale volgare vaccata.

Ecco l’ho detto, prendete pure i chiodi e crocifiggetemi pure adesso.
Il problema fondamentale di The Boys tuttavia non è certo la volgarità gratuita. Non cercate di farmi apparire come se fossi una sorta di chirichetto fondamentalista, se leggi Ennis vuol dire che lo conosci e ti aspetti quel genere di cose, è inutile scandalizzarsi, il problema è che oltre il volere scandalizzare, The Boys non fa altro.

L’idea del supereroe sbroccato, è roba vecchia, “I Sette”, i superoi più rappresentativi di questo mondo, sono l’ennesima versione distorta della JLA.

The Boys, i ragazzi della CIA, che devono controllare che i superbonzi non passino la linea, potranno sembrarvi originali, ma in realtà non lo sono per niente, ecco perchè dico che Ennis ha cominciato a stuprare cadaveri.

The Butcher, e la sua cricca di soliti disadattati, vestiti con l’impermeabile nero, in questo caso in una via di mezzo tra i naziskin al concerto degli Slayer e quegli angeli di quel pessimo film con Meg Ryan e Nicholas Cage, suonano originali come quell’orribile pezzo di Marco Masini cantato sulle note di “Nothing else matter” dei Metallica.

Butcher è il nipote sboccato di Joe Gilmore alias Marshall Law, ma dal nonno non ha imparato assolutamente niente.

Anche I Sette sono presi direttamente dalla bellissima serie di Mills e O’Neill, supereroi solo per via del mutandone sgargiante, volutamente ridicolo ed irrealistico, come i bat-gadget del Batman della golden-age.

Eroi creati artificialmente in laboratorio, voluti dal governo o da chi ne fa le veci, proprio come quelli creati dal Dottor Chocc.

Ennis ricicla un ‘idea vecchia di una ventina d’anni più o meno, aggiunge qualche orgia, un po di sesso spinto, e vagonate su vagonate di insulti bestemmie, parolacce e di situazioni spostano la frontiera del cattivo gusto di qualche spanna, come la scena del funzionario C.I.A. mentre si tocca vedendo foto di ragazzine in sedia a rotelle… dài ti prego, datti una regolata.

Si fa fatica a star dietro a tutto questo, e definirlo “grande” o “capolavoro.”
Non credete a chi vuole convincervi che ha gradito cose come “Planet Terror” o “Machete”, vuole solo infilarsi un una nicchia esclusiva del cinema contemporaneo, far parte di un club, solo per il gusto di essere identificabili con una cosa rispetto che con un’altra. Meglio quelli che il cinepanettone d’altronde no? Etichette appunto.
E chi dice bene di The Boys, è uguale, sta solo recitando la parte assegnatagli. Non si posono tessere le lodi allo scozzese, non stavolta, un tantino audace e rischioso definirlo: “quell’ abile scrittore capace, nonostante gli eccessi di restare sempre in equlibrio sull’orlo del baratro e del cattivo gusto”. A dire il vero, a leggere il primo volume di The Boys, sembra il povero Garth, sia decisamente inciampato e precipitato in quel baratro.

.
Sapete chi mi ricorda Ennis in questa serie?

Un personaggio di un fumetto di Dylan Dog: Alfred Hotchkiss.

Dylan fa la conoscenza di Hotchkiss, nell’albo chiamato Horror Paradise di Medda, Serra, Vigna e Castellini alle matite, un regista di film horror finito in disgrazia per via del fatto che pellicola dopo pellicola anelava a spaventare il suo pubblico con scene ed effetti sempre più reali. Esagerare.

Ennis sembra uguale, disposto a sacrificare le trame sul remunerativo altare del trash, escogitando situazioni sempre più spinte, volgari ed eccessive a scapito di una storia insipida, che si perde nel gergo colorito della X-Generation.

Non ci siamo proprio, ma manco per niente.

Baci (alla francese) ai pupi.

Gennaro Cardillo

Collegamenti Esterni:
- Panini Comics

Color Tex n. 1

2011-09-08T06:36:00.000-07:00

Color Tex n. 1, di Boselli, Brindisi, Villa - annuale – 160 pag. col, euro 5.20 – Sergio Bonelli Editore
.

Sembra proprio che in via Buonarroti il colore vada di moda più che in via Monte Napoleone.

Così negli ultimi tempi anche il baluardo della Sergio Bonelli Editore, il mitico Tex Willer è stato ricoperto da secchiate di colore.

La ristampa cronologica in quadricromia delle avventure del famoso ranger ha riscosso un incredibile successo arrivando alla sua conclusione dopo ben duecentotrentanove numeri, successo doppio considerando lo sforzo economico richiesto ai fan della serie per non parlare della mole di carta che i collezionisti in questione hanno dovuto sistemare nelle loro dimore.

In casa mia un’impresa del genere si sarebbe potuta considerare giusta causa di divorzio.

Da settembre Bonelli rilancia e, sempre in collaborazione con Repubblica, ristamperà a colori i vari speciali di Tex, quelli conosciuti da tutti come Texoni.

Devo dire che questa notizia mi ha parecchio intrigato, non avendo mai letto questi speciali prima d’ora questa sarebbe una buona occasione per recuperare il lavoro di grandi maestri del fumetto.

Le matite di alcuni di questi speciali sono infatti state affidate a gente come Galep, Carlos Gomez, Magnus, Joe Kubert, Ivo Milazzo, etc, etc.

L’unico dubbio rimane proprio quello legato al colore. Rimarrà ad alto livello la resa delle matite di tali maestri dopo il passaggio alla quadricromia?

Per avere un assaggio del Tex a colori mi sono impossessato del primo numero di una nuova collana dedicata ad Aquila della notte, altro nome con il quale è conosciuto il nostro buon tizzone d’inferno.

Parliamo di Color Tex, albo annuale di 160 pagine tutto colore che potete portarvi a casa al prezzo di 5,20 euro.

Partiamo in maniera inusuale dalla considerazione finale. L’impressione, mia personale per carità, è che Tex debba presentarsi ai suoi appuntamenti vestito d’un elegante bianco e nero. Niente di più niente di meno.

Però, però… per quello in fondo c’è la sua serie mensile che nessuno alla Bonelli si sognerà mai di convertire al colore.

Detto questo, il primo numero di questa nuova collana mi è sembrato un prodotto davvero ben confezionato.

Mauro Boselli, autore della storia, ci offre una finestra affacciata sul passato dei due celebri pard, Tex Willer e Kit Carson. Anzi, in questo caso Kit Carson e Tex Willer. Siamo nel deserto del Nevada ai tempi in cui Tex era un novellino, se pur già pericoloso, del corpo dei rangers e Kit Carson sfoggiava capelli, baffi e pizzetto di un bel nero privo di filamenti grigi.

Una trentina di pagine nelle quali veniamo a conoscenza della rivalità tra Carson e la famiglia fuorilegge dei fratelli King.

Un salto in avanti nel tempo ci riporta all’epoca nella quale siamo abituati a vedere agire il dinamico duo (aggettivo che nonostante l’età si può spendere anche per il prode Carson) e alla più classica delle storie di vendetta.

In compagnia di Kit e Tiger la trama si sviluppa grazie anche a qualche bel personaggio di contorno.

Quel che c’è di bello in Tex, in questo albo come in altri, è che tra le sue pagine si è sempre a casa. Questo numero è reso più movimentato proprio dal lungo flashback iniziale e da una specie di colpo di scena che proprio tale non può essere in fondo, mica siamo in un albo di supereroi (chi ha già letto la storia può comprendere).

Nonostante tutto i fan del ranger sono già in possesso delle coordinate per trovare in un albo del celebre pistolero quel che cercano e anche in questo caso non perderanno la strada di casa.

Ai disegni Bruno Brindisi che, mancando nei credits una voce apposita, immagino si sia occupato anche della colorazione.

Come dicevo prima, nonostante la mia preferenza vada al bianco e nero, il lavoro alle matite e ai colori di Brindisi è davvero buono. Siamo di fronte a un albo di 160 pagine dove è quasi naturale notare vignette più curate e altre meno ma nel complesso direi che proprio non ci si può lamentare. Decisamente d’impatto la prima parte dove possiamo ammirare un Tex dal volto giovane e privo dei segni del tempo e un Kit Carson nel pieno della sua giovinezza. Una coppia d’assi resa davvero bene da Brindisi, autore capace di infondere anche grande espressività ai volti dei vari protagonisti della vicenda. Terrore, apprensione, follia, dubbio tutti ben cesellati dalle matite e soprattutto assolutamente non ostacolati dall’uso del colore che supera la prova a pieni voti.

Altro bel lavoro è stato fatto sui paesaggi, tra le strade di Spokane Falls, sugli edifici e sui costumi nello splendore del technicolor come si diceva una volta al cinema.

Tirando le somme la prova mi sembra decisamente riuscita e buona la prima.

Aspetto con curiosità la ristampa dei Texoni per i quali probabilmente verrà usata una carta differente da quella usata per questo Color Tex. Vedremo se anche in quel caso si riuscirà a superare la prova colore.

Dario Lopez

Collegamenti Esterni:
-Sergio Bonelli Editore

I PROSSIMI VENDICATORI

2011-08-31T23:10:00.000-07:00

I PROSSIMI VENDICATORI di Brian M. Bendis (testi), John Romita Jr. e Klaus Janson (disegni), apparso sul mensile Iron Man e i Vendicatori n. 35-40, spillato, 80 pp. col., € 3,50 – Panini Comics

Mi sembra che sia tornata in auge l’era dei viaggi temporali. Non so se la cosa sia dovuta a una nuova tendenza o piuttosto, più tristemente, alla mancanza di nuove idee, ma lo sfruttamento di questo artificio narrativo è attualmente, a mio parere, vicino al livello di guardia. In ogni caso vi devo dire che l’aspetto che più mi attira di questo espediente, ma la cosa in fondo vale per tutte le sfaccettature del fumetto super-eroistico, è come esso si rapporta con la realtà, o meglio, la sua “verosimiglianza” (non oso adoperare la parola “realismo”).

Come si può spiegare la possibilità di girovagare tranquillamente tra i secoli come se fossero luoghi ameni da visitare in automobile? Come posso giustificare il fatto che Tony Stark incontri il suo “se stesso” del futuro e ci faccia pure due chiacchiere? Se ci pensate bene questo avvenimento, peraltro tutt’altro che originale in narrativa, è il più ostico da digerire, in quanto contraddice lo stesso principio di identità, che è alla base della matematica classica e quindi di tutta la scienza in generale: se io sono uguale a me stesso, perché allora mi trovo contemporaneamente in due posti diversi?

La fervida mente di Brian M. Bendis, lo scrittore di questa ennesima (per lui) epopea “vendicativa”, ha dato una fantasiosa interpretazione della teoria relativistica einsteniana: secondo questa interpretazione tutti gli avvenimenti, in qualsiasi punto del flusso temporale, accadono in realtà simultaneamente. Il tempo, di fatto, non esiste: si può parlare solo di linee temporali, che sono praticamente illimitate, che si svolgono contemporaneamente, ma in diversi punti della struttura “spazio-tempo”.

Se le cose stanno così, allora è possibile che, se io compio una determinata azione e poi mi sposto in una realtà alternativa nello spazio-tempo, posso fare in modo di annullare la suddetta azione: mi basterà trovare un altro me stesso che quest’azione non ha mai eseguito, ed è altrettanto reale dell’”io” da cui sono partito, perché simultaneo e parallelo. Allo stesso modo, posso tranquillamente interagire con un altro me stesso, perché appunto ce ne sono infiniti, tutti diversi, ma tutti uguali, e vivono tutti insieme simultaneamente, nello stesso istante.

Ora, qui viene il bello, perché questa famosa “struttura”, non si sa bene da chi e perché, risulta gravemente danneggiata. Le conseguenze di questo fatto sono catastrofiche: gli esseri viventi “saltano” da un punto all’altro dello spazio-tempo in maniera caotica e causale, pertanto un uomo primitivo può venire a contatto, ad esempio, con un abitante di Andromeda vissuto 10.000 anni più tardi.

Questo è lo spunto iniziale della serie in oggetto, che io comincerei ad analizzare partendo stavolta da quello che, a mio parere, ne costituisce il punto più debole, e cioè i disegni.

Ritengo che John Romita Jr. abbia subito una sorta di involuzione nel corso della sua carriera. Se confronti le sue affascinanti, evocative, pregnanti tavole nel Daredevil di Ann Nocenti, inchiostrate dal Grande Maestro Al Williamson e le confronti con le più recenti produzioni, ti viene veramente da chiederti: “ma cosa gli è successo??”.

Le chine di Klaus Janson, con cui Romita Jr,, con mio grande sconcerto, fa coppia fissa da molti anni, non aiutano. Le sue pesanti pennellate, se si accompagnano bene alle figure prepotenti e iper-cinetiche di un Frank Miller, finiscono con il soffocare il tratto pur suggestivo, ma molto più incerto di John, con il risultato che le tavole appaiono statiche, poco dettagliate e quasi del tutto prive di magia. E’ anche probabile che Romita Jr. abbia cercato volutamente, come già fece Byrne a suo tempo, di semplificare al massimo il suo stile per aumentare la produttività. I meno giovani ricorderanno i racconti degli X-Men di Chris Claremont disegnati dall’esplosiva coppia John Byrne – Terry Austin. L’incredibile qualità grafica di quelle storie rimane, secondo me, a tutt’oggi tra le maggiori vette mai espresse dalla produzione Marvel. Poi Byrne abbandonò gli X-Men e cominciò quel processo di crescita che lo portò ad essere il protagonista assoluto del panorama super-eroistico dell’epoca. Diventò un autore completo, scrivendo, disegnando e inchiostrando le sue storie in prima persona. Non credo, tuttavia, di essere l’unico ad essere rimasto perplesso circa il progressivo scadimento della resa grafica, che non ha mai più raggiunto i livelli della già citata “run” degli X- Men.

Tornando ai nostri Vendicatori, le cose vanno un po’ meglio se prendiamo in considerazione i testi. Pur non essendo decisamente al suo top, rimane per me sempre stupefacente verificare come Bendis, anche quando fatica a trovare spunti narrativi interessanti (come in questo caso), riesca comunque a mantenere la sua sceneggiatura ad un eccellente livello qualitativo: non mi annoio (quasi) mai leggendo le storie scritte da lui, anche le meno riuscite. Gli ingredienti di questi suoi nuovi Avengers sono quelli tipici del suo bagaglio tecnico/stilistico: dialoghi frizzanti e mai banali, un’attenta definizione delle psicologie dei personaggi, narrazione corale con le voci dei protagonisti che si incrociano e si coprono a vicenda, dando spesso (volutamente) una sensazione di disagio, più che di confusione.

Ci sono almeno due aspetti che mi hanno colpito leggendo questa serie, e che mi piacerebbe qui evidenziare:

1) La divisione dei ruoli. Una formazione così eterogenea (come, del resto, sono sempre state le innumerevoli squadre di Vendicatori che si sono avvicendate nel tempo) non può prescindere da una organizzazione rigorosa e di una gestione metodica delle varie potenzialità .

Abbiamo infatti, mescolate insieme entità divine (Thor) e aliene (Capitan Marvel) insieme a eroi iper-tecnologici (Iron Man) e “normali” esseri umani privi di super-poteri (Capitan America e Occhio di Falco). Una cosa che ha sempre disturbato le mie appassionatissime letture super-eroistiche è l’incoerenza diffusa (seppure in qualche modo comprensibile) circa l’effettiva consistenza dei vari super-poteri, ma soprattutto sugli effetti che questi producono. Provo a spiegarmi con un esempio: quante volte un gruppo di Vendicatori è rimasto coinvolto in un’esplosione (di qualsivoglia natura) durante uno scontro con qualche arci-nemico, in conseguenza della quale rimangono TUTTI svenuti? sembra che i super-criminali siano veramente scientifici in questo, riuscendo a calibrare attentamente le proprie raffiche in modo da tramortire un Iron Man, ma evitando di dilaniare una Vedova Nera che magari è lì a due passi, ma che è dotata di ben altra resistenza. Cose di questo tipo, per mio sommo diletto, con Bendis (anche Mark Millar, a dire il vero, è molto attento a questo aspetto) sono bandite . I poteri e le capacità di ciascuno ne definiscono i ruoli: Thor è la prima linea, quello che affronta l’impatto frontale della battaglia. Ed è perfettamente logico che sia così, in quanto Thor, da solo, è di gran lunga più potente di tutti gli altri membri del gruppo messi insieme. Addosso a Galactus non ci va la Donna Ragno, ma neanche Wolverine. Ci va Thor, e basta: gli altri lo ostacolerebbero soltanto.

2) Prima si parla, POI, casomai, ci si prende a botte. E’ così che, in generale, vanno le cose nella vita reale, ma non, come sappiamo bene, nel nostro amato mondo dei super-eroi, nel quale le scazzottate tra amici e non si moltiplicano rigogliose, anche se non ben motivate (anzi, soprattutto se non motivate). Non è il caso delle storie firmate da Bendis: c’è un esempio in questa serie che è estremamente significativo, ma che non voglio descrivere nel dettaglio per non rovinare la suspense a eventuali futuri lettori. Vi basti sapere che l’intera vicenda iniziale, che si snoda per 7 numeri, si conclude non con una mega-battaglia finale, ma con la richiesta (e la concessione) di un favore. E’ un finale decisamente atipico per un racconto di super-eroi, ma è una delle testimonianze di quanto questo genere sia maturato negli ultimi anni.

Tirando le somme, questa serie, iniziata in America in pompa magna azzerando la numerazione e lasciando il solo laconico titolo “Avengers”, quasi a sottolinearne una ricercata maestosità, delude un poco le aspettative, ma guardo con relativa fiducia nel futuro, auspicando magari l’arrivo di un disegnatore un po’ più motivato e un Bendis sgravato da alcune delle decine di progetti che pesano sistematicamente sulle sue spalle.

Federico Strazzari

Collegamenti Esterni:
-Panini Comics

Captain America The First Avenger

2011-08-30T13:15:00.000-07:00

Captain America The First Avenger – regia di Joe Johnston, 124 minuti (3D), Usa, 2011
.

Come si scrive una recensione di un film?
Ho girovacchiato un pò per la rete prima di lanciarmi nell’impresa, ed insomma ho realizzato che scrivere di un film non è poi tanto diverso che scrivere per un fumetto, poi se l’oggetto è un film sui supereroi, in sostanza non cambia nulla, quello che si giudica alla fine è sempre l’appetibilità e la godibilità.
.
Non ho intenzione di perdermi in dissertazioni sul 3D, sulle dissolvenze, i controcampi, le panoramiche o peggio ancora sulla “fotografia” di un film, pensate che da piccolo pensavo che il direttore della fotografia si occupasse della locandina, giuro su Dio, questi erano i picchi di rimbambitaggine che toccavo da piccolo, insomma non voglio dilungarmi sul tecnico, anche perchè non capendoci molto, da sprovveduto non vorrei rifilarvi qualche castroneria, tra l’altro, tentare di rifilare una castroneria a voi, maledetti, sarebbe come buttarsi un una vasca pieni di squali tigre a dieta vegetariana da qualche settimana, mi spolpereste senza troppi complimenti.

.

Quindi bando ai tecnicismi, e cominciamo a parlare dell’ attesissimo adattamento cinematografico di Testa Alata, come lo chiamavano i suoi compagni d’armi Vendicatori, nei vecchi albi Corno: Captain America: Il primo Vendicatore.
.

Proprio così, “Captain”, nella prima apparizione al fronte in Europa, chissà per quale arcano motivo, “Captain” , non viene tradotto, resta Chéptein, invece di Capitano, e Dum Dum Dugan (o era Bucky?) presenta alle truppe il nuovo eroe americano chiamandolo così:
“Lui, signori, è cheptein america!”
Un vero e proprio stupro all’ orecchio. Valli a capire i doppiatori.
Ho visto qualche giorno fa quest’ultima “fatica” di Chris Evans e devo dire, nonostante tutto, che mi è piaciuto.

.
.

Visto che siamo su Fumetti di Carta, e non su Coming-Soon Television, dei trucchi usati da Johnston e co. per confezionare il film ci frega poco (almeno a me) nonostante alcuni sbalordiscano. Per esempio, lo Steve Rogers ratichito pre-siero, fa ampiamente il suo dovere, credo che quel che più importa ai puristi del fumetto, sia il lavoro sulla sceneggiatura, credo che la cosa fondamentale sia quanto del fumetto originale, nell’adattamento in celluloide sia andato perso e quanto invece è rimasto.
Quel che vuole leggere chi bazzica la nostra webzine probabilmente non è certo un’ attenta analisi della fotografia (che poi manco saprei farvela), quanto piuttosto vuol sentir pontificare sull’ennesimo cameo di Stan Lee o, fondamentale, sulle varie citazioni fumettistiche disseminate lungo tutti i minuti di pellicola.
.
Ebbene questo film, forse più degli altri ( o forse al pari di Mighty Thor) è pieno di riferimenti. Ed il bello, come nelle prededenti visioni, è cercarli guardando il film. Se non lo avete ancora visto evitate di leggere quello che adesso scriverò in corsivo:

Stan Lee, ormai è un’ istituzione, quindi non stupisce più che sia presente in tutti i film ispirati dalle sue creazioni, il trucco è cercarlo spasmodicamente nelle inquadrature, come un premio nascosto, che non vuoi assolutamente perderti. Però il film cattura perchè c’è ben altro, alla mostra delle scoperte scentifiche, dove Steve alla fine riuscirà ad arruolarsi per il fronte, non si può non notare la prima Torcia Umana, con tanto di campana di vetro, uscita direttamente dal “Marvels” di Alex Ross e Kurt Busiek; somigliante il Dum Dum Dugan; tutto il progetto Rinascita, locations e candidati al siero compresi, sono presi da “Captain America Sentinel of Liberty” miniserie che rivisitava le origini del super-soldato, apparsa in Italia per la prima volta su Star Magazine (ed. Star Comics).

Hodge, infatti , il candidato sbruffone più idoneo ad essere sottoposto alla somministrazione del siero, è preso proprio dalle bellissime pagine illustrate dal bravo Maguire. Ma da lì provengono anche il negozio antiquario che nasconde il laboratorio di Erksine, vecchietta col mitra inclusa.

Divertente notare la quantità di gadget con l’effige dell’Hydra che sfoggia il Teschio Rosso, dalla fibia della cinta alla spilletta sul giaccone, per finire al simbolo sulla testa del cofano della sua auto.
.

Insomma di riferimenti da cogliere ce ne sono a palate, alcuni nascosti nei fotogrammi, altri ben visibili sotto gli occhi di tutti: il costume con cui Capitan America promuove la vendita dei buoni del tesoro, viene direttamente dal fumetto, e dal pessimo adattamento del 1990 dell’ inglese Albert Pyun; eccellente l’interpretazione di Tommy Lee Jones nei panni di Phillips, persino il buon Stanley Tucci, attore non protagonista che ha recitato in molte commedie, due particolarmente gradevoli a fianco di Meryl Streep (Il diavolo veste Prada e Julie & Julia) riesce a dare una umanità assolutamente deliziosa al professor Erksine. Estremamente azzeccata la scelta di Toby Jones (The Mist e Frost-Nixon) per interpretare lo scenziato E. Zola, non si fa infatti molta fatica ad immaginare quella testa, digitalizzata in un monitor capoccione. Ossia quel che diventerà il dott. Zola in futuro.

Il caro vecchio Agente Smith di Matrix ci regala un Teschio Rosso il cui unico handicap, è il tempo che passa davanti alla telecamera. Troppo poco.

Chris Ewans (che io, strafottendomene di un vostro eventuale ed ingiustificato attacco d’ omofobia non mi vergogno assolutamente di dire che adoro), forse, paradossalmente, è tra i membri del cast quello più in difficoltà, d’altronde Steve Rogers, il suo personaggio, non è certo cosa facile, un moderno Atlante che regge sulle super spalle tutta l’ iconografia del sogno americano, forse è un pò troppo, per il giovane attore abituato a personaggi decisamente più ironici: sublime per esempio il suo Johnny Storm in Fantastic 4, anzi direi che il suo Johnny è stata l’unica cosa gradevole del pessimo adattamento cinematografico del quartetto di Lee & Kirby.
Come godibile è anche la sua interpretazione dell’hacker della squadra di The Losers, Jensen, altro personaggio ispirato ai fumetti della Vertigo o ancora il suo cameo in Scott Pilgrim vc the World.

A mio parere direi che può ritenersi soddisfatto del suo lavoro anche in Captain America, d’altronde visti i tempi ristretti di un film, vera nemesi per questi adattamenti cinematografici, il Capitano risulta segato di molto della sua psicologia e del suo patriottismo già in fase di sceneggiatura, (se non fosse per i pochi minuti in cui è ancora uno smunto ed emaciato patriota) quindi sarebbe un pò ingiusto dar tutta la colpa a questo genuino Big Jim, se alla fine il personaggio di “Cap”, ne esce un pò appiattito.
Insomma in 103 minuti ci dobbiamo accontentare che gli autori ci forniscano una spolveratina di tutto, comprimendo gli eventi per dare una trama lineare anche a chi è digiuno del fumetto.

E direi che il lavoro è stato fatto bene. Da purista ottuso, penso che alla fine Capitan America è un bel film perché è un film sul fumetto di Capitan America, non è come X-Men First Class, prologo dell’epopea degli X-Men completamente stuprato per quel che concerne la cronologia degli eventi fumettistici. Dal quale emerge che Xavier e la Bestia hanno la stessa età! Lasciamo stare, son cose da Nerd.

Per quel che concerne la pellicola, direi che il film risulta un pò lento e dilatato proprio nella fase finale dei combattimenti, peccato, però se non storcete troppo il naso sul fatto che Cap, cammina nel buio in una base Hydra, con tanto di Scudo a stelle e strisce blu bianche e rosse dietro la schiena evidente come un bersaglio gigante, senza che nessuno lo noti, o che nel finale, quando impara a pilotare un jet dell’Hydra appena dopo averci poggiato le chiappe sul sedile, manco fosse imprinting, vi godrete ogni minuto di questo film.

Insieme ad Iron Man 2, Thor ed il reboot di Hulk (con l’immenso Edward Fight Club Norton), l’ultimo Cap, (specie il finale) apparecchia le carte per il prossimo lavoro dei Marvel Studios: The Avengers.

Vista la presenza di Samuel L. Jackson nei panni del Fury dell’universo Ultimate si è portati a pensare che il film sui vendicatori sarà ispirato al bellissimo lavoro di Mark Millar sugli Ultimates: chissà che non li vedremo impegnati in una lotta intestina contro Hulk, come la bellissima prima stagione di “The Ultimates”, ipotesi probabile visto che le scene finali di Thor portavano a credere che il nemico comune sia nuovamente Loki, e così il cerchio delle citazioni si chiuderebbe perfettamente, visto che la prima storia dei Vendicatori datata 1963, autori Lee-Kirby, racconta di come un gruppo di avventurieri si uniscano in un super-gruppo per fronteggiare la minaccia del Dio dell’inganno Loki, che attacca il fratellastro Thor possedendo il povero Hulk.

Ma questa è una mia pippa mentale che sarà probabilmente smentita dagli eventi futuri.
.

Che altro dire? A me è piaciutoe vi consiglio de vederlo, magari allo spettacolo pomeridiano con biglietto ridotto per non correre rischi, però, importante in 2D, per il semplice fatto che il film è stato girato in 2D, le scene che vi rifilano per 3D con un prezzo maggiorato sono state fatte in post-produzione, quindi sono farlocche e da mal di testa.

Ho detto tutto? Mi sa di sì.

Baci ai pupi, e buone Vacanze per chi va, e tranquille giornate per chi resta.

Gennaro Cardillo

Collegamenti Esterni:
- Captain America the First Avenger trailer

BACIANDO IL CIELO

2011-08-30T13:09:00.000-07:00

BACIANDO IL CIELO, di Kotaro Takemoto – Renbooks, € 13,00 – traduzione: Alberto Della Rocca

.
Uomini che s’incontrano, si lasciano, si amano, si capiscono… si scontrano. Ma forse non è importante. Non quanto lo stare insieme, e condividere, anche solo per un breve periodo, qualcosa di intenso e meraviglioso…

Con Baciando il Cielo di Kotaro Takemoto, esordisce in Italia la Renbooks, marchio editoriale bolognese che si propone di presentare nel nostro paese fumetti a tematica LGBT, cioè storie di argomento omosessuale, finora frequentate in modo spurio e frammentato dall’editoria nostrana. Un esordio, potremmo aggiungere, particolarmente ispirato, felice. E che ha tutte le carte in regola per rendere altrettanto felici i lettori di qualunque orientamento sessuale, tanto intense e affascinanti sono le pagine del maestro Takemoto, in grado di far breccia nell’anima e lasciare un segno profondo.

Baciando il Cielo è una raccolta di dieci racconti brevi, dieci storie d’amore dalle sfumature diverse, spesso commoventi e fulminanti come piccole parabole morali. Storie d’amore o – se vogliamo – storie “sull’amore”, dove la particolarità omosessuale (raccontata da Takemoto con una naturalezza magistrale) diventa chiave per accostarsi alla selva intricata dei sentimenti umani, quei meccanismi sfuggenti e mutevoli che ci spingono verso gli altri, a volte inducendoci anche a fuggire, in un confronto che sia pure penoso è sempre irrinunciabile per il cuore umano.

La genialità degli editor della neonata Renbooks, i giovani Nino Giordano e Fabio Freddi, consiste nell’aver scoperto direttamente in Giappone un fiore raro che il nostro paese, con molta probabilità, avrebbe ignorato ancora a lungo. Se i meccanismi commerciali hanno fatto sì che in occidente il fumetto a tematica gay nipponico fosse identificato quasi esclusivamente con opere dal contenuto pornografico, in certi casi estremo e virato al sadomaso, il debutto di questa giovane casa editrice dimostra quanto possa, in realtà, essere florido e profondo il genere in questione se affidato a un mangaka dalla sensibilità di Kotaro Takemoto. Un approccio essenziale che ricorda per alcuni aspetti la novellistica minimalista del Raymond Carver dell’ultimo periodo, quello pacificato di Cattedrale. Ma anche, e più propriamente, la leggerezza di un’autrice aggraziata come Banana Yoshimoto, capace di raccontare la vita di ogni giorno con lo stupore di un bambino alla scoperta di un mondo meraviglioso. Baciando il Cielo, deve il suo titolo al primo racconto della raccolta, e al nome del suo protagonista, che per l’appunto si chiama Sora, cioè Cielo in lingua giapponese. Il delizioso gioco di parole fa da sigillo a uno scrigno di novelle dal sapore delicatissimo, dove il sesso è confinato per lo più fuori scena o in un paio di sequenze stilizzate. Una sinfonia di sentimenti dove ogni racconto è un tassello che sembra integrare un disegno generale abilmente orchestrato. Il grande mistero dell’amore tra uomini, dove passione e amicizia si confondono in un tutt’uno dai confini non sempre chiari, e dove emozioni come complicità e affetto giocano a rimpiattino. Un sentimento che – abbiamo detto – Takemoto porta in scena con sconfinato candore, parlandoci di un amore globale, che non sarà mai uguale a sé stesso, mai prevedibile o definito secondo regole riconoscibili, a prescindere che si parli di rapporti omosessuali o eterosessuali. Un amore totale che ha valore in sé, e dà colore all’esistenza anche se vissuto solo per un breve arco di tempo, aiutando chi lo ha provato a diventare migliore, più maturo e forse, un giorno, pronto ad amare in modo completo.

Quel che Kotaro Takemoto racconta è la poesia dei sentimenti con tutte le sue contraddizioni. Le sue domande laceranti cui può non esistere una vera risposta. Le sue tavole dal tratto pulitissimo rendono alla perfezione il suo elogio poetico, dedicato forse, più che all’amore di coppia, a tutti quegli istanti di tenerezza che possono legare due esseri umani, aiutandoli ad affrontare la propria quotidianità, e conducendoli, se la sorte vorrà, al vero grande amore. Gli orsetti di Takemoto, così definiti per via della loro fisicità massiccia, piuttosto distante dalle caratterizzazioni snelle e spesso androgine presenti in altri manga, contribuisce a conferire realtà ai suoi racconti, dove i sentimenti scaturiscono da corpi maschili più vicini a una tipologia quotidiana, sia pure toccati da quell’espressività tutta giapponese riconoscibile negli occhi grandi e malinconici. Un’opera a fumetti, in definitiva, che ha l’effetto di una carezza sul cuore, grazie anche a illustrazioni luminose di notevole impatto espressivo. Una dolcezza non stucchevole, che a tratti suscita una lacrima speziata di gioia viva. Come l’aver ricevuto una cortesia inattesa, il cui ricordo – se ben custodito – potrà darci conforto nei giorni in cui l’umanità sembrerà riservarci il peggio.

Un libro, quello di Kotaro Takemoto, sicuramente da regalare. A chi si ama, a chi è innamorato o dovrebbe esserlo. Una lettura entusiasmante per la sua ineffabile delicatezza, che lascia una piacevole sensazione di calore una volta chiuso il volume.

Filippo Messina

Collegamenti Esterni:
- Renbooks

.

Pyongyang

2011-08-11T02:00:00.000-07:00

PyongYang, di Guy Delisle - volume in brossura, 176 pag. b/n, euro 16,00 – Edizioni Fusi Orari.
.

Ho appena finito di leggere Pyongyang del canadese Guy Delisle, e vorrei tanto volervi dire che mi è piaciuto, così, per darmi ogni tanto, un tono un pò più elevato, come fa Orlando, quando recensisce volumi un attimino più ricercati tipo Crumb o Jacovitti.
Solo che lui non è che lo fa, al boss gli viene naturale, io invece sono sempre lì, che sbraito e mi sbatto tipo il Diavolo della Tazmania della Warner, e proprio non mi riesce di darmi anche solo per un attimino, un aspetto più serafico.

No, non ci sono proprio riuscito a farmelo piacere ‘sto PyongYang.

Il volume è un fumetto autobiografico, e racconta dell’esperienza fatta dall’animatore-disegnatore del Quebec nella capitale della Corea del Nord, uno degli ultimi baluardi dell’ideologia comunista, isolatosi dal resto del mondo nel dopoguerra.

Attraverso l’esperienza personale, ed un saltuario riferimento all’opera letteraria di Orwell, 1984, Delisle denuncia il regime che vige nello stato nord coreano evidenziandone, limiti, anacronismi e contraddizioni, ora con una tagliente satira ed ora con indigesta amarezza.

Eppure nonostante il tema interessante, il racconto non coinvolge come vorrebbe o come dovrebbe, alla lunga scivola nella monotonia di una personalissima cronaca di una sgradita esperienza dell’autore con gli usi e costumi di un popolo suo malgrado congelato in quella ideologia, che al contrario di quanto auspicava Marx nel suo Manifesto, è rimasta uno spettro.

.

.

A giudicarlo dalla copertina sono sicuro che collocherete questo volume nella vostra libreria proprio lì, tra il Maus di Spiegelman e il Blankets di Thompson, ma questo solo perchè non lo avete ancora letto, solo perchè lo stato sopravvalutando, giudicandolo dalla copertina.

A fine lettura realizzerete che il reportage annoia, sembra quasi che l’autore coscientemente o meno, voglia condividere con i lettori pure il grigio e la monotonia dei due mesi del suo incarico.

Una delle cose che proprio non mi sono piaciute è come Delisle, in alcuni passaggi sminuisce e ridicolizza i personaggi con i quali interagisce quotidianamente, in Corea del Nord. Gli stranieri non possono assolutamente avere alcun tipo di rapporto con i locali, per questo proposito, sono costantemente “accompagnati” da una guida e da un traduttore in ogni loro spostamento: il fisiologico disagio è ben presto sostituito da una intolleranza che l’autore racconta in alcune tavole, in cui illustra episodi in cui, accompagnandosi ad un suo collega sceneggiatore, sbeffeggia i comportamenti dei loro “carcerieri”, riducendoli ad agenti del regime, privandoli di quella umanità che probabilmente avrebbe reso questo volume un discretissimo gioiellino di letteratura illustrata. Riuscendo invece a far emergere soltanto un attrito insanabile che non mi aspettavo fosse il concetto base di un fumetto edito nella collana de “I libri dell’Internazionale”.
.

.

.

L’autore non perde occasione nelle sue tavole, per denunciare il governo asiatico, evidenziarne gli sbagli, gli inganni, l’oppressione sul popolo, eppure “dimentica” di approfondire la sua posizione in un paese così ostile e anti-democratico, dimentica di comunicarci di esser parte lui stesso di quei meccanismi di mercato tipicamente occidentali e capitalista con i quali si delocalizza la produzione delle merci, in quei paesi poveri per evitare eccessivi costi ed improponibili spese.
Chi ha letto “No Logo” di Naomi Klein sa di cosa sto parlando.
.

.

.

Tuttavia a dispetto dei contenuti che a volte latitano, bisogna dire che Delisle è un bravo fumettista, la sua prosa è scorrevole ed è buona anche la scelta di alcune illustrazioni, ottima ed efficace insomma la sinergia, tra disegni e testi.
Per i disegni invece la storia è diversa: lo stile eccessivamente minimalista dell’autore canadese, è di quelle cose tremendamente particolari, che o si apprezzano, o si fan finta di apprezzare o stancano.

Molto soggettivamente quindi dirò che nel mio caso Pyongyang ha stancato abbastanza presto, come detto, a parte qualche vero colpo di genio nelle tavole, l’intero volume non riesce a decollare nè a rapire il lettore. Comunque per quel che concerne la grafica vi lascio giudicare allegandovi la solita sporta d’immagini.

.
.
.

In buona sostanza, evitabilissimo a mio parere, specie se vorrete usarlo per disilludere il tipico comunista della comitiva, quell’inguaribile nostalgico che straparla di una situazione che non ha mai vissuto, (un pò, per par condicio, come succede con i moderni balilli che sognano di una realtà che non hanno mai sperimentato sulla propria pelle, e che hanno dimenticato di farsi raccontare dai nonni).

Nel caso che il vostro intento, arguti democratici, sia prettamente provocatorio vi consiglio di ricorrere a qualcosa di meno ricercato, credo infatti che sortireste un maggiore effetto imbarazzante ripiegando sul cinema: su film come il malinconico Goodbye Lenin o il bellissimo Le vite degli altri.
Baci ai pupi compagni o camerati… tanto è uguale.

Gennaro Cardillo

Collegamenti Esterni:
- Fusi Orari
.

Don Camillo a fumetti

2011-08-05T01:25:00.000-07:00

Don Camillo a fumetti, “Il capobanda piovuto dal cielo”, testi di Davide Barzi, Silvia Lombardi e Alessandro Mainardi; disegni di Werner Maresta, Elena Pianta, Federico Nardo, Italo Mattone e Ennio Bufi (introduzione di Mario Palmaro)
brossura, 128 pag. b/n, 14 € – ReNoir Comics

.
Manca poco al sessantennale del primo film di Don Camillo (id., 1952, con Gino Cervi e Fernandel), il primo di una breve ma fortunata serie che terminerà nel ’65 col mitico “Il compagno Don Camillo”. I cinque film sono liberamente tratti dai racconti di Giovannino Guareschi la cui prima raccolta in volume risale al 1948. Guareschi, le sue creazioni letterarie e per estensione i film da esse tratti, sono uno di quegli argomenti che può dividere l’uditorio: l’autore italiano più venduto nel mondo era reazionario, monarchico, cattolico, fervente anticomunista (a lui si deve la geniale invenzione del “trinariciutismo” che, se non avete avuto un papà o un nonno collezionista de Il Travaso, non potete conoscere… si provi eventualmente con wiki).

Per quanto si accentui sovente la sua vena “individualista” e “non in linea col potere”, Guareschi collaborò sempre e solo con riviste e pubblicazioni beceramente retrive, quanto di più reazionario e “feudale” si potesse trovare in edicola ai suoi tempi (dal già citato Travaso al Candido) sostenendo quindi correnti politiche e ideologie che al potere sono sempre state a dir poco funzionali. Nei suoi racconti Guareschi rappresentava la visione che dell’Italia del Dopoguerra aveva una determinata fazione politica, quella che si opponeva strenuamente al comunismo e precisamente al Fronte Popolare (l’alleanza PCI – PSI), le sue armi erano l’ironia, talvolta corrosiva, e un talento letterario straordinario.
.

.
L’estensore di queste righe è un adoratore dei film tratti dai racconti di Guareschi e quindi la notizia dell’uscita della trasposizione a fumetti dei racconti dello scrittore emiliano è stata salutata con molto piacere e molta curiosità.

Gli adattamenti a fumetti sono sempre un rischio (beh: gli adattamenti tout court sono un rischio…), ma in questo caso possiamo dire che l’operazione è perfettamente riuscita.
I primi nove racconti-episodi sceneggiati da Davide Barzi funzionano molto bene, riproducendo in modo squisitamente fumettistico le situazioni, le atmosfere, gli scontri e soprattutto l’ironia dei personaggi guareschiani. Dialoghi frizzanti, vivi, mai forzati, sicuramente scritti con un occhio particolare ad un ritmo di tipo cinematografico, ma senza mai tradire il linguaggio del fumetto.
Come accade nei migliori fumetti, i protagonisti prendono vita e si fanno amare (tutti quanti!) e un pezzettino di ognuno e ognuna di loro entra nel cuore di chi legge. L’ironia la fa da padrona, ma la commozione è sempre lì nell’angolo pronta a saltarti addosso.
Altra particolarità dei dialoghi: Barzi è riuscito a “mixare” perfettamente il linguaggio dell’Italia del dopoguerra con la lingua di oggi, capiamo così bene i personaggi anche perché ci parlano dagli Anni 50 ma con la nostra lingua. Difficile spiegare, più facile farsi un’idea leggendo il volume.

.

.

Gli ultimi due racconti-episodi del volume – le Storie del Mondo Piccolo – sono sceneggiati da Silvia Lombardi (Il compagno Gesù) e da Alessandro Mainardi (Il vittorioso). I due racconti non vedono protagonisti Don Camillo né il sindaco comunista Peppone, ma gente comune dei luoghi conosciuti e amati da Guareschi. Storie brevi e intense, entrambe particolarmente toccanti. Gli sceneggiatori raccontano avendo dalla loro gli stessi pregi delle sceneggiature di Barzi.

Sceneggiature completate da ottimi disegnatori e ottimi disegni!
Livello veramente alto e professionale da parte di Werner Maresta, che disegna la maggior parte degli episodi ed è perfettamente a suo agio con tutti i personaggi e le loro espressioni, così come con gli ambienti, gli oggetti e gli sfondi, le atmosfere, lo storytelling in generale, molto fumettistico nel senso positivo e migliore del termine; disegni che raccontano bene e danno il giusto sapore alle storie. Un complimento particolare Maresta lo merita per come ha disegnato i bambini nella prima storia, quella che dà il titolo al volume – Il capobanda piovuto dal cielo – perché si sa che disegnare in modo non solo credibile, ma bello i bambini è compito arduo anche per disegnatori di lunga esperienza. E quei ragazzini, quel ” futuro Don Camillo” con la sua piccola tonaca e quel musetto da monello… beh, c’è da intenerirsi il cuore, a dir poco. Si merita tutti i complimenti scritti qui sopra!

.

.

Non da meno gli altri disegnatori e disegnatrici: Elena Pianta disegna tre episodi del volume dimostrando un ottimo dinamismo e un segno bello e convincente, vivace. Anche lei perfettamente padrona della sua arte, usa magnificamente il bilanciamento tra i bianchi e i neri. Leggerla è un piacere.

A Italo Mattone, coadiuvato ai grigi da Manuela Nerolini, tocca una delle due storie del Mondo Piccolo: Il vittorioso, ultimo episodio del volume. Un racconto densissimo di cose, sia fisiche – paesaggi che cambiano ad ogni istante, milioni di oggetti, di persone, interni ed esterni tra i più disparati – che psicologiche: emozioni pesanti e tragiche – la guerra, la morte, la menzogna… Tutto ciò viene realizzato egregiamente da Mattone, che costruisce in modo molto efficace pagine non certo facili da disegnare.

.

.

Tutti i disegni sono realizzati in toni di grigio, ma il penultimo episodio – Il compagno Gesù – disegnato magistralmente da Federico Nardo, gode di un effetto acquarellato, che si differenzia dallo stile degli altri disegni del volume. Nardo riesce a incantare il lettore non solo con le sue bellissime inquadrature cinematografiche – pare quasi di vederle muovere davvero, quelle figurine! – ma anche col suo stile fluido a metà tra un impressionante realismo e un espressionismo pieno di simboli. Un piccolo capolavoro, se l’espressione non pare esagerata (non lo è).

Questo primo, splendido volume del Don Camillo a fumetti è un’operazione coraggiosa, anche perché non ha un target specifico e ben definito di fruizione, a differenza della maggior parte delle attuali proposte a fumetti. Questo è senz’altro un pregio, ma potrebbe anche rivelarsi una difficoltà per il semplice motivo che chi ama “Don Camillo” è probabilmente una persona matura se non già anziana, mentre chi non lo conosce – facilmente a causa della giovane età – rischia di non notarlo o di non comprenderlo appieno perché le situazioni presentate e il tipo di ironia proposta non sono esattamente ciò che va più “di moda” tra i giovani, oggi.
Chi scrive, non ancora un vecchio bacucco ma già ben lontano dalla propria adolescenza, ha avuto dalla lettura di questo volume un’esperienza veramente bella e intensa, che spera – anzi è certo – di bissare quanto prima coi successivi volumi.
Buona lettura e complimenti sinceri a ReNoir.

Orlando Furioso

Collegamenti Esterni:
- ReNoir Comics

American Splendor: Un Altre Giorno

2011-08-02T11:54:00.000-07:00

American Splendor: Un Altre Giorno

Qualche giorno fa, consigliato da un amico, mi sono visto il film American Splendor (ne parlo qui).

Ovviamente, visto che ve ne sto parlando su queste virtuali pagine, il film è attinente all’argomento fumetto (siete su Fumetti di Carta se non ve ne siete accorti, su cercate di non distrarvi).

Si tratta di un film biografico e narra le vicende che hanno portato Harvey Pekar (1939 – 2010), archivista all’ospedale di Cleveland, ad avere un buon successo come fumettista underground.

Pienamente soddisfatto dalla visione della pellicola e interessato alla storia e alla produzione a strisce di Pekar, ho dato un’occhiata in rete per vedere cosa fosse disponibile dell’autore nel nostro paese. Pochino a dire il vero.

Un unico volume edito da Planeta DeAgostini: American Splendor – Un altre giorno.

Eh si, avete letto bene, non è un refuso: American Splendor: un altre giorno.

Ve lo ripeto: American Splendor: un altre giorno. Così. Lettera per lettera. Sulla copertina. American Splendor: un altre giorno.

Penso che questo la dica lunga su cosa penso della cura che la Planeta DeAgostini riserva ad alcuni dei suoi albi. E’ davvero così difficile notare un errore di stampa su una copertina che riporta solo poche parole: Vertigo. Harvey Pekar. American Splendor. Un altre giorno. Planeta DeAgostini.

Basta, finito. Non è che ci sia da controllare poi molto, almeno la copertina. Stesso errore sul dorso del volume.

Comunque. Torniamo a bomba. Harvey Pekar è diventato una sorta di cantore della vita quotidiana, la voce narrante dell’eterno districarsi tra i piccoli (e grandi) accadimenti di tutti i giorni.

Emblematica la frase ordinary life is pretty complex stuff. La vita di tutti i giorni è una cosa abbastanza complessa. Questo è il succo, tutto in una frase.

La vita, la nostra, quella di tutti, quella della classe media, quella di chi si deve arrabattare per andare a vanti. Niente superpoteri, niente stronzate, niente mondi paralleli, niente action, nessun clamoroso colpo di scena.

I nemici sono i cessi otturati, gli editor rompicoglioni, i conti a fine mese, la neve, l’insonnia, le vendite di questi fottuti albi a fumetti. Lo splendore americano.

I superproblemi sono i rapporti con il vicinato, la gestione dei figli adolescenti, lo sbarcare il lunario, il non cedere a depressione e attacchi d’ansia (purtroppo Pekar ne ha sofferto fino alla fine dei suoi giorni).

Gli accadimenti narrati da Pekar non seguono una cronologia serrata eppure mi sento di consigliare prima la visione del film e dopo la lettura di questo albo (e mi sento di consigliarla) che uscì qualche anno dopo la pellicola.

Tanto abile narratore di spicchi di vita quanto incapace di tenere una matita in mano, Pekar si avvale di una moltitudine di illustratori che si alternano nella realizzazione delle sue brevi esplosioni di quotidianità. La parte del leone tocca a Dean Haspiel con ben cinque storie all’attivo tra le quali l’epico scontro con il cesso di cui sopra. Tratto vagamente caricaturale (ma neanche troppo) in contrapposizione allo stile maggiormente realistico in retini di grigio usato da Ty Templeton che disegna un Pekar davvero somigliante a quello reale.

Tra le pagine del volume anche nomi più celebri: Hilary Barta nota principalmente per le sue chine, il tratto inconfondibile di Richard Corben, e ancora Eddie Campbell (From Hell), Leonardo Manco (Hellblazer), due splendide tavole di Chris Weston (The Filth), Gilbert Hernandez (Love and Rockets) e molti altri.

La prosa di Pekar è essenziale, spazia tra ricordi e vissuto attuale, regala sorrisi divertiti e sorrisi amari, qualche rimpianto e piccole soddisfazioni, brevi frecciate e interessanti argomentazioni.

Potremmo andare per le lunghe perché in American Splendor: un altre giorno (sigh!) ci sono tutte le piccole cose nelle quali ci imbattiamo continuamente nel nostro (speriamo lunghissimo), cammino quotidiano.

Cosa dire ancora: buona vita a tutti!

Dario Lopez

Collegamenti Interni:
- un nostro articolo su American Splendor di qualche tempo fa…

La Banda della Magliana: intervista esclusiva a Simone Tordi, Leonardo Valenti, Stefano Landini

2011-07-22T23:42:00.000-07:00

La Banda della Magliana, di Simone Tordi: sceneggiatore, Leonardo Valenti: sceneggiatore, Stefano Landini: disegnatore – brossura, 144 pag. b/n – 15.00 euro – Becco Giallo (Collezione Cronaca Nera)

La Festa dell’Unità di Roma, ormai è un barboso evento, delle vecchie feste organizzate dal PCI per la sovvenzione del Quotidiano di partito alle quali mi portava il babbo, non è rimasto più niente, passeggiare per i vari stand delle Terme di Caracalla, è come passeggiare a Porta Portese la domenica mattina, non c’è niente che vi riconduca davvero alla politica, a parte il solito palchetto dal quale si filosofeggia e si riduce far politica in Italia ad un continuo attacco al Berlusca.

Ad osservarli imbottiti della giusta dose di alcool, puoi tranquillamente alienarti, immaginare un sonoro aletrantivo alle loro voci, una traccia nuova, un loop remixato con qualche base acida di Aphex Twin degna dei romanzi di Irwin Welsh che dice solo:

unz unz unz… Perche noi siamo meno peggio di loro!… Perché noi siamo meno peggio di loro! unz unz unz!

Che noia, che barba, che barba, che noia.

Quest’anno però c’era davvero qualcosa d’interessante da vedere, un evento organizzato dalla Libreria L’Eternauta, chiamato Fumetti a Mezzanotte, dove tra una conversazione e l’altra sulla cara nona arte, si presentavano al pubblico nuovi autori e nuovi fumetti italiani.

Appena Orlando me l’ha comunicato mi sono sentito un po’ come l’inviato speciale, mi sono subito fomentato all’idea di andar sul posto ed intervistare un po’ di gente.

Già mi immaginavo, il tavolino spartano in disparte lontano dalla caciara della gente, il lettore mp3 accesso con la funzione di registratore vocale, le mie belle domandine da cronista d’assalto scritte su un foglio, una birra, un panino con la salsiccia, e davanti le nuove promesse del fumetto italiano. Ero troppo fomentato, così tanto che per andarci in auto da Roma Nord ho di nuovo abbozzato l’auto, di nuovo si, episodio che mi ha spinto a ritirarmi da solo la patente e sostituirla con l’abbonamento mensile per la metro, e piantarla così di gravare sul bilancio di una famiglia non ancora nata, ma soprattutto di sovvenzionare le ferie ed i vezzi del mio carrozziere.

Quindi niente incontro, niente faccia a faccia, dovrete accontentarvi di un’intervista che ha viaggiato sui cavi del telefono, schizzata da un modem all’altro, fino ad arrivare sui vostri monitor. Dovevano essere situazioni simili quelle che Hunter S. Thompson in “Paura e disgusto a Las Vegas” definisce “puro giornalismo paraculo”.

Cominciamo!
.

Sono molto onorato di presentarvi, nonostante io non li conosca di persona ma solo tramite Facebook: Simone Tordi, Leonardo Valenti e Stefano Landini, gli autori de “La Banda della Magliana” il volume a fumetti di edito da Beccogiallo, che racconta la vita criminale di quegli uomini che negli anni ’80 arrivarono a dominare Roma.
.

1. Prima di tutto facciamo le presentazioni, chi sono Simone Tordi, Leonardo Valenti e Stefano Landini?
.

Leonardo - Sono uno sceneggiatore. Lavoro principalmente per la tv e per il cinema (Romanzo Criminale la serie, Il Mostro di Firenze, Ris delitti imperfetti, A.C.A.B.) ma ho fatto qualche libro a fumetti (per carità basta con gli anglicismi, sono diventato linguisticamente conservatore) per BeccoGiallo, Edizioni BD e ora anche per Tunué.
.

Simone - Vivo e lavoro a Roma. Collaboro da anni con Mediaset come story editor e producer per le fiction TV (da Carabinieri a RIS, per citarne alcune). Nel tempo libero scribacchio. Nel 2010 è uscito nella storica collana dei Gialli Mondadori il romanzo Luna in scorpione. Ho collaborato con varie riviste, come NoirMagazine. La Banda della Magliana è il mio primo fumetto.
.

Stefano – Sono un disegnatore, o comunque ci provo, che ha collaborato con varie case Editrici tra cui: Eura Editoriale, Becco Giallo, If Edizioni, Vittorio Pavesio e altre. Attualmente lavoro sulla testata storica Hellblazer (Vertigo, DC Comics), e ho da poco terminato il mio primo lavoro su Capitan America per Marvel. Inoltre insegno alla Scuola di Comics di Reggio Emilia.
.

2. I gangster romani sono tornati pericolosamente in voga negli ultimi anni, complice una rivisitazione molto romanzata delle loro discutibili gesta, un “Freddo” e un “Libano” li fa venire fuor molto più “eroi” che criminali: nel vostro fumetto come emergono i ragazzi dellla Magliana?
.

Leonardo - La risposta è implicitamente contenuta nella tua domanda. Pur essendo il nostro libro una versione “narrativa” della storia della Banda della Magliana, con diverse licenze legate alla comprensibilità della storia, rimane comunque un ritratto poco indulgente. Basta pensare che il tema di fondo del libro è la morte e l’inutilità delle gesta della Banda.
.

3. Come mai la scelta di un fumetto che parlasse di questo argomento? Un legame particolare a questo pezzo di storia nera italiana o semplicemente avete scelto di cavalcare l’onda del successo della serie televisiva andata in onda su Sky?
.

Leonardo – Nessuno dei due. Il libro nasce prima della serie tv. Io avevo fatto un altro libro con i Becchi (Il Massacro del Circeo, uscito curiosamente dopo per maggiore foliazione) e loro mi proposero di scrivere il libro sulla Magliana perché il distributore glielo aveva consigliato. Anzi ricordo addirittura che me lo chiesero anche prima di scrivere il Massacro ma all’epoca declinai perché la storia del Circeo mi interessava di più. Sicuramente, per quello che mi riguarda, è un libro che nasce con un’urgenza narrativa leggermente inferiore rispetto al Massacro del Circeo. Questo non vuol dire che poi non abbia trovato una motivazione profonda durante il processo di scrittura.
.

Simone - Nel mio caso la risposta è molto semplice. La colpa è di Leonardo, che mi ha trascinato in questa bella avventura.
.

4. Che fonti avete scelto per il lavoro della sceneggiatura?
.

Simone – Essenzialmente Ragazzi di malavita di Bianconi, che è la Bibbia sulla Banda della Magliana.

.

.

5. Immedesimarsi in un volume che si legge è immancabile, anche se i protagonisti sono dei criminali senza scrupoli. Non farlo, è come leggere senza passione, presumo questo conti anche per chi quel fumetto lo disegna e lo scrive, quindi a turno, chi è il vostro personaggio preferito della vostra banda?
.

Simone - Nessuno. Se parliamo della vera Banda della Magliana e non di Romanzo Criminale, posso tranquillamente dire non avere “preferenze” ma un sano distacco. Anzi sono convinto che quando si parla di fatti reali il distacco oggettivo sia auspicabile. Sono i fatti che parlano più degli stessi personaggi. Tornado però alla Banda della Magliana il personaggio più “curioso” è sicuramente Danilo Abbruciati, per le sue molteplici connessioni con mafia, servizi segreti, terrorismo eversivo. Una figura enigmatica che ha fatto una fine incongrua, ucciso dopo aver tentato di sparare a Rosone, come un killer qualunque invece di un capoccia della Banda e che si è portato nella tomba un sacco di segreti inconfessati, persino ai suoi stessi compari della Magliana. Ma da qui a dire che è il mio personaggio preferito ce ne corre…
.

6. Pur non avendo ancora letto (ahimè) il vostro volume ho avuto modo di sfogliarlo in libreria e devo ammettere che il tratto nervoso e semplice di Landini è molto accattivante, ed è sicuramente uno dei motivi che può farti avvicinare alla cassa tenendolo tra le mani, per il design dei personaggi a chi ti sei ispirato?
.

Stefano - Sinceramente mi sono ispirato più ad un genere che a qualche personaggio già visto in tv o da altre parti; il genere in questione è il meraviglioso Poliziesco all’italiana, che credo sia, dal mio punto di vista, il massimo che il cinema Italiano è riuscito a dare sino ad oggi. Sono partito da film come Quelli della Calibro 38, Banditi a Milano, I Bastardi , ecc ecc. In tutti questi film ci vedo quel design, non solo dei personaggi, che spero di essere riuscito a trasmettere. L’aver utilizzato quello stile, che tu hai colto essere semplice e nervoso, è nato da un’esigenza di tempistiche (tre mesi con in mezzo Agosto), e per puro esperimento artistico, che i ragazzi della BeccoGiallo mi hanno lasciato fare. Infatti è stata la prima volta che ho fatto un lavoro completamente con la big e mezzi toni.
.

7. Sempre a Stefano due domandine stilistiche: mi verrebbe da dire che uno dei tuoi “maestri” ispiratori sia l’immenso Igort, ma meglio chiederlo a te, chi ispira le tue tavole, e nel panorama internazionale mi diresti il tuo disegnatore preferito?
.

Stefano - Igort più che ispiratore è stato per me un insegnante, nel vero senso della parola, nel lontano ‘95 presso la Scuola di Fumetti Nuova Eloisa di Bologna, dove venne per un periodo come insegnante esterno. Per il resto il mio “vero stile” è molto più, Argentino, con Bianchi e Neri netti; infatti i miei veri ispiratori e disegnatori preferiti sono Risso, Miller, Mignola. Ora, sapere che da qualche anno lavoriamo (mi riferisco a Risso e Miller) nella stessa casa Editrice, DC Comics, beh, questo mi riempie di orgoglio e per me un piccolo, ma importante sogno si è avverato.

8. Ora tocca a Simone e Leonardo, la figura dello sceneggiatore e dello scrittore in campo fumettistico ha finalmente raggiunto quella del disegnatore, convenite? Calma la domanda non è questa. Direi che questi ultimi anni, grazie sopratutto al fumetto americano, la professionalità di questa figura è stata decisamente e fortunatamente rivalutata, per scrivere lo storyboarding di un fumetto, l’impostazione di una tavola, il ritmo della narrazione, chi ritenete siano i vostri maggiori ispiratori? Ovviamente come per Stefano, voglio sapere invece il vostro scrittore preferito.

Leonardo (con Simone che si accoda) - Sono influenzato da tre decenni di letture fumettistiche. Adoro la scuola hardboiled, per cui ti posso dire che adoro Miller, Rucka, Brubaker, David, De Matteis, Lapham ma anche Dennis O’ Neil se vogliamo guardare al passato. E poi, sarà scontato, ma c’è anche Alan Moore. Ma ho anche influenze nipponiche: Taniguchi, Asano, Urasawa. E in campo romanzesco amo McBain, Wambaugh (il suo “I ragazzi del coro” è folgorante), Bunker ma anche King.

9. Beccogiallo, il vostro editore, è uno delle poche alternative al monopolio fumettistico italiano, anche se la sua distribuzione è relegata necessariamente al circuito librario visto il prezzo delle sue edizioni e il target, indirizzato a tutti i lettori più grandicelli che desiderano leggere un’ ulteriore punto di vista su alcuni dei grandi eventi che hanno caratterizzato la storia italiana dell’ultimo cinquantennio più o meno, quindi cosa è nata prima? La collaborazione con Beccogiallo, con cui poi si è scelto l’argomento da trattare, o semplicemente l’editore Padovano è stata una tappa obbligata, visto che il fumetto parlava di una vicenda durata decenni che ha dipinto di rosso molte prime pagine dei quotidiani italiani?

Leonardo - Mi interessava l’idea della cronaca nera a fumetti, avevo visto i volumi BeccoGiallo in libreria e pensavo di poter fare qualcosa per loro. Dopo è venuta la scelta dell’argomento, come raccontato poco sopra.

Simone - Per quanto mi riguarda, la distribuzione libraria di BeccoGiallo è stato un plus rispetto agli altri editori. Trovare il volume nelle principali librerie permette di raggiungere un target diverso rispetto rispetto a quello delle fumetterie. Inoltre i Becchi hanno un ottimo ufficio stampa che ha portato a diverse recensioni sulle maggiori testate giornalistiche.

10. Il fumetto in Italia sembra un pò un Idra, o una Fenice, per quanto sembri fermo, riesce sempre a riemergere, nonostante come media stia diventando con gli anni piuttosto costoso: cosa potreste dire ai molti ragazzi iscritti alle varie scuole del fumetto che proliferano e che sognano di arrivare a diventare autori, a parte la solita solfa di “impegnarsi”?

Leonardo - Mah non sono un fumettista navigato quindi non ho grandi consigli da dare. Penso che l’editoria a fumetti in Italia sia poco più che amatoriale. E rinasce dalle sue stesse ceneri perché c’è un folto e nutrito gruppo di appassionati che ciclicamente cerca di dare una prospettiva nuova al media. Ma non c’è un vero mercato e non penso che ci sarà mai. A meno che non si imbocchi una strada editoriale precisa, originale ed identificabile come i cari Becchi. Che hanno i loro difetti ma hanno saputo crearsi un loro mercato. Quindi il consiglio è di andare là dove il fumetto è ancora venduto, Francia ed America. Ovviamente il mio discorso vale per il fumetto da libreria. Perché in edicola abbiamo il florido colosso di Bonelli, una realtà per cui vale lo stesso discorso fatto per i Becchi: la riconoscibilità è tutto. Ed è uno dei pochi interlocutori “seri” che mi pare di vedere nel settore.

11. Aspettative, chi vi aspettate prenda il volume?

Tutti e tre - Tu per primo. Altrimenti ti veniamo a cercare con una 44 magnum in pugno… Scherzi a parte: gente che conosce già BeccoGiallo, poi chi ha visto la serie di Romanzo Criminale, anche chi ha letto altri libri sulla Magliana. Probabilmente qualche adolescente in più rispetto ad altri titoli BeccoGiallo. Il libro è alla sua seconda edizione ed ha venduto. Non pensiamo di poter divulgare le cifre esatte, ma, e si torna sulla povertà del mercato, pensare che quelle cifre lo classificano come best e long seller dell’editore non fa presagire nulla di buono per il fumetto in Italia.

12. Progetti Futuri? Come definireste il mercato italiano adesso fertile o sterile a nuove iniziative?

Leonardo - Il mercato italiano è moribondo dal punto di vista economico, ma florido di editori volenterosi che si devono scontrare con una realtà culturale miserrima, ovvero quella italiana, dove si legge pochissimo… I fumetti poi non si leggono quasi per niente… Tra le realtà editoriali più agguerrite c’è quella con cui sto lavorando ora, Tunué, per cui sto terminando di scrivere l’adattamento di un racconto di De Cataldo. Sarà una cosa completamente diversa da Romanzo Criminale, con una tematica universale e tristemente attuale. A Tunué forse manca ancora un’identità precisa ma la determinazione e la capacità di chi ci lavora col tempo la potrebbero rendere una nuova “piccola Coconino“… con una prospettiva leggermente più popolare, che non guasta… anzi.

Simone - Con Leo e Stefano abbiamo creato un bel team di lavoro, e abbiamo deciso di lanciarci in una nuova avventura. Una graphic ambiziosa che ha richiesto diversi anni di lavoro. Il peso maggiore è sulle spalle di Landini, che sta sfornando tavole stupende. Incrociando le dita, il progetto troverà presto la sua casa definitiva.

13. Come pensate leggeranno i fumetti i ragazzi prossimamente? Continueranno a sfogliare pagine di carta sniffando la colla della brossura, o finiremo per toccare tutti un freddo schermo da tablet?

Leonardo - Non sono d’accordo con il tono della domanda. Perché il tablet è per assunto peggio della carta? Confesso di aver avuto anche io un’iniziale resistenza ai fumetti e ai libri digitali ma dopo averli provati non trovo nulla di disidicevole, anzi! E poi essere su un supporto a cui le nuove generazioni saranno più avvezze, è un passaggio obbligato. Oltre che ecologicamente conveniente, aggiungerei. Mi sono goduto diversi fumetti Marvel, DC, Image e altri indipendenti sul mio iPod Touch. Anzi ho trovato la navigazione da vignetta a vignetta persino divertente… Insomma sono tutt’altro che nemico dei fumetti digitali. Anzi ne auspico la diffusione… è un mercato che esploderà tra qualche anno, ma sarà il vero futuro del fumetto. I mezzo devono reinventarsi per attirare pubblico. Vedi gli schermi piatti per la tv, il 3D per in cinema, ecc… chi si ferma, si estingue. È la triste legge dell’evoluzione…

Simone - Io sono tra quei malati che amano sfogliare e annusare i libri. Bene, da qualche mese sono un felice possessore di un Kindle (leggo almeno un saggio o due al mese sul dispositivo), e di un Ipad2 (che uso soprattutto per le riviste).

Vi ringrazio della pazienza a vi auguro buona fortuna per vostri progetti, in più mi riprometto di prendere il volume, ci tengo alla mia pellaccia!

Baci ai Pupi.

Gennaro Cardillo

Collegamenti Esterni:
- BeccoGiallo editore

DC Origini Superman

2011-07-20T03:13:00.000-07:00

DC Origini Superman , di Geoff Johns e Gary Frank – cartonato, 226 pp., col., 20 euro – Planeta De Agostini

.Diciamoci la verità: non credo che qualcuno stesse trattenendo il respiro nell’attesa dell’ennesima riproposizione delle origini dell’Azzurrone, perché di questo tratta l’opera in oggetto. Evidentemente ai piani alti della DC pensano sia utile (leggi: conveniente) ripresentare ogni tot anni la genesi del proprio eroe più popolare. Nel corso degli anni sono state molte, infatti, le riscritture delle origini dell’ultimo figlio di Krypton: considerando solo il periodo 1985 – 2011, ovvero dalla monumentale Crisi sulle terre infinite di Marv Wolfman e George Perez ad oggi, possiamo contare nel 1986 la fondamentale miniserie Man of Steel dell’allora superstar John Byrne, la controversa e per lo più rimossa Birthright di Mark Waid e Leinil Francis Yu del 2003/2004, i vari Secret files and Origins e infine le origini in pillole che hanno popolato le appendici di opere collettive come ad esempio 52.

Ultima della lista è appunto questa Superman: secret origin, miniserie di sei numeri uscita negli USA tra il novembre del 2009 e l’ottobre del 2010, ad opera dello scrittore Geoff Johns e del disegnatore Gary Frank, che ora la Planeta De Agostini propone in Italia in un unico volume, pregevole nella veste grafica (davvero notevoli le 12 splendide cover dell’edizione originale, 6 regular e 6 variant, proposte in un’unica soluzione ripiegabile al termine del tomo) ma purtroppo non esente da errori di lettering.

Prima di procedere a un’analisi della storia soffermiamoci brevemente a parlare degli autori, perché sono loro a costituire uno dei motivi di richiamo del volume, o forse l’unico.

Non è la prima volta che Johns e Frank fanno squadra insieme, i due avevano già collaborato, e proprio sullo stesso personaggio, firmando due importanti saghe su Action Comics: Superman e la legione dei Super-eroi (in USA nn. 858-863, in Italia Superman Planeta nn. 16-18) e Brainiac (in USA nn. 866-870, in Italia Superman Planeta nn. 26-28). In esse i due hanno dimostrato di entrare in buona sinergia, portando ognuno le proprie ormai assodate caratteristiche: da un lato Johns, oramai diventato un architrave della Distinta Concorrenza non solo a livello artistico ma anche dirigenziale, capace di mettere in circolo gli elementi più classici, tratti dalla Silver se non addirittura dalla Golden Age, e di collegarli con tematiche e gusti contemporanei; dall’altro Gary Frank, disegnatore britannico dal tratto pulito e plastico, che ben si sposa alle trame di Mastro Geoff; il suo Superman, chiaro e meritevole omaggio al compianto Christopher Reeve, è uno di più eleganti ed aggraziati che si siano mai visti in più di sette decadi di versioni grafiche del nostro eroe (assai lontano, per esempio, da quello iperanabolizzato e fortemente cartoonistico di Ed McGuinness).

Ora i due si ritrovano per la terza volta su Supes, e lo fanno per raccontarne le origini.

La storia inizia con un Clark Kent adolescente che nella natia (si fa per dire) Smallville rompe involontariamente un braccio ad un amico durante una partita di football. Inizia così un doloroso percorso di presa di coscienza da parte del protagonista, con gli amorevoli genitori adottivi che lo mettono al corrente della verità e con l’iniziale e comprensibile reazione di rifiuto, a cui segue uno dei momenti più drammatici e commoventi del racconto: davanti all’astronave che lo ha trasportato ancora in fasce dal morente pianeta Krypton fino alla Terra e agli ologrammi dei genitori biologici con Jor-El che gli rammenta che egli può sembrare un essere umano ma non lo è, il giovane Clark che scappa in lacrime nei campi, Johathan Kent lo raggiunge e, di fronte al ragazzo disperato che dichiara di voler essere solo suo figlio, lo abbraccia dicendo: «Tu sei mio figlio».

Successivamente il giovane kryptoniano inizia a far uso dei suoi poteri ai fin di bene, barcamenandosi tra una Lana Lang innamorata di lui, una madre adottiva che gli confeziona il primo costume (che lo mette non poco in imbarazzo), un giovane e già diabolico Lex Luthor e, soprattutto, uno speciale gruppo di amici venuto dal futuro…la Legione dei Super-eroi!

La parte ambientata a Smalville si conclude con l’arrivo di una seconda astronave, intercettata dal giovane Clark, che rimane piacevolmente sorpreso quando dall’interno di una carlinga sente abbaiare….

Subito dopo la scena cambia repentinamente, forse troppo: ci ritroviamo qualche anno dopo a Metropolis con un timido e impacciato Clark Kent al suo primo giorno di lavoro presso la redazione del Daily Planet, dove facciamo la conoscenza con Jimmy Olsen, Steve Lombard, la signorina Grant, il direttore Perry White e, last but not least, la splendida e determinata Lois Lane. Quest’ultima, impegnata in una appassionata battaglia giornalistica contro il dominus della città Lex Luthor, coinvolge immediatamente il nuovo assunto in un’indagine d’assalto che li porterà dritti nella tana del lupo. Qui Lois viene smascherata degli sgherri di Luthor e, nel tentativo di fuggire, precipita del tetto del palazzo. La bella reporter viene salvata da un uomo volante, vestito di rosso e blu, con il mantello e una grande S su sfondo giallo sul petto. Tra i due scatta subito qualcosa.

Durante i giorni successivi le grande città si interroga sul nuovo arrivato, con un Lex furibondo per l’entrata in scena di un pericoloso e potenziale avversario; il suo genio malefico, roso dall’invidia verso Superman, non rimane con le mani in mano e crea due superesseri in grado di dare del filo da torcere all’Azzurrone: Parassita e Metallo. Il primo, ex uomo delle pulizie al Planet, diventa un essere mostruoso affamato di esseri umani, apparentemente dopo aver mangiato una ciambella contaminata (!) all’interno dei laboratori di Luthor.

Il secondo, invece, è il sergente John Corben, fedele collaboratore del Generale Lane, padre di Lois, ottuso militarista desideroso di sposare la bella giornalista, naturalmente non corrisposto. Il borioso sottoufficiale viene convinto dalle macchinazioni del generale Lane e di Luthor a essere trasformato in Metallo, orrendo mix di uomo e macchina con un cuore di kryponite verde, minerale letale per il nostro eroe.

Superman riesce a sconfiggere facilmente entrambi i cattivi di turno e, cosa ancora più importante, supera le diffidenze dei cittadini di Metropolis e della stessa Lois, sconvolti dalla rivelazione, messa in circolo dal solito Lex Luthor, che egli in realtà sia un alieno.

Il volume si conclude con un eroe felice che inizia, con le sue imprese, a rendere più umana e ospitale una città che prima non lo era. Quasi a voler suggerire che il vero superpotere del protagonista non risiede nel volo, nella superforza o nella vista calorifica, ma nella potenza dell’esempio, capace di ispirare e plasmare le azioni altrui.

In conclusione, che giudizio dare di quest’opera?

Essa risulta piacevole alla lettura, testi e disegni procedono di pari passo dando un senso di unità senz’altro piacevole. Emerge con chiarezza il tentativo meritorio, da parte di Johns, di amalgamare elementi classici e contemporanei, da Jerry Siegel e Joe Shuster al serial TV Smalville. Non mancano, però, alcune debolezze: certi cambi di scena appaiano troppo bruschi, ad esempio tra la fine del periodo a Smalville e l’inizio di quello a Metropolis, e la genesi di alcuni personaggi troppo repentina e francamente troppo inverosimile anche per un fumetto, vedi quanto scritto per Parassita. In compenso possiamo ammirare una Lois Lane veramente sexy e affascinante, anche se non è chiaro se il merito di ciò sia da attribuire più alle battute che le mette in bocca Johns o alle gambe che le disegna Frank…

Se volete cimentarvi nella risoluzione di tale dubbio, e se vi interessa una buona storia, anche se non eccelsa e originale, l’acquisto è consigliato.

Luca Grigoli

Collegamenti Esterni:
-Planeta DeAgostini